14 лет Нового Голливуда — лучшие фильмы

Эпоха, когда авторское кино зарабатывало, как блокбастеры. Дилетантский список рекомендаций.

Новый Голливуд многими считается лучшей эпохой в истории кинематографа. И таких людей не трудно понять: ведь полностью авторские фильмы собирали огромную кассу, что сейчас является удивительным. Если в наше время такое и происходит, то только в порядке исключения. В этот период появилось множество прекрасных авторов, снимающих и по сей день: Мартин Скорсезе, Роман Полански, Вуди Аллен и так далее. Эти люди, как сейчас говорят: «Перевернули игру».

Я же хочу познакомить вас с этим временем и рассказать о самых примечательных картинах того периода. Я не кинокритик и тем более не историк кино, так что на объективность не тяну. Я попытаюсь найти грань между значимостью в контексте и истории и моим личным отношением к фильмам. Точкой старта мы обозначим 1967-й год, а концом 1980-й, включительно. И того 14 лет и 14 картин, которые навсегда оставили след в кинематографе (простите за пафос). Буду писать не очень объемно, потому что фильмов много, а вот времени нет. Но сначала чуть-чуть истории.

Началом Нового Голливуда принято считать момент отмены кодекса Хейса — кодекс, запрещавший показывать в кино сцены секса, насилия и нецензурную брань. Случилось это в 1967-м году. А произошло так, потому что в кино начали говорить на все более «взрослые темы», вроде того же секса. Поколение 60-х более открытое и свободное. Это выражалось и в искусстве. В нашем случае, в кино.Таким образом в 1966-м году картина Майкла Николсона (о котором мы еще поговорим) «Кто боится Вирджинии Вулф?» с острыми сценами попала в прокат, как исключение из правил. И имела абсолютный кассовый успех и 5 номинаций на Оскар.

Также в 60-х годах был сильный упадок больших студийных фильмов. Такие многобюджетные картины, как «Клеопатра» проваливались в прокате. Да и люди предпочитали сидеть дома и смотреть сериалы по телевизору. Герои Золотой эры Голливуда перестали привлекать зрителя, особенно подрастающих юношей и девушек. А авторские европейские ленты, наоборот имели большой успех, хотя показывались в ограниченном прокате.

Тут на помощь приходят герои этой статьи. Юноши, выросшие на тех самых европейских лентах и фильмах категории B. Среди них большим успехом пользовались картины Французской новой волны. Такого же революционного движения, только случившегося пораньше и на другом континенте. Американцы хотели провести такие же «реформы» у себя на родине. Фильмы, о которых пойдет речь дальше говорят о проблемах США того времени, так что без исторического контекста никуда. Основные темы фильмов эпохи Нового Голливуда — это военная политика США, свобода личного выбора и пересечение насилия с обществом. Впереди вас ждет много хорошего кино, о плохом успеют рассказать в комментариях пользователи DTF.

«Юность VS консерватизм»

Этот фильм удивляет до сих пор — это все, что нужно знать. Даже спустя 53 года «Выпускник» смотрится свежо и оригинально. Все благодаря неординарному подходу создания кино. Как революционно это смотрелось в 67-м году трудно представить.

Чем же он так хорош? Ну, начнем со сценария и проблематики для примера. Лента повествует о Бенджамине, только что выпустившемся студенте, который, конечно, не знает, что делать с своей жизнью дальше. Он ввязывается в роман с замужней женщиной из семьи друзей его родителей. Хотя «романом» это назвать трудно: Бенджамин, как безвольная кукла катается в отель и спит с Миссис Робинсон. Но в один момент появляется ее дочь, и герой заводит роман уже с ней.

Да, я знаю, что звучит, как мыльная опера, но проблематика «Выпускника» заключается в пресловутом конфликте поколений. И на моей памяти, в данной ленте одно из самых интересных и точных препарирований этой темы. Суть в том, что Бенджамин просто плывет по течению, его нужно направлять, а Миссис Робинсон во времена своей молодости вышла замуж из-за банальной беременности. Так что выбора у нее особо и не было. Так она отыгрывается на юноше, хотя на самом деле их ничего и не связывает, поэтому чем-то «серьезным» их отношения назвать нельзя.

И голливудский хэппи-энд, который якобы происходит в конце, на самом деле показывает бесполезность бунта, который совершил главный герой, начав отношения с дочерью Миссис Робинсон, не смотря на ее запрет. Впрочем такие вот грустные финалы для бунтовщиков, встречаются во многих лентах Нового Голливуда.

В «Выпускнике» прекрасная операторская работа, которая до сих пор удивляет своим мастерским построением кадра. Камера все время берет интересные планы и с разных ракурсов раскрывает историю. К этому прибавьте интереснейшие переходы между сценами, выстраивающиеся в ассоциативный ряд.

И, конечно, монтаж. Режиссеры Нового Голливуда позаимствовали подход к монтажу у Французской новой волны, которая отказалась от студийных стандартов. Суть в том, что раньше фильмы монтировались с такой установкой, что монтаж не должен выводить зрителя из эффекта погружения. То есть лента не должна была выдавать свою принадлежность к кинематографу. Тогда сцены склеивались последовательно и максимально логично.

Но французы в своих фильмах пошли другим путем, тем самым совершив революцию. Их фильмы наоборот не скрывали того, что на экране – иллюзия и успешно с этим игрались. С помощью монтажа французские кинематографисты не просто рассказывали прямую историю, но и передавали эмоции и раскрывали чувства персонажей. Все это применимо и к «Выпускнику», который унаследовал это особенность у Французской новой волны и развил ее.

Сложно переоценить вклад в развитие кино, который сделала картина Майкла Николсона. Свободная от правил «Старого» Голливуда, данная лента ознаменовала начало новой эры кинематографа. Да, был «Бонни и Клайд», но думаю именно «Выпускника» можно назвать символом начинающейся эпохи. Картина имела огромных успех у зрителей, что позволило продюсерам распахнуть свои двери новым перспективным авторам

«Сатанисты в квартире напротив»

Ну, сюда не мог не попасть любый фильм Рика Далтона. На его месте могла быть «Космическая одиссея» Стэнли Кубрика, которая впечатлила меня гораздо больше, но в контексте данной статьи «Ребенок Розмори» будет важнее, как мне кажется. Да и причастность Кубрика к Новому Голливуду еще можно оспорить.

Вообще, Роман Полански — очень своеобразный режиссер. И я говорю не столько про его фильмы, сколько про его биографию. Как вы знаете, на следующий год после выхода «Розмори» жену режиссера убила секта Чарли Мэнсона. Что послужило своеобразной символической смертью для Золотой эры Голливуда. Также обвинения в изнасиловании, из-за чего Полански сбежал из США, и все последующие фильмы снимал в Европе.

«Ребёнок Розмори» — первый огромный успех режиссера. Фильм, вписавший Полански в литографию самых значительных кинематографистов современности. А сама «Розмори» — прародитель всех хорроров про демонов и оккультные тематики. Это довольно смело учитывая время выхода картины.

Сюжет повествует о молодой девушке Розмори, которая со своим мужем переехала в новую квартиру. Молодожены решают завести ребенка, и когда девушка, наконец, беременеет, у нее начинаются приступы паранойи: назойливые соседи, кажется, что-то задумали, и даже собственного мужа в это втянули.

«Ребенок Розмори» — это замкнутый неторопливый хоррор с давящей атмосферой. Она и вытягивает медлительный темп фильма. Несмотря на свой возраст, картина умудряется, если и не напугать, то держать в напряжении точно. И пусть внешняя оболочка истории предельно проста, на деле Полански высказывается обо всем «свободном» поколении 60-х годов.

Все окружающие Розмори люди – старики. После того, как она пытается проявить свою волю, ее пытаются контролировать все больше. Получается, что еще лента о подавление женской воли. Полански показывает консервативное отношение к женщине, как к машине по производству детей. Так что поляк частично затрагивает и тему феминизма и дает неутешительный вывод о судьбе всех протестов, которые были актуальны в то время. Эпоха революций закончилось, добро пожаловать в мрачные 70-е.

Конечно, всего этого в ленте может и не быть, и я неизлечимо болен СПГС. Но даже если отбросить всю историческую интерпретацию фильма, «Ребенок Розмори» — вполне себе добротный хоррор. Может быть современных зрителей картина не будет пугать и покажется затянутой, но меня эти проблемы обошли стороной. Ну а концовка вообще отдельная тема для большого разговора. Смелый ход, оставляющий чувство горячи на душе.

«Два отброса во враждебном мире»

Наверное, глупо в очередной раз говорить, что «данный фильм – смелый», потому что суть Нового Голливуда как раз в этой смелости и заключалась. Но «Полуночный ковбой» идет дальше и частично затрагивает ЛГБТ тематику. Не волнуйтесь, ничего серьезного, но все же на тот момент это было чем-то немыслимым. Причем картина не драматизирует данную проблему, а смотрит на нее вполне трезво.

«Полуночный ковбой» — фильм о Джо Баке, техасском простаке, который решил заниматься проституцией в Нью-Йорке. Его мечты сразу же разбились: женщин, желающих спать с ним за деньги не нашлось. Тут он и встречает Риццо, который смог легко обмануть главного героя и развести его на деньги. Но в итоге герои смогли найти общий язык и подружиться. Но Нью-Йорк все еще оказывается враждебным местом, так что Джо и Риццо приходится буквально выживать, опускаясь до самых низких поступков ради денег.

Это кино о поразительной дружбе (именно дружбе). На отношениях неудачника-ковбоя и городского отшельника держится «Полуночный ковбой». В их дружбу веришь, потому что, учитывая в каком не только финансовом, но и социальном положении они находится, два таких неудачника вполне могли сплотиться в крепкую команду. Ну и тут мы опять встречаем Дастина Хоффмана, который снова блещет. Ему досталась роль более сложного в эмоциональном плане человека, чем Джону Войту, который сыграл Джо Бака, но Хоффман снова выполняет феноменальную работу. В этот раз он еще блистает не только актерским талантом, но и харизмой.

И что свойственно для Нового Голливуда — это трагичный фильм. Джо Бак, ведомый своей мечтой приехал в Нью-Йорк, но город его отверг. Да и дружба героев заканчивается трагично. Не найти счастья героям Нового Голливуда. И меня лента навила на достаточно грустные мысли: «Вот что, если я также ведомой своей мечтой попаду в ситуацию, как Джо Бак?» Ведь шанс такого исхода намного больше, чем любого другого.

В «Полуночном ковбое» прекрасная атмосфера грязного мегаполиса, безжалостного города, который не принимает простаков и не собирается вас жалеть. Этому способствует прекрасная операторская работа: размазанные огни Нью-Йорка, ночь, какая-то меланхолия и ощущение своей незначительности. Мир не исчезнет, если исчезнешь ты.

Смелый, но не кичащийся этим фильм, рассказывающий свою грустную историю. Никакого хэппи энда и надписи «The End» под веселую джазувую музыку. «Полуночный ковбой» — первая картина в истории кино, получившая Оскар за «лучший фильм» с ныне почивший рейтингом X. Сказка без героев и «жили они долго и счастливо», но определенно шедевр.

«Контракт есть контракт. Ради этого мы и сражаемся»

Недалеко мы ушил от Майка Николса. Очень значимый режиссер для Нового Голливуда, который, фактически его и создал в 66-м году. Но, к сожалению, его имя и работы не стали настолько же известными, как, например, у Мартина Скорсезе или Вуди Аллена.

«Уловка-22» — это сатирическая военная трагикомедия, повествующая о бомбардировщике капитане Йоссариане, который хочет вернуться со службы домой. Он думает прикинуться сумасшедшим, но тут ему мешает та самая Уловка-22 — правило, по которому все, кто говорят, что они психи являются здоровыми. Действие происходит во времена Второй Мировой войны, а если точнее в 44-м году в Италии. Но никакого «ура-патриотизма», что свойственно для американских военных фильмов, где Америка и американцы становятся главным объектом для критики.

В картине часто персонажи спрашивают друг у друга: «Ты сумасшедший?» и действительно, грань между безумием и рациональностью давно уже стерта. И не из-за того, что героев свела с ума война, а потому что они по своей натуре безумные животные. Например, лейтенант-начальник столовки буквально открывает свою фирму прям на фронте. А для офицера убить итальянскую девушку считается нормальным. В этом безумии Йоссариан пытается найти частичку разумности и как-то сбежать с фронта, пока американская машина капитализма строится и работает даже на военном фронте.

Эта война становится лишь предлогом для исполнения своих собственных желаний людьми со званием повыше. Очередной фильм, критикующий капитализм, помимо этого еще и анти-военный манифест. «Уловка-22» показывает всю абсурдность любых военных действий, где солдаты – лишь марионетки для получения выгоды. Да и эти солдаты не лучше: поменяй их местами с начальством, ничего бы не изменилось.

Популярна тема для «Нового Голливуда» — критика американской военной компании. В это время шли боевые действия во Вьетнаме, так что мы еще вернемся к этой проблематике. А «Уловка-22» пусть и не революционная классика кинематографа, как многие картины здесь, все равно заслуживает вашего внимания.

«Меланхоличная молодость»

Юность проходит незаметно. Этот возраст всегда связан с различными переживаниями и страхами по поводу будущего. И это нормально: почва под ногами еще не успела стать твердой, а паника перед неизвестностью всегда была частью человеческой жизни. Но еще хуже, когда ты не знаешь, чего ты хочешь: того отрезка жизни, который тебе дали, чтобы определиться насчет будущего, не хватило.

«Последний киносеанс» повествует о маленьком техасском городке из того типа, где все друг друга знают. Сюжет рассказывает о жителях этого города: подростков, которые оканчивают школу и их родителях или взрослых того же возраста. Они влюбляются, расстаются, занимаются сексом, дерутся, умирают и уезжают. В картине нет четкого последовательного сюжета: структура фильма больше похожа на небольшие заметки из жизни людей.

В отличие, например, от «Американских граффити» Джорджа Лукаса со схожим повествованием, лента Питера Богдановича не романтизирует молодость и не наставляет героев на пусть истинный, а наоборот показывает, насколько юность бывает разрушительной и пугающей. Условный главный герой, Сонни, застрял в маленьком, богом забытом городке, который по мере развития истории начинает опустошаться. Ни амбиций, ни развития, ни карьеры – ничего. Парень пытается найти себе место в этом маленьком человейнике, но только теряет все, что его связывало ним.

Получается анти «Что гложет Гилберта Грейпа?». В этой полной меланхоличности, которая подчеркивается черно-белой картинкой, «Последний киносеанс» прекрасен. Во многом лента рассказывает трагичную историю, что присуще фильмам Нового Голливуда, но в отличие от них, герои «Киносеанса» не протестует против системы, общества или даже старшего поколения.

Они просто живут и пытаются найти смысл в их собственных жизнях. И не тот пафосный и высокий смысл, а маленький, на уровне «Что мне делать дальше?». Это максимально приземленная история, которая поражает своею правдивостью, в конце оставляя тебя таким же опустошенным, как и этот злосчастный техасский городок.

Что ж, низкий поклон Питеру Богдановичу, за такой фильм. Наверное, будет моим любимчик среди картин про «отвязную молодость» (простите, «Клерки»). Кажущаяся сначала простота «Последнего киносеанса» обманчива: за оболочкой несвязанного фильма про подростков, прячется экзистенциальная драма про безысходность.

«Это просто бизнес. Ничего личного».

Даже не знаю, что рассказать, чего вы не знаете. Один из самых легендарных фильмов в истории. Кульминационный пик Нового Голливуда. Главная криминальная драма. Картина, сделавшая Френсиса Форда Копполы одним из самых влиятельных режиссеров второй половины 20 века, а Аль Пачино абсолютной звездой. Да, это все «Крестный отец». И говорить, почему история о восхождении Майкла Корлеоне в криминальном мире, стала настолько культовой, тоже, наверное, не надо. Но мне все-таки надо что-то написать.

Больше всего мне, конечно, понравился Марлон Брандо в образе Вито Карлеоне. И тут даже дело не в каком-то запредельном уровне актерской игры, а в портрете, который изображает актер. У него получился притягательный образ стареющего главы криминальной семьи, который уже не может идти в ногу со временем. При этом Карлеоне не похож на типичного мафиози: он рассудительный, спокойный и не кровожадный. Как будто жертва обстоятельств.

Его сын, в свою очередь, попадает в патовую ситуацию: он не хотел иметь какие-то связи с семейным бизнесом, но в силу обстоятельств, ему пришлось занять место отца. По мере продвижения истории, характер начинает разлагаться. Корлеоне-младший сносит все на своем пути ради поддержания бизнеса. Мораль начинает отходить на второй план – ничего личного, ну, вы знаете.

«Крестный отец» — это не бойкий экшен фильм про гангстеров, нет. Это 3-часовое полотно, рассказывающее историю одной семьи и очень подробно копающееся в криминальной структуре. Никакого голливудского хэппи-энда и приторных нравоучений, только притча о том, как человек меняется, попав в круговорот событий, которых не должно было случиться.

Коппола возродил интерес студий и зрителей к гангстерскому кино. При бюджете в 6 миллионов, «Крестный отец» собрал какие-то невероятные 240 миллионов. Сами понимаете, насколько большой это успех. Так же 3 Оскара, в том числе и за «лучший фильм». Ну, и конечно, звание одного из лучших фильмов в истории: 2-е место в топе 250 IMDB и 13-е на Кинопоиске

«Такая жизнь нас приведёт только к… пустошам».

Теренс Маллик — один из самых неординарных режиссеров современности. Все дело в его последних фильмах, которые граничат с гениальностью и претенциозностью. В некоторых даже сценария нет, а другие рассказывают о зарождении вселенной. Но сейчас только 73-й год, вышел дебют Маллика — «Пустоши».

Это фильм о паре Холли и Ките. Первая – 15-летняя девушка, которой уже вполне взрослый Кит вскруживает голову, и они вместе уезжают в поисках лучшей жизни. Пара начнет жить в диких условиях, скитаясь туда-сюда, и оставят после себя длинный след из трупов. Холли попала под влияние Кита, но их любовь не чувствуется, как сильный эмоциональный позыв, скорее неудачная попытка найти себе место в жизни.

Девушка понимает, что такая жизнь ей не нравится; вдали от людей и цивилизации. Очередной бунт оказывается бесполезным, только в данном случае, протест никто не подавляет: герои сами понимают его бессмысленность. Никакой романтики и куража Бонни и Клайда, лишь разочарование и принятие жизни, которая тебе предназначена обществом.

Маллик строит свое повествование интересным образом: вместо того, чтобы рассказать трагическую историю любви, режиссер делает из сюжета настоящий фарс. Насилие воспринимается, как что-то должное, и любое убийство Кита, Холли воспринимает с безразличием на лице, а сам молодой человек убивает людей с необъяснимой легкостью и не принужденностью.

«Пустоши» — отличная отправная точка для начала карьеры. Фильм пусть и не ждал большой успех, но стать культовым, хотя бы в кругах кинолюбителей, смог. Это необычный взгляд на типичную историю о «двух влюбленных убийцах», который при своей абсурдной подаче, смотрится вполне адекватно, учитывая, что Маллик делает сейчас.

«Не суй свой нос в чужие дела. Найдешь не то, чего ожидаешь».

В этом году вышел другой фильм Копполы — «Крестный отец 2». Но я решил, что наличие в списке двух фильмов одного режиссера – это еще нормально, то двух фильмов одной франшизы, уже нет. Тем более «Разговор» не настолько известная работа режиссера, как эпопея о гангстерах.

Картина повествует о Гарри Коуле – человеке, который тайно записывает разговоры людей и продает их. Во время очередного задания герой понимает, что людям, чей разговор он записал, может грозить опасность. Так начинается его расследование и попытка разобраться, что же все-таки происходит.

Сам Гарри достаточно замкнутый и апатичный человек, который к тому же страдает сильной паранойей. Он никому не доверяет, живет в свои 42 один, да у него даже телефона в доме нет. В те времена, из-за Уотергейтского скандала, люди впервые начали волноваться из-за слежки за населением, которое проводит государство. «Разговор» прекрасно передает эти настроения. Для нас это уже не кажется таким страшным, учитывая политику Google или, например, пакет Яровой.

Картина представляет собой закрученный детективный триллер. И сценарий «Разговора» — главная вещь, за которую можно похвалить Копполу. Очень редко, когда встретишь по-настоящему выдающуюся запутанную историю с хорошими твистами. Знаете, в конце которой говоришь: «Вау, это было неожиданно». Вот, «Разговор» именно такой фильм. Коппола мастерски оставляет подсказки на протяжении всего фильма, манипулируя зрителем. И как положено хорошим детективам, разгадка лежит на поверхности.

Картины режиссера вряд ли можно упрекнуть в непримечательной операторской работе, чего не скажешь про большинство других фильмов. «Разговор» не исключение: помимо красивейших кадров с интересными ракурсами, оператор вводит зрителя в состояние тревоги, как у главного героя. Часто камера, как будто «подсматривает» за протагонистом. Ну и чарующая атмосфера грязного мегаполиса, свойственная фильмам Нового Голливуда.

«Разговор» пусть и остался в тени более известных работ Кополлы, заслуживает внимания ничуть не меньше. Картина получила «Золотую пальмовую ветвь» на Каннском фестивале и три номинации на Оскар, в том числе и за «Лучший фильм». В том же году, в той же категории был представлен и «Крестный отец 2», который и забрал статуэтку. Коппола был номинирован в том году в 5 категориях, и стал лауреатом в 3-х из них. Нифигово так, да?

«In and out. Ten minutes».

Наверное, тоже неочевидный выбор, ведь в этом же году вышла легендарная «Пролетая над гнездом кукушки». Но я не особый фанат этого фильма, да и, думаю, большинство его смотрело. Поэтому я выбрал фильм, про который интереснее рассказать. «Собачий полдень» – это картина Сидни Люмета, который уже успел прославиться. Вам он может быть знаком по ленте «12 разгневанных мужчин».

«Собачий полдень» повествует о реальном ограблении, произошедшем в 1972-м году. Двое грабителей ворвались в банк, думая, что дело займет всего 10 минут. Но никаких денег в банке не оказалась, а на место происшествия уже приехала полиция, которая окружила здание. Главный герой, сыгранный Аль Пачино пытается договориться с полицией, чтобы они могли безопасно скрыться.

Фильм примечателен в первую очередь тем, как развивается история. Санни и Сэл уже подружились с заложниками, а само ограбление стало для людей символом борьбы за любые возможные права. Протагонист стал героем для общества и жертвой порочной системы. Да и когда узнаешь мотивацию Санни, ему действительно начинаешь сопереживать.

Впечатляет еще как «Собачий полдень» играется с жанрами. Фильм и будет держать в напряжении, и найдет место для шутки, и заставит, вряд ли заплакать, но, так сказать, «за душу тронет». При том, что все события будут происходит в одном банке, динамика все больше и больше возрастает, также как и многочисленные факторы, давящие на Санни.

На сколько «Собачий день» достоверный фильм, я не знаю. Думаю, что не слишком, да и неважно это. Люмет снял просто… хороший, даже отличный фильм. Без революций, может, поэтому он и затерялся среди других картин Нового Голливуда. Все-таки спустя года мы запоминаем только самое лучшее, упуская даже хорошие фильмы. И интересный факт: Аль Пачино был номинирован на Оскар 4 года подряд с 1973 по 1976, но не выиграл не разу. Статуэтку он забрал только в 93-м за главную роль в «Запахе женщины».

«Отомстить обществу за собственные проблемы»

Пожалуй, самый известный фильм, наряду с «Крестным отцом», в этой статье. Уж сколько раз, он попадал во всевозможные списки лучших картин всех времен, сосчитать невозможно. «Таксист» — пятый фильм Мартина Скорсезе и считается самым лучшим в его фильмографии. Что ж, я бы поспорил с такими утверждениями, но как-нибудь в этот раз.

Картина повествует о ветеране вьетнамской войны, Трэвисе Бикле, который после мобилизации возвращается на родину. Он не спит по ночам, поэтому решает поработать ночным таксистом. Трэвис не брезжит возить людей в любые точки Нью-Йорка, даже в самые опасные места. Также ему все равно кого возить, и вряд ли это связано с тем, что герой очень толерантный: он просто ненавидит всех одинаково.

Взаимоотношения с «Таксистом», у меня очень трудные: когда я посмотрел фильм в первый раз, он мне категорически не понравился. Но с течением времени мое отношение к картине начало меняться, и мне захотелось ее пересмотреть. К тому же подвернулся отличный повод. И да, теперь я могу присоединиться к толпе фанатов этого фильма, потому что «Таксист» — действительно шедевр, что вы, думаю, и так знали.

Больше всего при пересмотре зацепила эстетка. В мало каких картинах, так тщательно показывают место действия истории. Растворяющееся огни, наседающая ночь, отбросы шатающееся по улице, музыка и центральный образ всей ленты – обреченные и потерянные глаза главного героя в отражении зеркала заднего вида.

Про Роберта Де Ниро в образе Трэвиса Бикла можно писать огромные диссертации. Идеальный пример, когда драматургически проработанный персонаж и харизма ведущего актера смешиваются в какой-то невообразимый коктейль. Потерянный, запутанный, человек не того времени, обвиняющий во всех бедах других и даже его «пост-военный синдром» не упоминается в фильме ни разу, не считая его бессонницы.

Бикл ищет признания, но мир, который он видит, ему не нравится, и Тревис вместо того, чтобы приспособиться, хочет этот мир исправить. Ведомый одиночеством и жаждой справедливости, герой как бы хочет доказать обществу, что его нужно спасти.

«Таксист» получил «Золотую пальмовую ветвь» и 4 номинации на Оскар, и не одна из них за сценарий, что для меня остается загадкой. Де Ниро из суперзвезды превратился в одного из самых значимых актеров за всю историю кинематографа (что еще не раз докажет), а Мартин Скорсезе запустил феноменальную карьеру и стал, возможно, главным режиссером современного кинематографа (по моему мнению). Потому что в отличие, например, от Френсиса Форда Копполы, Мартин снимает выдающееся ленты и по сей день.

«Я никогда бы не вступил бы в клуб, где принимают типов вроде меня»

Вуди Аллен все-таки страннейший кинематографист: он снимает фильмы уже на протяжении нескольких десятилетий, и режиссер выпускает их каждый год. Конечно, их качество варьируется: от шедевров вроде «Энни Холл» до пустяковых вроде «Магии лунного света». Его регулярности можно позавидовать, он будто боится не успеть оставить что-то после себя. Хотя 84-летний режиссер уже состряпал великолепную фильмографию.

Одной из пиковых точек его карьеры считается картина «Энни Холл», в которой Аллен пытается разобраться в собственных отношениях с женщинами. Главную из них играет Дайан Китон, у которой действительно был роман с Вуди Алленом. Режиссер исполнил и главную роль, исполнив Эрви Сингера – успешного комика с обостренным чувством паранойи и негативным отношением к жизни. Китон играет, собственно, Энни Холл – немного неотёсанную, но милую и жизнерадостную начинающую певицу.

Их отношения пытается разобрать главных герой. Они расходятся, сходятся, сорятся, мирятся, ненавидят и любят друг друга. Элви – замкнутый человек, и хоть любит Энни, пытается ее подстроить под себя. Любую проблему, он переносит на себя. Да этого у него было два брака, которые точно также распались. Как и любые отношения, эти иррациональны, но люди почему-то так сильно в них нуждаются, хотя часто они приносят сильную боль.

У «Энни Холл» оригинальная подача: Аллен постоянно ломает 4-ю стену, разговаривая со зрителей или прохожими на улице, по поводу происходящего на экране. И повествование у фильма нелинейное: сюжет то прыгнет назад в прошлое, то переключиться на настоящее, то вообще закинет вперед. Ну, и в картине прекрасный, часто абсурдный юмор, высмеивающий не только отношения между людьми, но и все общество того времени.

«Энни Холл» получила 4 Оскара – за «режиссуру», «лучшую женскую роль», «лучший сценарий» и даже «лучший фильм». А при бюджете в 4 миллиона долларов, заработал в прокате 38. Думаю, после данной работы, руки у Аллена были развязаны и мог творить все что угодно, что он делает и по сей день и похоже не собирается останавливаться.

«С одного выстрела, да?»

Война во Вьетнаме проходила параллельно Новому Голливуду. И, конечно, творцы того времени не могли проигнорировать это событие. И режиссеры-семидесятники проявляли сильную неприязнь к действием США в заморской стране.

«Охотник на Оленей» — один из самых примечательных фильмов, раскрывающих проблематику вьетнамской (да и не только вьетнамской войны), хоть самих боевых действий в процентном соотношении не так много. На выходе получается почти ремарковская история: три друга под влиянием гражданской самосознательности и патриотичности (при том, что у них русские корни) отправляются во Вьетнам, чтобы навести там порядок.

Картина Майкла Чимино — целая эпопея, показывающая жизнь обычных людей из маленького городка до, во время и после войны. У двоих из героев были планы: один только женился и собирался стать отцом, а другой по возвращению из Вьетнама также собирался сыграть свадьбу. Только, наверное, герой Роберта Де Ниро, Майк, просто плыл по течению, отчего, пожалуй лучше всех выдержал испытания войны. Наверное, поэтому туда стоит отправлять только тех, у кого ничего нет за спиной.

«Охотник на оленей» тратит свои три часа хронометража очень грамотно: фильм начинается с долгой экспозицией нужной, чтобы зритель успел привязаться к героям и чтобы у них был какой-то бэкграунд. Затем нам показывают боевые действия, в которых мы видим, как характеры персонажей начинают деформироваться. Ну и после мы осознаем последствия, пережитого героями. В отличие от фильмов современного американского массового кинематографа («Спасти рядового Райана», моего любимого «По соображениям совести» и «Дюнкерка») счастливого конца не будет – это же все-таки Новый Голливуд.

Фильм успешно прошел в прокате, собрав при бюджете в 15 миллионов долларов 48. На Оскаре из 9 номинаций 5 побед, в том числе за «Лучший фильм» и «Режиссуру». Но для Чимино «Охотник на Оленей» стал последним подобным успехом: следующая его лента была номинирована на 5 «Золотых малин (и одну он забрал лично), стала самым большим, на тот момент, кассовым провалом в истории кино и ознаменовала смерть Нового Голливуда.

«Самый большой самообман»

Что ж, опять Коппола, да. Удивительно, как несколько десятилетий назад человек мог перевернуть кинематограф, а потом уйти в забвение. Сложно сопоставить его сегодняшнее безделье с деятельностью в 70-х годах.

«Апокалипсис сегодня» — очередная лента про вьетнамскую войну, что будоражила умы людей того времени. Только этот фильм снят настоящим безумцем и диким фанатом своего дела. О том, как снималась эта картина можно снять отдельный фильм. На какие жертвы режиссер только не шел, чтобы его амбиции были исполнены: и дом заложил, и использовал вертолеты, которые задействовали в боевых действиях во время съемок, и вечные пререкания с Марлоном Брандо.

Главного героя, капитана Уилларда отправляют в Камбоджа со специальным заданием — устранить спятившего полковника, который сумел создать вокруг себя настоящий культ и полностью вышел из под контроля. Уиллард переплывает через Вьетнам, видя различные безумства, происходящие с людьми на войне.

«Апокалипсис сегодня», пожалуй, можно включить в субъективный список тройки лучших антивоенных картин. В подобных лентах продвигается очевидная мысль, что война – это плохо. Но фильм Копполы копает глубже, показывая через войну всю лживость и глупость общества. Причем общества абсолютно любого времени.

Пока мы отравляем молодых ребят, которые еще не успели пожить на верную смерть, пока отправляют Уилардов для того, чтобы убить негодных полковников, пока некоторые люди воспринимают войну, как игру – мы никогда не станем настоящей цивилизацией. Коппола мастерски через различные абсурдные ситуации показывает весь идиотизм человека, считающего себя разумным существом.

Так же «Апокалипсис сегодня» можно включить субъективный список тройки самых красивых фильмов. Витторио Стораро проделал монументальный труд, создав вместе с режиссером красивейшую картинку. И подчеркивает атмосферу тотального безумия, которое изображено максимально в контрастных оттенках.

К сожалению, череда хедшотов Копполы на «Апокалипсисе» закончилась. Дальше карьера начала идти под откос, хотя парочку хороших фильмов было. А в 79-м году маэстро снова забрал «Золотую пальмовую ветвь», но на Оскаре так не повезло: только за «операторскую работу» и «Звук».

«Кровавый бокс со своей головой»

Боксерских драм кинематограф видел великое множество. Мне лично, спортивные фильмы безразличны, и смотреть их без именитого автора за режиссерским креслом, я брезгую. Но «Бешеный бык» как раз именно такой пример, потому что снял фильм Мартин Скорсезе. Для него данная картина была последним (как он думал на тот момент) шансом, чтобы доказать, чего он стоит.

«Бешеный бык» повествует о Джейке ЛаМотте — успешном боксере, страдающим сложным характером (или точнее: характером, который заставляет страдать других). На протяжении всей истории мы будем наблюдать за карьерными взлетами и личными падениями героя. Карьера и личная жизнь переплетены сильно, ведь неудачи на ринге он переносит в дом, а неудачи дома он переносит на ринг.

Первое, что выделяет фильм от других спортивных драм – это режиссура Мартина Скорсезе. Подчерк маэстро виден сразу. Мартин, как и в «Таксисте» показывает неоднозначного персонажа, пытающегося доказать окружающим, чего он стоит (прям, как сам Скорсезе этим фильмом). Время идет, но герой нечему не учится, наоборот – он падает еще больше.

«Бешеный бык» не концентрируется на своем жанре. Бокс служит фоном, на котором режиссер рассказывает историю. Но поединки поставлены безупречно: картина отображает всю дикость этого спорта и знатно держит в напряжении. Этому служит и безупречная операторская робота: камера подбирает только те ракурсы, которые работают на жестокое восприятие происходящего на экране. Звучит очевидно, но на самом деле не часто такое встретишь.

«Бешеный бык» стал большим успехом. Но только творческим. Мартин смог реабилитироваться и уже точно этим фильм доказал, что не станет «режиссером одного хита». Картина была номинирована аж на 8 статуэток Оскар. Но получила только две: За «Лучшую мужскую роль» и «монтаж». Академия будет игнорировать Скорсезе еще 25 лет.

Все хорошее когда-нибудь кончается. Правда. Новому Голливуду, к сожалению, суждено было остаться яркой, но перевёрнутой страницей в книге истории мирового кинематографа. Все хорошо, пока деньги текут рекой. В 1980-м году, уже упомянутый в списке Майкл Чимино, снимает фильм «Врата рая». При бюджете более, чем 40 миллионов долларов, картина собрала только почти 3,5 миллиона. Чимино раздувал бюджет, а хронометраж сократили в два раза – в итоге один самый больших кассовых провалов в истории кино, разоривший студию United Artists.

Продюсеры увидели, что абсолютная творческая свобода может привести к огромным финансовым убыткам. Снимать дорогое авторское кино – не всегда выгодно. Но даже не это стало финальным выстрелом для Нового Голливуда. Его, так сказать, убийцами можно назвать тех, кого причисляли к нему. Говорю, я про Стивена Спилберга и Джорджа Лукаса. Их «Челюсти» и «Звездные войны» перевернули индустрию, создали новую формулу успешного фильма. Блокбастер стал жанром № 1, и является им до сих пор.

Да, авторские фильмы делали кассу. Но для сравнения «Таксист» при бюджете чуть больше, чем в миллион долларов собрал 28, а «Звездные войны» при бюджете в 11 собрал 500. Да, бюджет у первого меньше, но прибыль у картины Лукаса несоизмеримо больше. Тем более практически не надо рисковать: массовый продукт окупается легче, чем авторский фильм. Хотя с другой стороны «Звездные войны» можно назвать еще более авторской картиной, чем «Таксиста». Ведь если посудить, то сделать такую космическую сказку с банальным разделением на добро и зло и с примитивнейшим сюжет еще рискованнее, чем фильм про ветерана вьетнамской войны, не сумевшего найти себе место в жизни. Да и если зрителем больше нравятся подобные ленты, зачем винить продюсеров?

Пожалуй, мой список получился странным. И понять логику, по которой я включал фильмы, вы не сможете. Я пытался балансировать между значимостью, неочевидностью и моим личным отношением. Множество прекрасных картин было не упомянуто — предлагаю написать о них в комментариях.

Кино изменилось. Стало ли оно лучше? По моему мнению, да, ведь все развивается, эволюционирует. Конечно, можно ныть что кинематограф опопсел и отупел, что отчасти является правдой. Но я предлагаю больше ценить фильмы, которые все-таки умудряются нести в себе смысл, художественную ценность и авторское высказывание. Ведь такие ленты тоже есть и будут всегда.

Предлагаю теперь зайти в мой авторский телеграм-канал о кино, музыке и видеоиграх. Я пишу достаточно подробно, но без лишней воды. Плюс выкладываю запомнившиеся моменты из фильмов и цитаты. Насколько это интересно — решать вам. Мое дело оставить ссылку, но буду безумно рад хотя бы одному подписавшемуся.