Как рисовать пиксельарт? От общего к частностям.

Постоянно сталкиваясь с проблемой отсутствия какого-либо вводного материала по пиксельарту, я решил собраться с мыслями и написать краткую информативную статейку. Моя основная цель — простыми словами объяснить, как общие основные понятия, так и углубиться в специфику квадратиков, чтобы корректно ответить на вопрос «как научиться рисовать пиксельарт?».

Я пишу эту статью, держа в голове то, какая информация помогла бы мне, когда я только начинал. Она содержит ответы на вопросы, которые больше всего интересовали лично меня. Поэтому конкретно для пиксельарта эта статья достаточно специфичная, тем не менее я искренне рассчитываю на то, что она будет вам полезна и интересна.

Я, echerry, художник с пятилетним опытом коммерческого рисования пиксельарта. Самоучка. Мои работы можно посмотреть тут.

А еще у меня есть более локальный телеграм-канал, где можно подробнее узнать о моем творчестве.

Несколько своих работ вынесу и сюда.

Прежде чем перейти к практическим советам, нам необходимо разобраться с небольшим количеством теории. Просто для того, чтобы мы понимали, о чем вообще идет речь.

На самом деле, здесь все просто.

Чтобы рисовать красивые пиксельные картинки, нам нужно понять, что такое картинка в принципе. У меня есть формула «картинки» и я поделюсь ею с вами.

Если вас напугало слово «база», то это означает, что вы психически здоровый человек и это нормальная реакция вашего организма. Но не переживайте — сейчас я все объясню. Под базой мы подразумеваем не «основы академического рисунка». Академ рисунок — это один из способов изучения базы, а не база сама по себе. А сама база — это совокупность вот этих вещей:

Для простоты воспринимайте эти параметры как характеристики вашего персонажа, которые можно прокачивать. Они все вкладываются в любую картинку, которую вы рисуете. Именно потому что владение этими навыками требуется для создания любого визуального образа, оно и называется «основой рисунка».

На самом деле, эти характеристики очень интересно друг с другом взаимодействуют и комплексно влияют на получаемый результат. Например, от вашего объемного мышления и навыков построения зависит и то, как вы положите свет на объект. А располагаемые источники света формируют композицию кадра и т.д.

Я не хочу углубляться в тему базы в этой статье, но в конце вы сможете найти ссылки на ресурсы, где можно самостоятельно разобраться.

Вот мы и добрались до пикселей!

Техника — это то, чем и как ты рисуешь. Это может быть карандаш, уголь, краски, ну и, конечно, расставление квадратиков на холсте. Техника отвечает в первую очередь за то, чтобы понятным образом передать зрителю идею художника.

Сильные стороны техники пиксельарта: простота ПО для рисования, точный контроль цветов.

Слабые: точные построения и быстрые наброски даются тяжелее в меньшем разрешении.

Однако отсутствие возможности чрезмерно углубиться в детали помогает следить за картиной в целом. А это способствует одному из главных принципов рисования — «от общего к частному».

Если мы выбираем пиксельарт нашим инструментом, то вопрос «чем рисовать?» можно считать закрытым, а «как рисовать?» разберем уже в практической части.

В итоге получается, что чем лучше мы владеем базой рисунка и конкретной техникой исполнения, тем лучше у нас картинка на выходе. В этом и заключается навык рисования.

Но мне кажется, мы что-то упустили в первоначальной формуле. Давайте я исправлю эту ошибку.

Что я подразумеваю под идеей? В идею картинки входит:

Рисование само по себе бессмысленно, но зачастую служит какой-то внешней цели. И мы не будем подробно разбирать смыслы в этой статье, но чем чаще вы будете размышлять над идеей своих работ, тем более крутыми они будут становиться, потому что чем точнее красивая картинка попадает в свою задачу и необходимый смысл, тем она лучше.

Что такое картинка мы разобрались, а теперь перейдём к практической части. Чтобы научиться рисовать нужно:

На самом деле, этого достаточно.

Если вы будете просто рисовать и ориентироваться на любимых авторов, рано или поздно вы усвоите те же знания, что вы могли бы получить через теорию. Да, теория и упражнения помогают сильно вырасти в конкретных навыках, структурировать полученные знания и найти новые точки для роста, но основной смысл рисования в практике. Могу сказать даже больше — вы не поймете смысл большей части теории, пока не будете иметь какой-то наработанный практический опыт.

Только рисовать — это замечательно, но не стоит забывать и о визуальной базе. Если говорить простыми словами, это та информация (образы, формы, движения, фактуры, смыслы в широком понимании), которая записана у вас на подкорке и которую вы можете использовать машинально.

Вы будете постоянно встречаться с трудностями: вас будут мучать сомнения, вы будете впадать в тильт, терять интерес к своей работе, но вам придется это преодолеть, чтобы вырасти как художнику. Во многом я считаю важным иметь некоторую предприимчивость — не бояться чего-то нового и непонятного, а использовать это как свою точку роста.

И все это было лишь подводкой к основной теме статьи.

Давайте я сразу обозначу проблему всех возможных гайдов по пиксельарту — в пикселях практически нет никакой теории, не относящейся к рисованию в общем. А поэтому любые термины или «ошибки», которые вы можете встретить в гайдах именно по пиксельарту, либо являются какой-то переформулировкой из общей теории, либо каким-то частным случаем расставления квадратов.

Давайте рассмотрим основные из них:

Все эти элементы не являются ни ошибками, ни необходимостью. Применяя их, нужно думать только об их уместности в том или ином контексте. Например, дизеринг начинающие художники часто используют на небе, но не обращают внимания на то, какую шершавую фактуру этот прием дает материалу. Шершавое небо зачастую выглядит неестественно. Но как понять, что уместно, а что нет? Рисовать и набирать визуальную библиотеку.

Однако! Из полезной теории могу выделить некоторую иерархию элементов в пиксельарте, которая может помочь осознаннее работать с квадратиками на холсте.

Кластеры удобно воспринимать как мазки кистью. Эти пятна вместе могут подчеркивать смысл изображения, создавая динамику и подчеркивая суть передаваемого объекта.

Из важных концепций в пиксельарте (*кхм* то есть в рисовании в целом) стоит упомянуть читаемость. Читаемость говорит сама за себя. Это то, насколько просто и быстро зритель понимает все важные элементы изображения. От понятности элементов во многом зависит то, насколько сильно ваша работа увлечет человека. В пиксельарте проблема читаемости с одной стороны усложняется небольшим разрешением, с другой же стороны подталкивает художника больше на этой читаемости фокусироваться. Не пренебрегайте ей!

С какой-то универсальной базой мы закончили, тем не менее я могу дать несколько практических советов, которые не являются панацеей сами по себе и могут в разной степени варьироваться от художника к художнику, но способны немного упростить ваши первые шаги в пиксельарте.

Художники рисуют в очень разных разрешениях из своих соображений. Чтобы понять, какой размер холста выбирать, вам нужно просто немного практики. Но! Стоит учитывать, что с увеличением размеров холста в 2 раза, количество пикселей на нем возрастет в 4, а следовательно, и времени на большие картинки вы потратите в разы больше, а выхлопа получите меньше. Брать гигантические разрешения — это, наверное, самая частая ошибка новичков, потому что большие холсты могут очень сильно задушить, как новичков, так и умелых ребят.

Но и жёстко себя урезать в разрешении не стоит, график сложности примерно такой.

Мне очень нравится подход, когда художник берет огромный холст, на нем рисуется картинка, не ограниченная в формате изначально, а позже обрезается до нужных размеров. Так ты оставляешь за собой возможность свободно уменьшать и увеличивать любые элементы и картинку в целом, а композиция в итоге выстраивается менее вымученная и более естественная.

Здесь все тоже весьма субъективно и адаптивно под конкретную задачу. При хорошем владении базой цвета и светотени, нет особой разницы между рисованием объекта 2мя цветами и десятком, но второе заберет больше времени. Также в анимации художники стараются решить картинку минимальным количеством пятен и цветов, потому что впоследствии каждое пятно придется двигать ручками самостоятельно.

Не ограничивайте себя в количестве цветов, но руководствуйтесь принципом достаточности и экспериментируйте. Если вы можете убрать цвета и картинка станет от этого лучше — это прекрасно. Если вам не хватает цветов для передачи чего-то конкретного — добавьте еще цвета.

Но не пользуйтесь готовыми палитрами для пиксельарта! Палитры, которые вы можете найти, собраны такими же новичками, как вы сами. Опытные художники понимают, что под каждую картинку нужен свой цвет и не будут заниматься составлением «универсальных» палитр, не подходящих ни под какую задачу. Вы же лишаете себя практики и опыта в чрезвычайно важной сфере рисования. На современных игровых проектах я ни разу за свой опыт не встречал проект, на котором было бы хоть какое-то ограничение по цветам. Тем не менее я не вижу ничего плохого в тренировках восприятия и подбора цвета с референсов, так что могу как альтернативу посоветовать подбирать цвета на глаз с работ опытных авторов.

На самом деле, здесь нет никакой разницы в ПО, кроме его функционала и объективного/субъективного удобства. Я рекомендую Aseprite, потому что у него есть поддержка помогающих в работе кастомных плагинов, синхронизации с практическими всеми необходимыми рабочими программами (Blender, Unity, Pixel Composer) и необходимый достаточно гибкий инструментарий. Эта тема часто поднимается в других статьях, так что я не буду раскрывать ее подробнее.

Для выработки здорового стиля необходимо много и по-разному рисовать и нарабатывать визуальную базу. Но и важно рисовать личные работы (а не только учебные), заниматься творческим поиском, наблюдать, что вам нравится больше, а что меньше. Стоит понимать, что если вы будете развиваться, то и стиль ваш будет соответственно видоизменяться.

Но самое важное понимание — стиль не столько ищется, сколько находится сам с определенным навыком и широтой вашей мысли. Многие же начинающие художники закапываются в какую-то одну изначально слабую стилистику, и она душит их, не давая пробовать что-то новое и развиваться дальше. Не попадайтесь в эту ловушку!

Вам нужна соцсеть с алгоритмами, показывающими контент новой аудитории. Это сразу отметает Телеграм, потому что в телегу аудитория приходит извне и новичкам она не подходит.

Советую рассмотреть ВК, Инсту и Х/Твиттер (запрещенные на территории рф). В последнем находятся основной пласт иностранных заказчиков в геймдеве.

Каждая площадка имеет свою специфику, но художникам для успешного успеха необходимо только набрать минимальную аудиторию (обычно это в районе 100 человек) и просто показывать всем свои картинки. Эта тема, конечно, достаточно глубокая, но поверьте мне на слово, умелый художник всегда найдет свою аудиторию. Гораздо рациональнее тратить время именно на рисование, а не на изучение алгоритмов.

Никогда не пренебрегайте референсами! Референс — это изображение, которое художник использует для опоры в каком-то вопросе. Референсы играют значительную роль в развитии визуальной библиотеки и помогают итоговому изображению лучше справляться с поставленной задачей. Рефы нужны не для их копирования, а для лучшего понимания элементов целого!

Копирование чужих работ — это очень хорошая тренировка, способная дать очень мощный буст начинающему автору. Такие работы нельзя выдавать за свои, но нет ничего плохого в том, чтобы показать ее другим с ссылкой на оригинал. Более опытные же ребята обычно просто подсматривают какие-то приемы и идеи друг у друга, но дословное копирование им уже не нужно.

Из самых заметных заблуждений же у новичков я часто вижу в концепции уникальности. Уникальность сама по себе не имеет ценности, и даже самая хитро выдуманная идея может быть реализована очень скучно. При этом же любая заезженная тема, как рисование обычного дворфа или рыцаря, имеет большой потенциал для различных необычных трактовок.

Посмотрите как завораживающе работает с дворфами концепт художник Monstergarden!

Фраза, что в любой вещи должно быть 70% старого и 30% нового хорошо подходит под мою мысль. Академисты же всю жизнь рисуют людей с натуры, но это не делает ни их плохими художниками, ни их работы слабыми. Поразмышляйте об этом.

Очень простая, но важная мысль. Чтобы расти и развиваться, вам нужны единомышленники. Найдите своих людей, вместе вам развиваться будет значительно легче, чем порознь.

Получайте удовольствие от рисования! Это, на самом деле, очень глубокая мысль сама по себе и раскрыть в полной мере здесь ее не получится, но именно это, я считаю, во многом формирует художника. Если вы рисуете просто потому что вам это интересно само по себе, то все остальное рано или поздно приложится. Если вы начинаете душится рисованием из-за каких-то навеянных принципов и подходов, ищите другие. Работа с визуальными образами, как и абсолютно любая другая немолодая область знаний, бездонна глубока в своем изучении и способна найти свой отклик в большом количестве людей, нужно только найти то, с какой точки зрения на нее смотреть.

Хочу выразить благодарность в помощи со статьей моим друзьям художникам под псевдонимами Yaroslav Hahalev, Lapes, a27o4 (Andrei Onhore), qqruzkin, Gudocher.

Паблик-архив с качественными пиксельными работами.

К сожалению, другие материалы по изучению конкретно пиксельарта я порекомендовать не могу, поэтому далее предлагаю материалы по цифровому и традиционному рисованию.

Базовые видео про свет и тень (3 части). На самом канале много и других полезностей.

Упомянутый выше канал Monstergarden. Здесь можно послушать ход мысли опытного концепт артиста, вдохновиться. (на английском)

Немного вдохновляющих красивых видео о базе в цифровом рисунке. (на английском)

Александр Рыжкин. Хорошие ролики по базе рисунка и продвинутой анатомии. Продвинутый материал для новичков, но не порекомендовать его не могу.

Студия Олега Торопыгина. Большая база видео о рисунке в целом и традиционной живописи в частности, в плейлистах можно найти много интересных тем. Советую начать с «Общие вопросы обучения».