«Актуальный» топ. Про лучшие фильмы 2019 года

Здрасте, я Дима, и я много смотрю кино. Вашему вниманию топ фильмов кажущегося таким далёким из-за пандемии 2019 года. Готовясь к посту, я поглядел гору всего и выделил 43 наиболее впечатлившие меня картины самых разных жанров со всего мира.

С прошлого раза формат претерпел небольшие изменения, в основном косметические. Во-первых, я упразднил блок Honorable Mentions и заменил его на другой блок с англоязычным названием Guilty Pleasures. В него попали пять фильмов, которые мне нравятся, но при этом я понимаю их специфичность и в чём-то даже ущербность. Их стоит смотреть, если ваш вкус прям очень коррелирует с моим (чтобы это понять, можно, примером, почитать мои топы за 2016, 2017 и 2018 годы!).

Это приводит нас ко второй новости. Фильмы, которые были в Honorable Mentions, теперь влезают в основную часть топа. Отчего она стала больше, и я для удобства навигации разделил её на четыре главы: «Примечательные фильмы» (я им поставил 7/10), «Отличные фильмы» (7+/10), «Великолепные фильмы» (8 из 10) и «Исключительные фильмы» (9-10/10). Ещё я к каждой позиции приделал блок со страной производства, именем режиссёра, а также ссылками на трейлер и страницы фильма на Kinorium (альтернатива Кинопоиску, перейти на которую я рекомендую всем без исключения) и IMDB.

Но главное не изменилось: я перебрал гору фильмов (в этот раз их было 216) из более чем сорока стран, как всегда стараясь найти и посмотреть всё, что хоть чем-то меня заинтересовало. Список в итоге получился разномастный, в нём можно отыскать как более-менее известные фильмы (хотя откровенного мейнстрима почти нет), так и малоизвестный нишевый стафф, который вы, скорее всего, не видели. Надеюсь, каждый найдёт в нём для себя что-нибудь интересное. Приятного чтения!

Забавнейшее мокьюментари про культовое несуществующее самурайское телешоу «Детектив с пучком на голове». Отлично пародирует клише японского телевидения, не упуская из виду производственный процесс и личную жизнь его участников. А режиссёр и исполнитель главной роли в сериале и вовсе воплощает в себе всех скандальных звёзд разом. Претензия к фильму у меня одна, но она серьёзная. Даже его небольшая продолжительность в час и 27 минут ощущается избыточной, так что ко второй половине юмор уже не так веселит, и хочется просто узнать, чем закончится история взлёта и падения великого сериала.

Режиссёр невероятного трэша Polar с Мадсом и клипов Мадонны снял фанфик на тему становления легендарных блэк-метал групп Burzum и Mayhem. Разумеется, не обходит он стороной и главное событие — убийство единственным участником первой группы лидера второй. Причём, делает это максимально юморно и драйвово, как какая-нибудь американская молодёжная комедия, а не серьёзный байопик. Эта несерьёзность заставила пригореть Варга Викернеса: многое в фильме переврано, а роль нациста Варга исполняет еврей. Как по мне, это идёт кино на пользу, ведь в XXI веке без иронии говнарей-блэкарей воспринимать невозможно. А смотреть какую-нибудь документалку или что-то более артхаусное об этом слишком уныло.

Простой, но складный фильм, стартующий как мелодрама, но трансформирующийся со временем в триллер. История о паре школьных учителей, которым предстоит проверить отношения на прочность сначала нападением малолетних насильников, а затем — местью этим самым насильникам. Это хоть и слегка артхаусно поставленная, но очень доступная и даже предсказуемая картина, вплоть до самой концовки. Она спорная, но в этом, пожалуй, её плюс. На мой взгляд, если бы фильмы о мести имели однозначный ответ на вопрос моральности принципа «око за око», то в этих фильмах не было бы смысла.

Показательно, но это первый индийский фильм, который попадает в мои списки. Не то, чтобы я их совсем не смотрю, просто индусы в основном снимают клишированные жанровые картины, рассчитанные на непредвзятого зрителя. Но в «Тапке седьмого размера» в кои-то веки чувствуется амбициозность — это фильм одного актёра, представляющий из себя длинный двухчасовой допрос главного героя. Он явился в полицию с признанием в убийстве, но в его истории много пробелов, и копы вынуждены поглубже копнуть это дело. И хотя мы ни разу не видим допрашивающих, протагонист играет до того упоительно, что об этом даже не задумываешься. Фильм впечатляет постановкой и реализацией идеи, хотя местами огорчает дырами в детективной линии и вечной проблемой индийского кино — ужасной музыкой.

Мелодрама, состоящая чуть менее, чем полностью, из разговоров о книгах, кино и политике. В концепции это что-то невыносимо скучное, но сценарий, монтаж и режиссура каждой диалоговой сцены превратили это в увлекательное зрелище. Бессмысленное по своей сути, но ламповое, как улыбка Жюльет Бинош. В конце фильм и вовсе делает намёки на метанарратив, но вовремя обрывается, избежав претенциозности. Ещё это первое понравившееся мне творение режиссёра Оливье Ассайаса, потому захотелось его отметить на самой границе с основной частью топа.

На 43-м месте «Первая любовь», 103-й фильм Такаси Миике (мне нравится все его новые фильмы объявлять с порядковыми номерами, напоминая о сомнительном величии этого режиссёра). Это не мелодрама, как можно подумать, а комедийный криминальный боевик про якудза. Главгерой, посредственный боксёр с опухолью мозга, помогает на улице девушке, страдающей галлюцинациями. Та оказывается пешкой в разборках бандитов, и они очень неумело пытаются выбраться из свалившейся на них кучи проблем. А дальше идёт такой, можно сказать, традиционный (если бы он чтил какие-либо традиции) Миике с реками крови, сломанными конечностями и абсолютно несерьёзным тоном. Сценарий — крепкий, хотя и не без жанровых клише, зато драки прекрасно вписаны в него и неплохо поставлены. А убедительно стёбно переигрывающие на японский манер актёры выдают несколько сцен, заставляющих натурально орать в голос. В этот раз у Миике, обычно очень неровного по качеству, есть, что посмотреть.

Румынская новая волна, которой уже скоро двадцать лет, а она не просто не сдувается, но пополняется молодыми талантливыми режиссёрами. Дебютант Мариус Олтеану врывается в кинематограф с тонкой и мудрой семейной драмой «Монстры», снятой на манер «Мамочки» Ксавье Долана в формате 1:1 (естественно, с расширением «сознания» в ключевой момент). Фильм о семейной паре, в которой никто не знает, чего хочет, но при этом не рвёт отношений, и только всё усложняет до монструозной конструкции, которая разваливается под собственной тяжестью. Конструкция самого фильма при этом интригующа и оригинальна, Олтеану снимает в основном длинными кадрами, а его актёры убедительны и честны насколько это вообще возможно. Не сопереживать истории очень трудно, даже если ситуация кажется вам надуманной и чуждой.

Супермедленная меланхоличная драма про парнишку из Америки 50-х, который после гибели отца вписывается фотографом к врачу-лоботомисту Джеффу Голдблюму. «Гору» трудно рекомендовать всем и каждому, но те, кто не против отчаянно артхаусных вещей, получат нечто сеттингом и идеями напоминающее «Мастера» Пола Томаса Андерсона. Не настолько блистательная по режиссуре, но красиво, как полагается фильму про фотографа, снятая картина про спорных персонажей, которые выступают скорее метафорами, чем живыми людьми, что подчёркивается нарочито деревянной актёрской игрой Лантимос-стайл. И эта метафоричность предлагает пытливым зрителям пожонглировать вариантами расшифровки.

Ещё один притворяющийся мелодрамой фильм о мести, на этот раз из Японии. Сложносочинённая и очень симпатично снятая картина, события которой происходят в двух временных линиях. О похищенной девочке, шокирующем открытии личности похитителя, недопонимании и предательстве, она вызывает очень непростые эмоции, а сюжетная подоплёка может подбить на интересные этические размышления.

К слову, в моём топе 2016 года «Фисгармония», другой фильм Кодзи Фукады, занял последнее место. Тут же он поднялся до четвёртого с конца — рост на лицо! Так что обратите внимание на этого режиссёра и его работы.

В 2016-м году Пабло Ларраин снял два фильма, которые попали в мой топ. Новинку пришлось ждать три года, и она очень удивила! Это самая нетипичная работа чилийца (по сути от него здесь только уже работавший с ним Гаэль Гарсия Берналь), который всю жизнь тяготел к реалистичному, практически документальному визуальному стилю в своих фильмах. Этому способствовала и историческая тематика почти каждого из них. «Эма» же — очень латиноамериканский фильм в стереотипном понимании этого слова. Ларраин словно бы решил поиграть в Альмодовара: великолепные яркие декорации, хлёсткие юморные диалоги и персонажи, сплетающиеся в страстно-ненавистническом чувстве-химере, наводят на такие мысли.

Картина держится на главной героине, необычной, без царя в голове танцовщице Эме, которая замужем за своим балетмейстером. В какой-то момент она решает сменить стиль танца, и эта вроде бы небольшая перемена вызывает череду потрясений в жизни всех, кто её окружает. Эма ярка, своевольна и гипнотична, как Солнце, а вокруг неё вращаются более блеклые и зависимые от неё людишки-планеты. Весь фильм словно танец обновления, которое вместе с ней должны пройти и все её близкие.

После криминально-лингвистической драмы «Полицейский, имя прилагательное» и комедийного антиприключения «Сокровище» Корнелиу Порумбою снова берётся за тему языка. Он внедряет её в неонуарный фильм «Свистуны», который с первых кадров вызывает недоумение: такого румыны ещё не снимали. Самый необычный румынский режиссёр берёт крутой вираж и съезжает с трассы новой румынской волны.

В этом фильме непривычно всё: пейзажи прекрасного острова Гомера ярки и цветасты, сюжет наворочен и полон необычно обыгранных жанровых клише, а персонажи далеки от реализма, загадочны и ближе к классическим образам из шпионских фильмов. О причастности фильма к новой волне напоминает только главгерой, коррумпированный полицейский Кристи, сыгранный Владом Ивановым, который появлялся в половине румынских фильмов последних 15 лет. Но и Кристи в процессе необратимо меняется, совсем как румынское кино в руках дерзкого Порумбою.

Масааки Юаса — самый интересный на данный момент режиссёр аниме. По крайней мере полнометражных. Аниме-сериалы я не смотрю, ведь аниме для геев. У него очень специфический стиль рисовки, который отлично гармонирует с его немного сказочными историями. Свою крайнюю работу Юаса в который раз выстраивает вокруг темы воды: она играет огромную роль в жизни мальчика (пожарного) и девочки (серфингистки), которые влюбляются, но трагические события разрушают идиллию. Думаю, именно нереально креативный подход к анимации воды — особенно во второй половине фильма — поразил меня и не дал оторваться от мультфильма. Юаса уже появлялся в моих топах с абсурдистко-постмодернистской одиссеей «Ночь коротка, гуляй девчонка»; «На твоей волне» штука проще и предсказуемее, но всё ещё достойная внимания не только отаку.

Приятно, когда в топ попадает русский фильм, который не является суровой социальной (семейной/политической/криминальной) драмой, а просто крепкая жанровая штука. В данном случае это кровавый комедийный боевик, нарочито трэшово названный «Папа, сдохни». Фильм с очевидными отсылками к Гаю Ричи, Тарантино и «Олдбою», но до чего же складный и в меру присыпанный российским колоритом. В основном для смеха.

Внимания «Папа, сдохни» заслуживает тем, что в нём каким-то чудом отсутствуют типичные проблемы отечественных комедий и боевиков. Это может прозвучать со снисхождением, но здесь действительно некринжовый юмор, крепко удерживающий внимание сценарий и изобретательный экшн, постановщики которого не паразитируют на популярных названиях (это я про всякие отбросы, вроде «Русского рейда»). Лучшее «кинцо на вечерок» 2019 года!

«Я как лазерный прицел. Помечаю цели и добиваюсь их одна за одной»

Крайне нишевое кино, триллер, посвящённый убийству израильского премьера Ицхака Рабина в 1995 году. Снятое от лица самого убийцы, религиозно повёрнутого студента, который с самого начала ведёт себя как политически активный молодой человек с подвешенным языком, но ближе к делу проявляет всё больше черт социопата. Его упоительно играет Йехуда Нахари Халеви, и он манипулирует вниманием зрителя не хуже, чем его герой всеми вокруг. Снят фильм сильно трясущейся камерой, которая редко выпускает главгероя из кадра (немного в стиле «Сын Саула»), тем самым ещё эффективнее погружая в гущу событий.

Знаете то классическое время, когда среднеклассовые американцы жили в белых домиках за белыми заборчиками, сквозь кроны деревьев лился белоснежный свет, а их жизнь была бела, как скатерть на обеденном столе? «Трава зеленее» — как раз про такую одноэтажную Америку, только утрированную до уровня фантастики. Вежливые соседи могут часами стоять на перекрёстке, чтобы уступить друг другу дорогу, а когда твоя подруга попросит подарить ей твоего новорожденного ребёнка, ты сделаешь это немедленно из вежливости. События фильма утрированы до такого предела, что порой уже трудно смеяться и хочется кричать персонажам: «ОДУМАЙТЕСЬ, ИДИОТЫ».

Казалось бы, где 50-е, а где наш век. Но лично я наблюдаю подобное не на улице, а в интернете, где люди выставляют на фасад только самое чистое и красивое и пытаются быть со всеми до тошноты добренькими. А на деле, чуть что — сразу же подвергают ближнего своего остракизму. У парочки авторов и исполнительниц главных ролей Жоселин ДеБоэр и Доун Люббе получилась стильная, смешная, а главное, едкая и немного злая сатира, которую в наше время, увы, практически не снимают.

Не очень высоко оказавшийся в моём списке, крайний фильм Тарантино меня слегка разочаровал. На мой взгляд, это одна из наименее увлекательных и интересных его работ. История «Голливуда» слишком дробится от постоянных прыжков во времени и пространстве, которые выполнены далеко не так изящно, как в «Криминальном чтиве». А все до единого стилистические и монтажные приёмы мы уже видели у режиссёра раньше, и здесь они сильно отдают фансервисом.

При этом «Однажды в Голливуде» остаётся типичной работой Тарантино и в хорошем смысле. В фильме отличный юмор, причём, не только диалоговый, но и визуальный. Актёрская игра безупречна: мало кто в Голливуде умеет так работать со своими подопечными, вне зависимости от их звёздности, как Квентин. В конце концов, реконструкция Лос-Анджелеса 60-х какого-то невероятного качества, а атмосфера в фильме создана — моё почтение. Благо — это ещё одна черта тарантиновщины — довольно просто наслаждаться отдельными её качествами, забивая на все слабые стороны.

Чрезвычайно странная, но уморительная комедия о компашке реднеков, в которой один из друзей погибает при таинственных обстоятельствах. Как именно — это спойлер за семью печатями, для раскрытия которого вам предстоит провести полтора часа в компании смешных, но очень недалёких персонажей. «Смерть Дика Лонга» — это эдакий «Фарго», но в котором тупые люди ещё тупее.

Добавляет фильму трогательности — и в то же время дополнительный заряд юмора — очень человечное и деликатное отношение режиссёра к героям, его попытка достучаться до их сущности. В принципе, что ещё ожидать от автора «Человека — швейцарского ножа»! Выворачивание внутреннего мира и менталитета странных и туповатых людей через абсурдные ситуации — задача, с которой он уже во второй раз справляется на ура.

Драма о распадающемся семейном очаге, который всеми силами пытаются починить при помощи церкви. Главного героя, мужчину средних лет, уличают в гомосексуальной связи, за что в старомодном обществе он подвергается гонениям. В попытке вернуть мужа, жена и семья обращаются в церковь, при которой обустроена лечебница для людей с нетрадиционной ориентацией. Фильм очень убедительно раскрывает как тёмные стороны религиозного общества, так и внутренние страдания мечущегося главгероя. Снято это очень умело (особенно для такого малоизвестного молодого режиссёра), с кучей впечатляющих длинных кадров и точно выверенными планами. При всей мрачности истории, «Дрожь» предлагает очень приятное глазу зрелище.

Удивительное дело, но, несмотря на географическую разницу, проблемы румынской семьи в «Монстрах» и гватемальской в «Дрожи» до ужаса похожи. Просто решаются они по-разному. Что для румына повод для экзистенциальных размышлений с сигаретой, то для гватемальца основание призвать на помощь безжалостные ортодоксальные силы.

Не подумайте, что здесь какая-то ошибка. Это действительно второй подряд фильм гватемальского режиссёра Хайро Бустаманте, на этот раз политический хоррор. Зачастую ужастики выстраивают вокруг какой-то социальной или психологической проблемы, но в «Ла Йороне» в центре внимания латиноамериканский диктатор, обвинённый в геноциде коренного населения. После суда он вынужден скрываться на своей вилле, которую день и ночь окружают протестующие, не давая спать жильцам: диктатору, его жене, дочери, внучке, охраннику (его играет главгерой фильма «Дрожь») и экономке. Но в дело вмешивается хоррор-элемент, фолклорная плачущая дева Ла Йорона, которая тонкими уловками терроризирует семью и настраивает её против тирана.

Всё, что я сказал о техническом совершенстве «Дрожи», применимо и к этому фильму, но бонусом ещё к этому добавляется мощная камерная атмосфера и несравненная игра девушки, исполняющей роль Ла Йороны. Кстати, случайно не спутайте этот фильм с The Curse of La Llorona, голливудской адаптацией этой народной легенды, тоже 2019 года. Я его не смотрел, но слышал, что там всё очень плохо.

Интересно, что в наше время, когда огромное количество людей обращаются к психологам, никто даже не смеет задуматься: а не чушь ли всё это. Может, в действительности мы никогда не узнаем, что на душе у другого человека. Фильм «И придёт огонь» как раз об этом: о непредсказуемости и непознаваемости разума другого человека.

Не случайно возвращение домой главного героя — отсидевшего за поджог мужчины — сопровождается лесными пожарами. Он является их причиной, если и не фактически, то аллегорически уж точно. Огонь внутри него так же неуправляем, и никакие науки и технический прогресс не способны его остановить. Эта лаконичная, но впечатляющая своей силой, драма подойдёт не каждому. Но если вы цените качественные character study, то не проходите мимо.

Не перестаю возмущаться узколобости критиков и киносообщества, когда дело касается презентации. В 2018 году, когда вышли прекрасные «Слепые пятна» и «Простите за беспокойство», все лавры социально важных фильмов про расизм вручают посредственным «Чёрному клановцу» и «Зелёной книге». «Последнему чёрному в Сан-Франциско» досталось ещё меньше: его практически не заметили, хотя прямых конкурентов не наблюдалось. Исправляю это недоразумение!

Это очаровательное кино дебютанта Джо Талбота. Он вроде бы белый, но в своём фильме с удивительным теплом и заинтересованностью рассказывает о простой жизни, мировоззрениях и мечтах пары чернокожих парней из Сан-Франциско. Один мечтает переселиться в престижный район, в дом, некогда принадлежавший его деду, второй — пишет пьесы и хочет с их помощью изменить мир вокруг себя. Несмотря на то, что парни очень дружны, они несут в себе заряд нарастающего конфликта, который выстрелит в очень неожиданном направлении. При всей глубине задумки, фильм Талбота чрезвычайно легко смотрится. Никакого апломба, только стильные операторская работа и саундтрек, отлично прописанные персонажи и аккуратная подача всех заложенных тем. Фильм о современных вопросах, снятый умным молодым человеком, а не зарвавшимся старпёром, вроде Спайка Ли.

Иногда удивляюсь, до чего же греческие мифы и легенды не дают покоя авторам до сих пор. Йоргос Лантимос превращает «Ифигению в Авлиде» в «Убийство священного оленя», про бесчисленные вариации «Одиссеи» и мифа об Орфее я молчу. А у Софи Дерасп получился оригинальный перенесённый в современный сеттинг миф об Антигоне. На семью иммигрантов, состоящую из двух братьев, двух сестёр и бабушки (отца Эдипа куда-то подевали в процессе, видимо дабы не поднимать тему, что всех детей родила его же мать) наваливаются одна напасть за другой. Одного из братьев подстреливает полицейский, а второго сажают в тюрьму как члена банды. Но Антигона не носила бы это имя, если бы не взяла на себя ношу вытащить свою семью из беды и отстаивать справедливость любой ценой.

Античные сюжетные ходы и семейная трагедия очень гармонично сочетаются в картине с темами иммиграции, криминала и судебной системы. Старый как мир конфликт между родовыми и государственными законами никуда не пропал за тысячи лет, и наблюдать за ним всё ещё увлекательно. Особенно когда в центре истории такая яркая молодая актриса как Нахема Риччи — моё главное открытие года. Интересен и подход к составлению саундтрека: он звучит пополам из современной музыки и треков «под старину», чем подчёркивает положение фильма одновременно в прошлом и настоящем. Софокл бы одобрил такую версию.

Абсурдная комедия от одного из самых симпатичных мне французских режиссёров Кантена Дюпье. Главгерой, которого играет душка Жан Дюжарден, тратит все свои деньги на ковбойскую куртку из оленьей кожи и становится одержимым ей. Бонусом к ней он получает цифровую камеру, и у него (не без подсказки куртки) возникает навязчивая идея уничтожить все прочие куртки и остаться единственным парнем в куртке во всём мире! Да, и всё это ещё важно снимать на камеру — куда без этого в XXI веке. Вы поняли: это нужно видеть своими глазами.

Дюпье в этом фильме умудряется быть одновременно очень ироничным и несерьёзным, при этом в его манере съемки и идеях проскакивают тонкие нотки претенциозности, которые заставляют пораскинуть мозгами над происходящим. «Оленья кожа» получилась местами жестокой, суперлайтовой, короткой (всего 75 минут), французской и более лучшей версией «Дома, который построил Джек». Но, в отличие от работы Триера, юмор здесь не криво пришит в попытке прикрыть серьёзные щи режиссёра, а находится глубоко в подкорке сценария.

Cинопсис этого фильма вызывает опасения, но на поверку картина о русских эмигрантах в США оказывается разудалой комедией с прекрасным юмором и душевными персонажами. Сравнивать её хочется в первую очередь не с какой-нибудь балабановщиной, а с «Хорошим временем» братьев Сафди. Только добрее и про людей, которые выживают, совершая серию полезных дел, а не преступлений. И снятый в основном с непрофессиональными актёрами.

Главный герой, водитель автобуса социальной службы Вик, вынужден постоянно решать проблемы своих родственников. В один день количество взваленных на него задач стало абсурдно много: фильм только начался, а Вик уже опаздывает и спорит по этому поводу со своим диспетчером. В воздухе стоит истерия и напряжение. В ушах — шум от аккордеона и бесконечных разговоров на русском и английском. И таков весь фильм. Он, как полный самых разных персонажей автобус, неистово несётся по сюжетным твистам, а снимает всё это одна из самых трясущихся камер в истории кино.

Хотите провести два часа в компании безупречно играющего Уиллема Дефо, но уже смотрели фильм «Маяк»? Попробуйте «Томмасо» режиссёра Абеля Феррары, которого вы наверняка знаете по оригинальному «Плохому лейтенанту», а больше никто ничего у него не видел. Это практически бессюжетная мамблкористая картина-поэма о режиссёре Томасе, который живёт в Риме, пишет сценарий, старается сохранить трезвость и подозревает свою жену в измене с молодым итальянцем. Все эти важные и/или мнимые заботы перемешиваются у него в голове, в результате чего мы наблюдаем дикую смесь фантазий и реальности, без понятия, что из этого где.

Фильм снят в очень «расслабленной» манере с плавно двигающейся камерой, имитирующей движение взгляда человека. Очень эффектно передаёт атмосферу древнейшего города, пропущенную через нестабильное сознание героя Дефо (а заодно и Абеля Феррары, который не отрицает автобиографичность фильма — жена и дочь в фильме его собственные). А вот «Маяк», который тоже, кстати, про внутренние переживания, будет в топе намного-намного выше, так что не разбегайтесь! (Зачем я этот кринж вообще здесь написал?)

Французский анимационный фильм с нелинейной конструкцией сюжета и внезапно неглупым посылом. Половину времени потерявшая своё тело рука несётся по улицам в неизвестном направлении, исполняет впечатляющие акробатические трюки и воюет с городской фауной. На манер Вещи из «Семейки Аддамс». Между её приключениями демонстрируется история парнишки-курьера, который влюбляется в клиентку и пытается с ней завязать. При сложении двух таких разных сюжетных линий, бытовой и аллегорически-фантастической, получается красивая история про то, как порой нужно отпускать жизненный груз, чтобы прыгнуть вперёд и вверх. Даже если этот груз — часть твоего тела, с которой связаны самые, казалось бы, важные моменты в жизни.

Не менее качественная у мультфильма анимация. Смесь 3D и 2D-техник, а ещё немного ротоскопирования, выглядит стильно и завораживающе. Сам режиссёр говорил, что стремился создать «мир на полпути между материальным и воображаемым». Это ему действительно удалось, особенно учитывая такой же дуализм сказочно-реалистичного сюжета. В общем, это неожиданно глубокое и стильное кино, во многом превосходящее, примером, стремящиеся к глубине и стилю последние работы Pixar. Если вы цените нишевую рисованную анимацию, то обратите внимание на «Я потеряла своё тело» — не ошибётесь в выборе.

Экстравагантное драмеди про четырёх японских школьничков, каждый из которых в один день потерял родителей. Они знакомятся в морге и осознают, что, вместо того, чтобы горевать, совершенно потеряли всякие чувства и стали фигуральными зомби. Вместе с тем они осознают, что четыре человека — это уже пати в jRPG! Ребята отправляются в квест на поиски эмоций и смысла жизни.

«Мы — Маленькие Зомби» безумно креативно сделан, в нём постоянно меняется манера съёмки, постоянно кучи стилизованных спецэффектов на экране, используется несколько разных камер. Монтаж и вовсе шедеврально-эпилептический. С самых первых кадров фильм очень напоминает «Скотт Пилигрим против всех». Ну или какое-нибудь аниме про школьников, что, в принципе, почти одно и то же. В какой-то момент ребята организуются в рок-группу, и в фильме собирается бинго из всех японских клише: аниме, видеоигры, j-rock, школьники, культы еды и смерти. Вся эта вакханалия при легкомысленности формы не гнушается серьёзных вопросов. Я бы вообще назвал «Маленьких Зомби» идеальным фильмом для разъяснения взрослых тем подросткам 12-15 лет.

«Сувенир» Джоанны Хогг — драма о героине в значении «наркотик» и его разрушительном воздействии на жизнь. Только вот рассказана она не привычно — от лица наркомана — а с точки зрения его близкого человека, девушки Джули. Потому это ещё и драма о героине в значении «женский персонаж», которая переживает токсичные отношения и параллельно пытается учиться на режиссёра. Её играет Онор Суинтон-Бир, дочь Тильды Суинтон. Она странная и до ужаса естественная, скорее всего потому, что нигде до этого не играла. Почти невинная прям, умеет смотреть искренне ошеломлённым взглядом в камеру и потому идеальна для роли девушки, увязшей в непростой ситуации.

Диалоги в фильме выстроены под стать, тоже по-натуральному: герои ведут в основном отстранённые речи, перебивают друг друга и реагируют на фразы, не дожидаясь их окончания. Чувствуется сильное влияние импровизации. Визуально фильм тоже приковывает взгляд. Он назван в честь картины «Сувенир» и под стать этому выглядит очень художественно, с этим винтажным фильтром и роскошными интерьерами. Плюс для пущего эффекта многое снималось только при естественном освещении.

Ну а если вас мало интересуют такие глубокие изыскания при просмотре, то вы просто найдёте в «Сувенире» отличную драму. Не напыщенную, не слёзодавительную, не вешающую на уши лапшу нравоучений. На мой взгляд, «Сувенир» — самых примечательный лауреат «Санденса» за последние годы, искренний, тончайшей текстуры фильм.

Завершает «отличный» раздел франко-израильская хипстерская комедийная драма «Синонимы», которая взяла главный приз в Берлине, и вполне заслуженно. Еврей Йоав свинтил в Париж и планирует стать французом, перестав говорить на иврите и забив на свои корни. В первый же день пребывания его грабят, и он попадает в компанию парочки французских мажориков, которые помогают ему обосноваться. Сам Йоав в итоге не рвёт окончательно со своим народом и всячески контактирует с другими евреями. И вот это фильме очень интересно сделано: каждая встреча подана скетчем, который анализирует текущую политическую ситуацию Франции или Израиля, критикует левые идеи первой и военизированность второго. Однако главная тема «Синонимов» — самоопределение в эпоху глобализации, когда каждый может быть кем хочет и где хочет, но почему-то рождается в каком-то конкретном месте.

Фильм очень остроумный и лаконичный в диалогах, он полностью состоит из событий, в нём нет пустых кадров, и оттого он прям супер динамично смотрится. Это качественно сделанное инди-кино в самом хорошем смысле. Главный герой — главное развлечение «Синонимов», как его называют в фильме, "цирковой петушок". Дебютант Том Мерсье (какое-то слишком французское имя для уроженца Израиля) дико обаятельный, увлекательно рассказывает истории, упоительно творит дичь и примерно 20% хронометража размахивает перед камерой своим обрезанным писюном. А его танец на вечеринке, на которую он проник в поиске бесплатных закусок, — одна из моих любимых сцен года.

Внезапно покоряющий драйвом и молодёжной искренностью «Рейв» смело можно назвать «Трейнспоттингом» нового поколения. Даром что рассказывается в нём про всё то же поколение молодых людей из Шотландии 90-х. Да и снят он более консервативно: вместо клипового монтажа Денни Бойла и головокружительной операторки Брайана Тьюфано здесь чёрно-белая плёнка и, пусть и весьма техничная, но классическая манера съёмки. Но роль куда важнее стиля играет музыка, ведь сценарий вертится вокруг очень интересного времени в музыкальной истории Британии.

Пара приятелей старшего школьного возраста пытается попасть на рейв. Проблема в том, что рейв нелегален из-за недавно введённого закона в Британии, запрещающего «музыку, характеризующееся последовательностью повторяющихся ударов». То есть всякую новомодную электронику. Звучит в стиле современных российских законов, но такое правда было, можете почитать на вики. Притом это не фильм про простых нарушителей порядка или круглосуточных тусовщиков. Для скромняги Джонно эта инициатива — способ ненадолго вырваться из заточения семьи, а его бро Спэннер мстит замучившему его старшему брату, своровав у него деньги для вечеринки. Играющий последнего Лорн Макдональд вообще очень впечатляющий паренёк для своей первой видной роли. Он ворует на себя всё внимание и мастерски задаёт фильму цепляющий быстрый ритм.

Слава богу, не очередная адаптация «Отверженых» Гюго (особенно после убогого мюзикла Тома Хупера), эта французская полицейская драма наследует идеи «Тренировочного дня» и «Ненависти» в декорациях нынешнего Парижа. Троица копов, один в которой традиционно переведённый из провинции новичок, вписывается в череду конфликтов между местными бандами, неприкаянной молодёжи и просто бедняков с района. Всё бы ничего, но они порой применяют грубые методы, один из которых фиксирует на камеру дрона местный парниша. Это стартует цепочку последствий, грозящие вылиться в крупные беспорядки.

Фильм снят в динамичной реалистичной манере, крепко держит зрителя за грудки все два часа хронометража и впечатляет топовой актёрской игрой. В том числе и непрофессиональных актёров, местных жителей. Отдельное спасибо режиссёру Ладжу Ли, что он не стал в манере современных молодых чернокожих постановщиков фокусироваться на расовом вопросе. Он в фильме, понятное дело, очерчен. Но, словно поняв, что скучных нравоучений в фестивальном кино и так с избытком, избрал более жанровый подход, сделав упор на саспенс и отношения между героями. То же касается названия. Фильм получил его из-за места действия, коммуны Мондфермей, воспетого Гюго в своём шедевре. И это не то чтобы влияет на историю: она не посвящена революции, и очевидно, что подобные полулокальные полицейские истории могут произойти в любом районе столицы Франции. Но для дотошного зрителя это может стать хорошим поводом поискать отсылки.

Неожиданно мощная тайваньская драма о по глупости угодившем в тюрьму парнишке. Начинающийся с жёсткой сцены отрубания руки и настраивающий на тюремную драму, фильм быстро превращается в рассказ о семье паренька. Главные герои — отнюдь не героические люди. На них совершенно по-разному влияет произошедшее, отношения между родственниками сначала становятся неуютными, а затем скрытые проблемы раскрываются и грозят крахом. Чуна Мунхун, оказавшись режиссёром с хорошим вкусом, облекает историю в красивейшую оболочку и завораживает пейзажами. А грамотно выстроенная за счёт мастерского монтажа драма пробивает на слёзы.

«Солнце» — интересный пример фильма, который можно представить снятым в Голливуде. Другое дело, что он бы точно получился бледным и унылым. Чисто азиатские нарративные и визуальные фишки, вроде красивой жестокости, сплошь скрытных, но черпающих из этой скрытности свою харизму, персонажей и специфической цветовой палитры делают зрелище предельно далёким от голливудской рафинированности. История грамотно раскидана между всеми основными участниками действа, а повествование всегда с идеальным таймингом перескакивает с одного на другого. Третий акт с пограничным в моральном плане твистом — и вовсе чистый восторг. На редкие проблемы фильма, вроде музыки, которой лучше бы не было, закрываешь глаза. Если вы готовы их перетерпеть, то повода не посмотреть «Солнце» я не вижу.

Ещё до своего выхода заслуживший сомнительную славу чрезмерно затянутого фильма, «Ирландец» Мартина Скорсезе внезапно оказался самым грустным фильмом про мафию. Но не одни грусть и жанровая принадлежность делают его любопытной работой. Традиционный проверенный временем стиль Скорсезе, впервые действительно впечатляющие технологии омоложения лиц и, главное, поразительная сила тех самих омоложенных актёров — то, за что стоит оценить фильм. Эти мужчины (а я говорю как о классиках Де Ниро, Пачино, Пеши и Кейтеле, так и о более молодых красавцах Каннавале, Романо и Стивене "ненавижу, блять, цыган" Грэме) выступают для «Ирландца» мощным цементом и намертво склеивают все кусочки фильма.

Трудно не вспомнить бурлящие уже пару лет говны в интернете, которые породили нелестные высказывания Скорсезе о кинокомиксах. Мол, это не фильмы, а светошумовые аттракционы. Знаете, старик не только прав во всём, о чём говорит. Он ещё и показывает, как нужно делать настоящее кино своим на примере «Ирландца». На протяжении десятков фильмов Марвел выстраивают вселенную, а в финале у них получается разваливающийся на части кусок халтуры, где половина персонажей не нужна, а остальные пытаются перетянуть на себя сюжетное одеяло. С точки зрения творчества и реализации задумки — в пустую потраченные десять лет, в общем. Скорсезе же просто берёт все свои (и не только) мафиозные фильмы-вселенные и филигранно вписывает их персонажей в жизни друг друга.

The Irishman: Scorsese's Cut — лучшее в этом поколении прощание со старыми героями, которые уже точно ни в чём подобном не сыграют (а некоторые, как Пеши, давно уже на пенсии). Уметь надо.

Колумбийский фильм-гипноз о жизни отряда малолетних партизанов, живущих в горах и промышляющих похищением людей. По приказу начальника, боевого карлика, они захватывают английскую журналистку, после чего череда событий (связанных с похищением и не только) превращает их жизнь в ад с постоянными лагерями и внутренними конфликтами. Наполненная поворотами история показана в немного абстрактном стиле с выкрученной в потолок насыщенностью цвета и умопомрачительными съёмками горных и лесных пейзажей. Сюжетом и сочетанием красоты и брутальности в кадре «Обезьяны» напоминают «Апокалипсис сегодня» Копполы и «Иди и смотри» Климова. Немало атмосферы добавляет необычный саундтрек Мики Леви, которая известна дорожкой к «Побудь в моей шкуре».

Трудно не отметить и актёрский ансамбль ребят, которые получились очень убедительными. Причём, и как солдаты, и как дети. Можете расценивать фильм как картину о взрослении, а можете как исследование проблемы детских военизированных формирований в неспокойной стране. Болтающиеся где-то на грани и периодически ныряющие поглубже то в одну тему, то в другую, «Обезьяны» производят впечатление очень проработанной вещи. При этом остаются весьма увлекательным зрелищем, поначалу слегка артхаусным, но чем дальше, тем более напряжённым экшн-триллером. По мне, так один из наиболее недооценённых фильмов 19-го года, который должен прийтись по вкусу самому широкому зрителю. Просто зритель о нём ничего не знает.

Красивая и неторопливая исладнская картина о старости, смерти, печали и мести, снятая в традициях Бергмана, Тарковского, Киаростами и Джейлана. Всех моих любимых ребят, короче. В центре сюжета — начальник полиции Ингимундур, жизнь которого разделилась на “до” и “после” смерти жены. Ему нелегко даётся потеря, и лишь забота о внучке как-то даёт ему отвлечься. Но будто того мало: в один момент Ингимундур узнаёт тайну покойной жены. Мир его окончательно переворачивается с ног на голову.

Для исландского режиссёра Хлинюра Палмасона это всего вторая работа (первую, «Зимних братьев», я пропустил, и теперь жалею), но до чего крепкая. Вроде бы очевидная драматическая линия подана с чарующей образностью и поэтичностью. Взять хотя бы одну из первых сцен, когда нам одним кадром показывают, как менялся дом героя на протяжении многих месяцев. Или долгие напряжённые поездки на автомобиле по фантастически красивым исландским пейзажам. Да даже пара экшн-сцен — вроде и брутальны, но поставлены с редким изяществом. Сюда же скандинавский подход к выворачиванию наружу внутреннего мира главгероя, который навевает ассоциации с тонким кинематографом 60-х, в частности, психологическим периодом Бергмана. Превосходный фильм!

Провинциальная театральная актриса перебирается в город за карьерой, ради которой готова из кожи вон лезть. Во время съёмок в шпионском боевике, Нина открывает и сталкивается со всей подноготной кинобизнеса. Из-за этого её рассудок даёт трещину и всплывают назойливые флэшбеки. Плюс какие-то неизвестные люди из неочевидной реальности начинают строят ей козни.

Если у вас всплыла в голове ассоциация с «Чёрным лебедем», то она вас не обманывает. «Нина У» — это «Лебедь» с азиатским колоритом и съёмками в стиле «Неонового демона»: холодная атмосфера, много красного цвета, резкий монтаж. В принципе, это было краткое описание для того, чтобы заинтересовать всех любителей подобного стаффа.

Других могут от картины оттолкнуть феминистические мотивы, что, в принципе, не лишено смысла. Фильм по центровому сюжету слегка metoo-шный (насколько вообще может быть им фильм из Тайваня). Однако эти элементы тонут в рулящих сюжетом общечеловеческих вопросах, вроде самоопределения, следования личным моральным установкам и совести. И как раз они раскрыты как следует.

Самое время для микродозинга документального кино. В каждый топ я допускаю одну документалку, которую посчитаю самой достойной... На самом деле это не совсем так. Я стараюсь не слишком упирать на доки, так как маловато их смотрю и причисляю несколько к иному медиа, чем игровое кино. Потому критерий для попадания документального кина в топ ровно один — художественная изощрённость. В позапрошлом году самым таким фильмом был «Сорокин трип», выполненный, как намекает название, немножечко трипово.

Начинается он, впрочем, с серых брутальных техногенных пейзажей, снятых Михаилом Кричманом, постоянным оператором Андрея Звягинцева. Но по мере продвижения по интереснейшему интервью с новым русским классиком визуальный ряд картины обрастает монтажными фишками и постпродакшеном. Анимации, фильтры, забавные коллажи из фотографий остроумно ложатся на рассказ о жизни и творчестве в последнее десятилетие СССР и безбашенные девяностые. Я до этого не слышал Сорокина. Он, оказывается, вещает очень приятно, тембр голоса и разговорный слог — моё уважение. Оторваться невозможно ни глазами, ни ушами.

Бонусом документалка справилась и с программой максимум — заставила меня читать! Впечатлённый личностью Сорокина, я прикупил пару его книг и сейчас активно вкушаю гениальное «Голубое сало». Чего и вам желаю после просмотра этого прекрасного фильма.

Мне не особо нравится «Наследственное» (если пожелаете, «Реинкарнация», но я не желаю), первый фильм Ари Астера. По сути, интересного для насмотренного зрителя в нём всего ничего: пара сцен да визуальный ряд в общем. В нём чувствуется, как молодой автор просто накидал элементов из любимых фильмов и сделал из них что-то новое, не особо пытаясь в какое-то исследование. Другое дело «Солнцестояние», по которому видно, как Астер собирал материал не только из других фильмов (что делало «Наследственное» таким вторичным фильмом), а из реальности. Он не ограничил себя каким-то одним источником и запихнул в картину всё, что нашёл по теме: язычество Скандинавии, Германии и Англии, народные костюмы, руническую письменность, визуальный стиль классического кино от Параджанова до Пауэлла, отсылки к различным картинам и фотографиям. Ещё и наркотики как элемент приплёл.

В итоге получился ультимативный языческий культ, пугающий в первую очередь своей иррациональностью и непредсказуемостью. Казалось бы, идеальный сеттинг для трэш-ремейка классики с Николасом Кейджем. Но Астер разыграл в этом сеттинге историю об отношениях и любви с Флоренс Пью. Очень красиво и, опять же, немного трипово снятую. Вроде бы и неспешно плетущуюся, но держащую внимание благодаря прекрасной музыке, обилию врезающихся в память сцен и крепкой (а в случае с Пью — великолепной) актёрской игре. С ожидаемой концовкой.

«Невидимая жизнь Эвридики» — бразильский сериал, утрамбованный в двухчасовой фильм, отчего он стал ну прям очень концентрирован по части драматичных диалогов, драматичных сюжетных твистов и драматичной драмы. Чтобы не спойлерить всё это, буду краток. Фильм о двух сёстрах, которые были разлучены родителями, а дальше... Дальше лучше молчать, потому что неожиданные ходы там стартуют буквально с пятнадцатой минуты, и все очень хороши. Один из фильмов, который интригой способен удержать вас, даже если вам обычно глубоко плевать на трагедии в латиноамериканских семьях.

Визуально фильм не отстаёт. Он восхитительно красиво снят на какую-то старую линзу, с постоянными блюром и бликами, прекрасно передающими тёплую летнюю атмосферу Рио 50-х годов. Актрисы в главных ролях отдаются ролям на двести процентов. Повествование ведётся параллельно про обеих сестёр, и они, словно два полюса силы, воюют за внимание зрителя. При этом сценарий богат не одной лишь драмой. И юмор, и неловкие моменты, и тревожные сцены не очень часты, но грамотно встроены в тон фильма и врезаются память смотрящего.

Я не уловил в «Эвридике» отсылок к греческой Эвридике (в отличие от одного из фильмов дальше по списку), но и без этого слоя кино достаточно глубокое. Более честную и душераздирающую семейную драму в современном кино трудно себе представить. В Голливуде такое вообще не найти, но зато в центрах периферийного кинематографа дела обстоят куда интереснее.

Очаровательное поэтичное кино от малоизвестного, но мастеровитого постановщика из Палестины Элии Сулеймана с ним же в главной роли. Однажды задумав снять новый фильм, режиссёр отправился на поиски финансирования в Европу, а затем и в Америку. Ему отказали везде, и про это по итогу он и снял фильм «Должно быть, это рай», в котором герой-режиссёр из Палестины отправляется в деловую поездку во Францию и Штаты.

Этот трип показывается полностью в виде коротких юмористических сценок, как полагается, сдобренных местным колоритом. И почти каждая из этих зарисовок — настоящий шедевр. Но они не только уморительные — хотя, в чём юмор, порой можно понять, только разбираясь в контексте, — но и визуально. Снято всё в редком супершироком формате, практически 3:1 и выглядит мало на что похожим. Тем курьёзнее наблюдать в этом странном кадре жизовые вещи о том, как копы на моноколёсах гоняются за хулиганами или как пара заботливых братьев-мусульман отчитывают официанта за заправленный винным уксусом салат их сестры. Ну ладно, не всегда жизовые, скажем так: вполне понятные для живущего в абсурдной России зрителя.

При отсутствии явного нарратива, «Должно быть, это рай» на удивление увлекает. Сценки вроде и связаны между собой общим сюжетом о поездке, но никаких конфликтов или идеологической подоплёки в нём нет вообще. Лишь чистое созерцание абсурдности мира. Главгерой, режиссёр Сулейман, наблюдает за происходящим молча, как настоящий документалист; не ввязываясь и даже не спрашивая ни о чём происходящем. Разумеется, он удивляется увиденному, обрабатывает его в голове и делает какие-то выводы. Но сами выводы мы не слышим в виде комментариев или диалогов, нет, мы их видим. Так, как их видел режиссёр, но с акцентом на что-то особенно уморительное или ироничное. Это действительно великолепно задуманный и блистательно поставленный фильм, в котором ряд традиционных для кино вещей были пущены под нож. Но не из бунтарства или в экспериментальных целях, а чтобы не загрязнять то, что в нём действительно имеет значение.

Наверное, рано или поздно каждый действительно талантливый режиссёр начинает превращать в кино собственную жизнь. После десятков картин о всяких разных персонажах со сложными судьбами, Альмодовар обратился к своим детству и карьере как к источникам вдохновения. «Боль и слава» — это совсем как «8 с половиной» Феллини: метамодерновое полотно, поданное в очень изысканной форме и способное заинтересовать не только фанатов режиссёра (хотя для них всё же интереснее). Фильм до того нетривиальный по нарративу, что метафоричность эту даже сперва не замечаешь. Он вроде и бесконечно искренний — прям исповедь Альмодовара — но перед лицом всё время маячит какой-то дополнительный слой реальности, который заставляет сомневаться во всём происходящем. А не игра ли это всё? Концовка в этом плане вообще гениальна, ей очень трудно не аплодировать.

Но даже в этом нетипичном для себя фильме (по концепции и визуально — это всё тот же Педро) режиссёр взял на ключевую роль своего старого соратника, изрядно постаревшего с «Кожи, в которой я живу» Антонио Бандераса. Лучше исполнителя функции моста между режиссером и зрителем трудно себе вообразить. Бандерас тонок и тащит на себе фильм. Но если обычно такое говорят про фильмы, где ведущий актёр на голову выше всей остальной картины, то здесь это действительно часть задумки. Всю дорогу сохраняется впечатление, что вся история прогнана через память главгероя, искажена его опытом и подана нам на обозрение. В свою очередь «Боль и слава» так же создана по воспоминаниям Альмодовара, и мы видим в картине истинного его.

Или нет.

Начинаем восхождение на вершину пантеона с фильма, который год назад меня уничтожил. Знаете, тот случай, когда тебе летом исполнилось тридцать лет, ты вроде бы в порядке, шутки шутишь про дедов и бумеров, и будто бы ничего не изменилось. Но вот зимой в кино выходит никому не известный фильм какой-то немки-дебютантки, как раз на эту тему, и на меня со всей тяжести сваливается. Верить в магию кино начинаешь прям!

«Тридцать» — микробюджетная молодёжная инди-комедия про компашку из шести ребят, как водится, разных по характеру и историям взаимоотношений. Они собираются отметить днюху одного из них и пускаются во все тяжкие в тусовочном районе Берлина. По ходу выясняются подробности того, что происходило между приятелями раньше, и каковы вообще их дальнейшие перспективы. Особенно страдает именинник с интересным именем Овюнч, на котором осознание юбилея сказывается наиболее сильно. И это очень неплохо передалось и мне, чему поспособствовали реалистичная операторская работа Симоны Костовой (она же режиссёр, сценарист и монтажёр), убедительная актёрская игра актёров-дилетантов и простой, но насыщенный драматическими моментами сценарий.

Некоторые моменты из «Тридцать» я бы включил в отдельный топ сцен года, если бы такой был. Иронично — двухминутную немую сцену, где героиня врубает блендер, чтобы не слушать свою подругу, а неиронично — эпизод из путешествия по клубам с выступлением Black Bear Basement. В тот момент я уже не сдерживаясь рыдал. Короче, это самая вопиюще субъективная позиция во всём списке. И если и обвинять топ в предвзятости, то в основном за этот фильм. Но кто знает, может, он кого-то проберёт так же. Кино-то вполне универсальное.

Сложно до конца поверить, что этот фильм снял Баумбах. Некогда мамблкорщик, в «Брачной истории» он взял в принципе недостижимую для этого жанра высоту по части передачи информации не через диалоги, а через визуальный ряд. Через концепцию. Для вас это, возможно, рядовая семейная драма, но для меня — глубокое исследование понятия «медиа» как способа коммуникации и форматирования информации. И я немного об этом поговорю.

Разводящиеся главные герои Йоханнссон и Драйвера — люди разные не только по характеру (что никогда не являлось проблемой для счастливого брака), они разные по мировосприятию, подаче информации и миру, который вокруг себя они формируют. Они живут в разных медиа. Он — экспериментальный театральный режиссёр. Она — актриса с голливудскими амбициями. Он привык не говорить, а делать, показывать, и точно так же сцены с ним выражают его внутренний мир через визуально выверенные сцены (взять тот отдаляющийся кадр посреди улицы в Нью-Йорке). Она контактирует со средой исключительно при помощи речи (сцена с исполнением песни и диалог с юристкой — самые яркие соло-моменты Йоханнсон в фильме). Действительное же понимание между героями возникает, когда один из них берёт на вооружение медиа другого: в ставшей мемной сцене ссоры и… в общем, в самом-самом конце.

И выходит, что та же вступительная сцена, такая, казалось бы, психологическая, нужна в фильме просто для отвода глаз. Проблема этой семейной пары кроется не во вкусах, человеческих качествах и нравах людей. Проблема в том, кто они по сути. Проблема в том. И разрешить конфликт можно лишь перейдя из одного медиа сообщения с миром в другой. Может, не сразу, но частично, постепенно. Примерно как Баумбах постепенно перешёл от посредственности к действительно стоящему искусству.

Еврей-ювелир Ховард — самый настоящий фанат своего дела. И не только в собирании бриллиантов. Он ещё и безумный ставочник. И вот однажды всё, чем он занимается, сваливается в одну кучу, и его жизнь превращается в хаос. К нему прибывает неогранённый кусок опала, предположительно стоящий миллион долларов, он заводит дружбу с баскетболистом Кевином Гарнеттом (который тут же одалживает этот камень, веря в его магию), у него накаляются отношения и в семье, и с любовницей, и главное — кредиторы требуют возвратить крупную сумму. И вот Ховард, как истинный еврей, собирается не просто выйти из этого трэшака сухим и при этом немного заработать на ставках.

Если вы видели предыдущий фильм братьев Сафди, «Хорошее время», то представьте себе столь же хаотичное и безостановочное, снятое преимущественно крупными планами, утопленное в прогрессивно-электронно-дроновой психоделикой Дани Лопатина, но доведённое до ещё большего абсурда действие. «Неогранённые драгоценности» — уже не беготня сломя голову асоциального элемента — это мельтешение туда-сюда по муравейнику, который ушлый ювелир вокруг себя соорудил. Он в панике стремится сохранить его целостность вопреки его вопиющей нестабильности. Что добавляет абсурдности и прикола — это в кой-веки старающийся и упоительно харизматичный Адам Сэндлер в главной роли. Он играет так, словно был выброшен посреди Нью-Йорка в гриме, увешанный украшениями на 400 тысяч баксов и вынужденный на ходу сочинять план своего спасения.

Однако красота фильма, несмотря на наблюдаемый хаос, как раз-таки в скоординированности всего и вся. Все компоненты выверены, от сценария до финального монтажа. Это самый технически сложный и совершенно исполненный фильм года. Настоящий цирковой трюк. Куда там вашим косячным «Девятнадцатьсемнадцать» (по уровню незаслуженного хайпа это самый ненавистный мной фильм года, пожалуй) с кучей чит-приёмчиков и холёным постпродакшеном. Вот как создаются настоящие бриллианты. На вид дикие и неогранённые, но на деле ювелирно, с умом и здоровым задротством сделанные.

Ну что, пацаны, коммунизм? «Прощай, сын мой» — блистательная по исполнению и агоническая по эффекту драма, изучающая последствия китайской политики «одна семья — один ребёнок», проводившейся с конца 70-х годов до прошлого десятилетия. В центре истории простая рабочая семья, в короткий срок испытавшая две трагедии. Первая — аборт второго ребёнка, приведший к бесплодию жены, второе — трагическая смерть их первого сына. В дальнейшем жизнь их приводит к череде совершенно разных событий. Но тень потери пропитает всю их натуру. Взгляд, выбор слов, решения — в особенности отца, главного двигателя истории — преисполнены отчаянного желания добиться от мира компенсации.

События охватывают несколько десятков лет, за которые главные герои заметно меняются внешне. И если у вас были претензии к местами очевидной обработке в «Ирландце», то здесь не придерёшься. Грим чётко фиксирует текущий временной период, но выглядит очень натурально. Это особо впечатляет, учитывая, как часто фильм скачет туда-сюда между разными временами. Кстати, об этом. Важнейшее решение, придающее фильму невиданной динамики и заставляющее драму работать — нелинейное повествование. Эту историю можно было рассказать по-разному, но именно нелинейность помогает заглядывать в ключевые точки в конкретный момент и искать там либо ответы, либо новые наводящие вопросы. Только главного вопроса «что делать?», ровно как и ответа на него, не будет задано. Да и незачем.

Закончу одной вещью, которую про современное китайское кино не говорил ни разу. «Прощай, сын мой» — чуть ли не идеальная семейная арт-драма. Неудивительно, что создана она подвергавшимся цензуре молодым классиком Ваном Сяошуаем, а не китайским масс-кинематографом, который способен лишь кринжово копировать западные тренды (я сейчас про отбросы, вроде номинированных на «Оскар» «Лучших дней»). Это действительно аутентичная и работающая с контекстом картина. Все три часа и мысли не появляется, что что-то в ней лишнее, слишком затянуто или пошло. Один лишь потрясный баланс между суровостью и лёгкостью, выдающийся визуальный стиль и, в кой-то веки в азиатском кино, филигранное использование аккомпанемента к тонко прописанной драме.

Я тут сидел, думал, что бы такое написать про самый хайповый фильм 2019 года, чтобы не повторяться и не нести банальностей? О «Паразитах» только ленивый мнения не высказал, пусть моё будет ограничено положением его в топе. Это фильм, заслуживающий его на 100%. А зная о моей любви к корейскому кино и в целом критерии к кино, вы можете представить все аргументы, что у меня сейчас мельтешат в голове.

Вместо этого я хочу немного пройтись по теме сомнения в достойной победе «Паразитов» на «Оскаре». Драма! На днях я увидел пост одного товарища с мнением, что это была попытка показать непредсказуемость «Оскаров». Так вот, моя позиция такая: любой, кто считает так же, либо недалёкий человек, либо просто лицемер.

Во-первых, нахождение иностранного фильма в номинантах на лучший фильм — это не какое-то уникальное явление. В истории Оскара тринадцать фильмов неамериканского производства и/или не на английском языке номинировалось на главную награду (включая американские «Письма с Иводзимы» и «Минари»). Соответственно, целых тринадцать раз была вероятность того, что кто-то из них выиграет. Этого не случалось, но в прошлом году вот прокнуло. То есть, любое возмущение должно быть направлено не к победе одного конкретного фильма, а ко всей системе, которая допустила это. Ну типа «Оскар» всегда был кривым, чему удивляться. Напомню, что первым таким фильмом была «Великая иллюзия» Ренуара в 1939 году.

Я даже умолчу об оскаровском труимфе «Артиста», французского фильма, в 2012 году — про это вы забыли уже? Недавно же было.

Во-вторых, почему ошибочно обвинять в этом голосовавших и их дутую попытку что-то показать? Если вы не знакомы с системой голосования за лучший фильм, поглядите это наглядное короткое видео. Вкратце: она практически исключает возможность сговора. Схема голосования за лучший фильм учитывает все голоса за каждого номинанта, поэтому так часто победитель всех удивляет. Приплюсуйте к этому чисто голосующих, а их сейчас более девяти тысяч, и поймите, что каким-то образом надоумить толпу одним взмахом руки невозможно. Если она не была надоумлена заранее по более естественным причинам...

В-третьих, почему же «Паразиты» выиграли? Ровно потому, почему выиграл любой другой неочевидный кандидат в другие годы, вроде «Влюблённого Шекспира» или «Чикаго». Благодаря тому, с чего я начал рассказ о фильме. Хайп. «Паразиты» просто были самой распиаренной картиной года. С победы в Каннах (тамошний-то триумф оспаривать трудно, на кинофестивалях обычно побеждают и куда менее доступные картины) и до самих «Оскаров» Пон Джун-хо и Мара Буксбаум (которая успешно приводила к наградам «Фаворитку», «Манчестер у Моря», а её компания в целом каждый год занимается проталкиванием к наградам сотен фильмов) занимались пиаром «Паразитов» в США, что напрямую влияет на оскаровские шансы. В Каннах она впечатлилась фильмом и буквально вырвала для себя возможность продвижения его в Штатах. Мы этого не видели в России, но Пон появлялся на всех возможных телешоу, радиоэфирах и подкастах на протяжении нескольких месяцев. Команда Сэма Мендеса далеко не так много сил уделяла раскрутке, и «Девятнадцатьсемнадцать» в итоге проиграл.

Тем не менее, пусть эта победа выглядит скорее как триумф пиарщицы, которая углядела в фильме потанцевал, «Паразиты» этого полностью заслуживают. Потому что это третье место моего топа, дамы и господа!

Haaaaark! «Маяк», значит. Как говорится, на свете есть два типа людей: те, что полностью со мной согласны (а то и готовы на первое место его воткнуть), и те, что сейчас называют весь топ абсолютно нерелевантным из-за этого трэша на втором месте. О ценности этой, без сомнения, выдающейся в формалистском смысле работы можно говорить много и долго. И чем лучше вы разбираетесь в кино, тем больше сможете поведать. Но как и в случае с «Паразитами», меня слишком манит опция поговорить на слегка отвлечённую тему. О Бергмане.

Два гениальных фильма Ингмара Бергмана, «Час волка» и «Персона», послужили важнейшим источником вдохновения режиссёра Роберта Эггерса. По эмоциональному накалу, конструкции и даже отдельным элементам истории «Маяк» — это в первую очередь современная «Персона». А если судить по подкасту, где Эггерс с Ари Астером обсуждает классику, вдохновлялся он десятками различных фильмов. Это буквально трибьют первым семи десятилетиям кино, когда значительную часть времени оно было немым и в основном чёрно-белым. Не потому, что так хочется, а потому, что иначе никак. Вот и «Маяк» тоже невозможно себе представить в цвете.

Вот что наиболее ценно в «Маяке» для современного зрителя, помимо очевидных художественных качеств и колоссального мем-потенциала (особенно для всяких мэшапов: раз, два, три)? На мой взгляд, это его мощь как окна навстречу классике кино. Тому же Бергману, а ещё Беле Тарру, Фрицу Лангу, Джону Хьюстону и десяткам других имён, о которых вы, может, слышали, но своими глазами не видели. Эггерс весьма интригующе заимствует из старья, дотошно, деликатно. Он превращает актёров в существ из совершенно другого мира, из прошлого, которое сейчас кажется чем-то книжным. В людской памяти это прошлое смешалось с произведениями тогдашних авторов, Лавкрафта и Мелвилля, и такой же эффект — на грани истории и выдумки — выдерживает Эггерс. И это касается не только визуальной части, но и звука. Удивительным образом одноканальная звуковая дорожка звучит предельно объёмно. Просто объём этот ограничен одним островом с парой построек, в которых сидят герои. При всей вторичности всех этих элементов, ни на мгновение не возникает сомнений в искренности намерений.

В обязанности любопытного киномана входит пользоваться такими приглашениями и использовать такие вычурные и яркие трибьюты великим фильмам как трамплин для новых открытий и расширения эрудиции. «Маяк» снят абсолютно в стиле картин начала двадцатого века и показывает, что несмотрибельность классики для зрителя из века двадцать первого — просто глупый предрассудок. Примером, я из-за «Маяка» сел активно засматривать Бергмана. До конца года думаю даже всю фильмографию освоить и написать про неё что-нибудь монструзное. Так что садитесь и смотрите классику, наконец.

*Вздыхает*

Как известно, на первое место в моём топе может попасть либо южнокорейское кино, либо фильм про нестандартные отношения между людьми. Либо и то, и то сразу. «Портрет девушки в огне», дамы и господа, — это лучший фильм 2019 года и один из лучших фильмов прошлого десятилетия. Невероятной красоты, изящества и чувственности мелодрама про любовь, искусство и то, как они переплетаются в нетривиальных формах и дополняют друг друга. Это самый тонкий фильм про лесбийские отношения из когда-либо снятых. В конце концов, это самая оригинально скроенная переделка мифа об Орфее на моей памяти.

Прибывшая на остров у берегов Бретани художница Марианна не подозревала, насколько сложным окажется её заказ. Написать портрет девушки на выданье, которая категорически отказывается позировать, оказывается возможным, только разглядывая её днём и рисуя тайком по ночам. Мастерства Марианны вполне хватает для первой версии портрета. Но когда хозяйка покидает поместье, и девушки остаются одни лишь в компании служанки, их отношения перестают быть просто деловыми. Классическая история невозможного романа, перенесённая в XVIII век и с двумя женщинами в центре внимания, не теряет своей сути.

Другое дело — презентационный подход Сьямма. Я не смотрел её предыдущих фильмов (коих всего три штуки), но меня поразило видение режиссёра. Оно чувствуется везде, в каждом аспекте фильма. Визуально — это настоящее произведение искусства. Каждый кадр «Портрета» можно в рамку помещать и на выставках показывать: сочнейшие цвета, мастерские съёмки в тёмных помещениях при свечах, филигранная композиция кадра. Что интересно, не в пример большинству исторических фильмов, он выглядит ну очень современно и очевидно снятым на цифровую камеру. Это может вызвать диссонанс, но в итоге создаёт эффект вневременности. То же, кстати, касается и работ главной героини — картины выполнены в технике, в принципе невозможной в XVIII веке. Отдельного обожания заслужил саундтрек, состоящий лишь из двух композиций: «Грозы» Вивадьди (сыграна дважды) и гипнотизирующего народного напева у костра (один раз). Музыка врывается в сюжет внезапно и каждый раз подбрасывает дровишек в атмосферу. Она вообще получилась очень камерной, отлично сочетающейся с главными героинями. Только зеркально. Как они замкнуты в себе, но с мощнейшей страстью внутри, так события сосредоточены на одиноком острове, окружённом бурным океаном.

Это фантастически целостный фильм, работающий на всех уровнях, безукоризненно снятый и сыгранный, обладающий интеллектуальным запалом в виде легко считываемых, но изящных отсылок к классике. Да и просто-напросто это самый красивый фильм 2019 года. Если красота имеет для вас для вас хоть какую-то ценность, то это преступление пропускать «Портрет девушки в огне».

Так как ссылка на список фильмов из предыдущего поста была утеряна спустя несколько дней, я перестал доверять хостингу файлов. Посему я выложил его в специально созданной для этого группе в ВК. Может она будет ещё для чего-то использоваться, но пока я не уверен в этом.

Так же, если вам хочется немного больше всякого от меня, вашему вниманию мой телеграм-канал о кино «Неоновый латте» и профиль на Кинориуме, в котором я выставляю оценки и кратко комментирую всё, что посмотрел или пересмотрел.

Вместо заключительного слова я бы хотел спросить у читателей, стоит ли продолжать делать топы вглубь (2015 год, потом 2014 и так далее) или же нырнуть ещё дальше во времени. Я давно хочу основательно изучить классику 50-60-70-х, и с не меньшим удовольствием бы поделал посты про всякое старьё. Что же касается топа 2020 года, то его точно раньше середины 2022 года ждать не стоит. Особо интересных фильмов в нём вышло немного, и я быстро смогу освоить всё достойное внимания и сделать топ двадцати фильмов (больше вряд ли наберётся). Но пока как-то не хочется. Впрочем, я всё равно включу этот вариант в опрос.

Всем спасибо за внимание и за то, что читаете меня уже четыре года. Любите кино!

#топы #топ2019 #подборки #списки