Хичкоковские бестселлеры: знаменитые фильмы режиссёра и приёмы, которыми они запомнились

Напряжение, психологизм и блондинки.

Сейчас трудно себе представить, что один режиссёр снимет пять удачных картин подряд в течении семи лет. Однако в прошлом веке Альфред Хичкок смог не просто снять пять фильмов, он смог сделать так, что они вышли за рамки своего времени.

На старте почти каждую из этих картин не восприняли критики, но уже через некоторое время они же возвели их в ранг классики. Разберёмся, какими именно приёмами Хичкок сумел покорить критиков и зрителей — на примере его знаменитых «Хичкоковских Бестселлеров».

Текст так же есть в форме видеоэссе.

Детектив в отставке Джон «Скотти» Фергюсон после смерти напарника начинает страдать акрофобией (боязнь высоты) и подаёт в отставку. Позже он поддается уговорам своего старого знакомого Гэвина Элстера проследить за его женой Мадлен и выяснить причину её психического недуга.

В «Головокружении» (Vertigo) больше, чем во всех остальных фильмах Хичкока, делается акцент на визуальной интерпретации истории. При просмотре стоит уделять пристальное внимание не только привычным методам повествования: диалогам, взаимоотношению между персонажами, их чувствам и тревогам, но и сугубо кинематографичным деталям.

В этой ленте подача смысловой нагрузки происходит через приемы, лежащие в фундаменте общей концепции. Строго говоря, они все отсылают нас к спиральной фигуре — ключевому образу.

Сюжет закольцован вокруг одной начальной сцены: в офисе у приятеля главного героя — Элстера. В ней через мизансцену (движение и взаимодействие персонажей) очерчиваются контуры всей дальнейшей истории.

Не вдаваясь в подробный пересказ: «Скотти» убеждают в лживой истории, и первую половину фильма разыгрывают её перед ним. Во второй половине он отчаянно цепляется за отголоски этой постановы, только в конце осознав её настоящее предназначение. Зрителя же, логическая цепочка снова отсылает к сцене в офисе, ведь именно в ней героя убедили взяться за дело.

Дальше визуал, основные мотивы которого связанный со спиралью: винтовая лестница, завиток причёски и начальные титры. Ради того чтобы как можно точнее передать чувства главного героя, оператор картины даже изобрел новый прием: Dolly Zoom, впоследствии ставший культовым, как и сама сцена.

Кольцевая структура присутствует даже в виде фона, как об этом говорит сам режиссер, когда объясняет зеленое сияние в комнате Джуди — дублерши Мадлен.

Конечно, музыка также имеет прямое отношение к центральному образу, что отмечает сам Мартин Скорсезе.

Если углубиться в психологическую сторону истории, то можно заметить и в ней повторение начальных событий, что тоже отсылает к замкнутому кругу. Согласно ей, если в жизни человека повторяется какая-то психологическая травма, это может иметь непредсказуемые последствия. Однако если обстоятельства травмы повторяются точно, это способно избавить больного от неё. Именно это и происходит со Скотти в конце фильма: он побеждает свою боязнь высоты, ценой потери любимого человека.

Однако критики не сразу поняли замысел автора, разругав фильм за неправдоподобность событий и низкий темп истории. Лишь со временем, они осознали юла образную структуру и все встало на свои места. Критики по всему миру начали от корки до корки анализировать фабулу, изобретая все новые и новые теории. Особенно им нравилась одна, про то как каждый любитель кино узнаёт в Скотти самого себя, сочтя «Головокружение» за фильм о безнадёжной, навязчивой любви к изображению.

«Киноманская» теория настолько пришлась по вкусу киноэстетам, что когда журнал Британского киноинститута Sight & Sound объявил результаты самого масштабного в мире опроса кинокритиков — фильм Хичкока впервые за полвека сместил «Гражданина Кейна» с позиции величайшего фильма всех времён и народов.

«Головокружение» выделяется детальной проработкой смыслового образа и его глубокой интеграции во все составляющие: начиная от фабулы и заканчивая музыкой. В этом случае всем — от критиков до простых зрителей, понадобилось время чтобы вернуться на круги своя.

Рекламного агента Роджера O. Торнхилла, принимают за загадочного спецагента Джорджа Каплана. Оказавшись в непростой ситуации, он пытается всеми доступными способами доказать свою личность и вернуть себе доброе имя.

В основе «К Северу через Северо-запад» — сюжет, понятный, интригующий и цельный. В лучших традициях шпионских триллеров, в нем есть две классические темы: долг и любовь. Как этого следовала ожидать, измученный потерей чести герой влюбляется в незнакомку. Однако дальше выясняется что и она замешана во всей шпионской перипетии. Вся вторая половина фильма — раскрытие интриг и сюжетные повороты.

История, в целом, смотрится как удачная насмешка над жанром шпионских фильмов. Это видно из поступков главного героя, который, в отличие от своих прототипов из других картин, позволяет себе абсурдные решения. Но при этом, действие тут живее и интереснее чем в большинстве похожих историй. Этот эффект появляется благодаря чёткой структуре и оригинальным сценам.

Сценарий написан таким образом, что в каждом из трёх актов есть своя «точка кипения» и её более спокойные последствия. К примеру, в первом акте такой точкой будет момент когда героя напаивают злоумышленники, а последствием этого будет ситуация в которой он окажется. Этот момент между одной «точкой кипения» и другой — как раз и есть саспенс. Да, его можно использовать не только в хоррорах.

Напряжённые моменты усиливаются визуальной составляющей фильма: динамикой действия в кадре и постановкой. Самый запоминающийся эпизод — с кукурузником в открытом поле, вы точно его видели. Финальная сцена на Монументе Рашмор тоже надолго врезается в память.

«К Северу через Северо-запад» удачно комбинирует любовную линию с приключениями Роджера O. Торнхилла. А напряжённая музыка и хорошая актёрская игра, только усиливают эффект от просмотра.

В плане своей подачи, эта лента явное исключение из списка. Однако она все еще хорошо работает в рамках жанра. Она меньше других требует анализа — ей нужны ваши эмоции.

Мэрион Крэйн спонтанно решает уехать из города и начать новую жизнь. В этом ей помогает большая сумма денег, которые принадлежат клиенту её босса. Мэрион уезжает и решает свернуть с шоссе, чтобы провести ночь в уединенном мотеле, где полиция вряд ли будет её искать. Она останавливается в полупустом заведении, которым управляет Норман Бейтс — юноша, страдающий от гнета своей любимой, но деспотичной матери.

Дальше сюжет разворачивается неожиданном для того времени образом: главную героиню убивают, детектива (расследующего дела о пропаже денег) тоже и только настойчивость любовника вместе с сестрой, помогают раскрыть тайну убийства Мэрион Крэйн.

Прежде чем углубиться в сюжет, стоит рассмотреть визуальную составляющею.

Весь фильм не просто так снят на чёрно-белую пленку. Этому есть пара причин: желание автора снять бюджетный фильм после череды блокбастеров, и тот факт что в цвете «Психо» бы вышел ещё более жестоким из-за обилия крови (а так её роль прекрасно выполнил шоколадный сироп) Ну и ещё Хичкоку очень понравился схожий фильм «Дьяволицы» (1954).

Так как денег на рекламу фильма было мало, пришлось идти на эксперименты. Хичкок снял промо-ролик, в котором сам провёл экскурсию по особняку Бейтсов.

Актёров на главную роль тоже подбирали не просто так, а по чётким критериям: Норман должен был вызывать эмпатию (с чем удачно справился молодой Энтони Перкинс), а вот Дженет Ли, исполняющей роль Мэрион, была отведена особая роль — обмануть зрителей, которые наивно полагают что главную звезду нельзя убивать в первой половине истории.

Вообще, образ Мэрион не такой простой, как это может показаться на первый взгляд. Она не только типичная статная красавица, но и олицетворяет наивность зрителя. Ведь мы, как и она, не могли ожидать подобного развития событий. Её простота ясно видна в диалоге с Норманом, в котором она (как и зритель) не подозревает о настоящей сущности собеседника. Сущности, играющей ключевую роль в сюжете.

Норман Бэйтс не просто так создан Хичкоком как привлекательный юноша. Он вышел совсем не похожим на свой настоящий прототип, и отличался от книжного. Прежде всего, различия с книжным было в разной перспективе: в книге повествование велось от лица Нормана, когда в фильме он окутан большей таинственностью и не всегда ясно, каков он на самом деле. Однако образ невинного юноши со временем всё больше улетучивается, пока не исчезает совсем.

В этом образе лежит весь психологизм фильма. В голове злодея разворачивается настоящий конфликт матери с сыном. Столкновение тонко обозначается в чучелах птиц — хобби Нормана. Впечатления о матери настолько травмировали сына, что он стал невольно отображать их в образе хищной птицы. Её внутренний образ начал захватывать всё большую власть над самим юношей. Это и приводит к конфликту личностей, когда речь идет о другой женщине. Отсюда и идёт известная фраза Нормана: «Лучшие друзья парней — это их матери». В его исполнении она звучит особенно жутко.

«Психо» часто удивляет зрителя. В характерной для Хичкока манере, режиссёр водит зрителя за нос ровно столько, сколько этого требует история. Как раз тут чётче всего выявляются отличительные черты постановки «мастера саспенса».

Во-первых, зритель всегда знает больше, чем персонажи. Например, в эпизоде, когда не подозревающий об опасности детектив заходит в дом к убийце. То, что зритель к тому моменту уже знает об опасности внутри, только усиливает эффект от сцены. Сейчас такие приёмы кажутся привычными, но не стоит забывать: «Психо» был снят в 1960 году.

Во-вторых, музыка играет значимую роль в восприятии истории. Примером тут может послужить сцена прибытия главной героини в мотель, или же сцена когда Норман находит труп внутри. Недаром сам Хичкок говорил, что музыка составляет треть фильма. Кстати, весь саундтрек исполняется исключительно на струнных инструментах.

В-третьих, благодаря комбинации из предыдущих двух пунктов и правильному интервалу между высшим напряжением и его ожиданием, саспенс тут достигает максимального эффекта. Ярчайшим примером этого, является знаменитая сцена в душе, шокирующая зрителей.

Сам эпизод имеет ключевое значение для картины, а потому ей было уделено особое внимание. Съёмки длились пять дней, при монтаже использовано 90 склеек, даже раскадровку к ней специально рисовал знаменитый дизайнер Сол Басс (он же делал титры, постеры и логотипы).

В интервью с Хичкоком, его известный поклонник Франсуа Трюффо (также большой режиссёр) отметил, что повествовательная линия «Психо» выстроена таким образом, чтобы вести от проступков к преступлениям: от измены до убийства.

Таким образом, картина не слишком далека от реальности. Она показывает понятные людские слабости и то, как они могут проявляться в любом, даже весьма опрятном на вид человеке. Недаром события происходят на окраине — месте, где человек остаётся один на один со своими кошмарами.

Фильм начинается с того, как своенравная девушка Мелани Дэниелз, знакомится с адвокатом Митчем Бреннером. Несмотря на лёгкую грубость со стороны мужчины, она решает нанести ему визит и едет к заливу Бодега. Прибыв туда, героиня решает остаться на некоторое время, остановившись у местной учительницы, Энни Хейворт, которая рассказывает ей о том, что мать Митча очень ревнива по отношению к сыну.

Хичкок продолжил интересоваться психологическим аспектом, в особенности отношениям с матерью, только теперь он решил рассмотреть его под другим углом.

Через весь сюжет тянется параллель между птицами и людьми. Если сначала первые загнаны в свои клетки, то потом уже человек запирается у себя в доме. Образ птиц пересекается и конкретно с героями — порождая таким образом одну из трактовок сюжета.

Культуролог Славой Жижек приводит такое психоаналитическое объяснение событиям картины: нападения птиц олицетворяют вытесненные узурпаторские желания матери Митча, её тревогу, вызванную вторжением в размеренную жизнь её дома самоуверенной девушки. Она боится, что та заберёт у неё сына, что она останется одна. Даже нападения птиц становятся всё более яростными, чем ближе сходятся Мелани и Митч.

Тут же есть очевидные параллели с «Психо», только в случае «Птиц» мы видим более сильного внутри сына и более слабую мать. В конце концов, мать примеряется с желанием Митча и помогает девушке, бинтуя её раны.

Вторая трактовка тоже интересная. В ней речь идет об экологической мести, во время которой люди получают по заслугам за свои деяния против природы. Она опирается на хаотичное поведение птиц, которые нападают в том числе и на детей.

Таким образом фильм про птиц несет в себе двойственный контекст: с одной стороны это разрушение гламурной идиллии людей, что ссылает к библейскому апокалипсису; с другой же, это психологический триллер по новому раскрывающий образ матери-узурпатора.

Открытый финал только подогревает интерес к анализу различных гипотез. Вряд ли из них можно выбрать какую-то «правильную», что идёт только на пользу ленте, расширяя её грани.

Вдохновением для Хичкока послужила реальная история, произошедшая в 1961 году, когда небольшой городок в штате Калифорния был атакован сотнями серых буревестников, которые нападали на прохожих и врезались в окна и стены домов. Как позже оказалось, птицы были отравлены токсинами.

В самой картине всё происходит не так быстро: опасность медленно накапливается, пока не приводит к катастрофе.

Начальные титры получились особенно хорошо. Они удачно нагнетают обстановку и показывают, что в любой момент она может кардинально измениться. Пернатые не просто летают, а зловеще кружат. Не будь подобных титров, первая половина фильма воспринималось бы совершенно иначе.

Хотя у первой части истории сама по себе интересная роль — познакомить зрителя с персонажами и обстановкой. Именно начало фильма помогает выстроить весь психологизм «Птиц». А потому, несмотря на скупость событий, оно не уступает второй половине в содержании, особенно при повторном просмотре (это вообще отличительная черта работ Хичкока).

К слову, эта «обыденность», о которой идет речь в цитате, особенно сильно наводит ужас. Она отображается не только в повседневных бедах и разговорах об увиденном, но и звуковом оформлении, которое ещё больше подчеркивает перемену в настроении.

В фильме нет музыки. Только перемешанные реальные звуки пернатых с электронными, полыми звуками, которые механически имитируют их воркование. В моменты особой опасности этот звук влияет на восприятие не меньше происходящего на экране. Момент с пением детей в школе — самый яркий тому пример.

В отличие от предыдущего фильма, где бюджет был ограничен, на «Птиц» потратили целых три миллиона долларов. Огромные деньги по меркам 1963 года. Это позволило Хичкоку не ограничивать себя в плане визуальной части фильма.

Во-первых, вернулась цветная плёнка. Это позволило сделать первую половину фильма спокойной и утончённой: фисташковое платье главной героини, её зеленые глаза и ярко красный макияж, голубые глаза её возлюбленного и прочее визуальные детали, которые создавали образ нерушимой идиллии.

Во-вторых, вторая масштабная половина, шокирующая уничтожением гламура. Птиц становится всё больше, посреди городка взрывается бензоколонка, фермера находят без глаз. Угроза для героев постоянно растёт. Это прекрасно видно в финале, когда гавань целиком усеяна пернатыми.

Сейчас, спустя годы после выхода, лента выглядит как крепкий представитель жанра хоррор: спокойная жизнь, медленно перерастает в катастрофу. А такие сцены как с фермером или пением детей, сейчас и во все встречаются в каждом представители жанра.

Тем не менее, это точно не тот фильм, который стоит как бедных птичек запирать в ограниченных рамках. Лучше, отпустить его на свободу.

Марни Эдгар живёт тем, что под чужим именем устраивается на работу в различные фирмы, откуда она со временем ворует деньги. Однажды её всё же ловит за кражей Марк Ратленд, деловой партнёр одной из бывших жертв героини. Он разоблачает её, но не сдает полиции, а шантажирует девушку и решает женится на ней.

В своем типичном промо-ролике Альфред интересно описал картину:

Теперь же перед нами фильм не только о роли матери в формировании личности, но и о сложных отношениях между разными полами.

Начать стоит с фигуры Типпи Хедрен — главной героини второго подряд фильма Хичкока. Ещё при съёмке «Птиц» режиссёр осознавал, что неопытность дебютантки позволит ему лепить из неё что угодно и использовать методы работы, от которых иная звездная актриса пришла бы в бешенство. Он поручал сотрудникам студии следить за перемещениями Хедрен вне съёмочной площадки, диктовал ей, что носить и какой косметикой пользоваться. Она была полностью под его контролем.

Поэтому уже в следующем своем фильме ему нечего было и думать, выбор сразу пал на Типпи. Пусть она и не обладает каким-то особым актёрским талантом, в ней Хичкока привлекали её натуральные качества, в особенности неподвластность, в чём, судя по голливудским легендам, он лично смог убедиться.

Интересно, что Хедрен отыгрывает персонажа со схожим качеством, только уже с психологическими отклонениями: героиня страдает от прикосновения мужчин, боится секса, молний и красного цвета.

Первая характеристика, которую зритель может дать персонажу Хедрен — воровка. Однако после очередной попытки ограбления её все же задерживают. И тут, после красного цвета на экране и молний мы видим ещё и её страх перед мужчинами.

История Марни завершает «психологическую трилогию» Хичкока особым образом. Здесь мать уходит на второй план, а на первый выходят как раз отношения между мужчиной и женщиной. Хоть тут мама не в состоянии напрямую помешать дочери, она влияет на неё заложенными фобиями, которые с детских лет напрямую отразились на характере поведения Марни. Если до этого мы видели, какое матери могут оказать влияние на сына, то теперь наблюдаем нечто похожее, только в отношении дочери.

Что примечательно, Марк не хочет мириться со страхами героини. Он пытается любыми средствами, вплоть до потери своего состояния, излечить Марни. Порой он даже переходит все границы, по сути, насилуя девушку. В итоге он понимает что это не просто упорство, а серьёзная внутренняя травма.

Путем небольшого расследования Марк приходит к заключению что именно мама Марни заложила в неё всё то, от чего девушка страдает. Однако до этого жених вёл себя не лучшим образом, а потому его трудно воспринимать как какого-то спасителя. На деле он олицетворяет образ настойчивого мужчины, столкнувшегося с женщиной, у которой еще с детства заложена неприязнь к противоположному полу.

Хоть фильм и окупился в американском прокате, критики приняли его прохладно — особенно ругали низкое качество спецэффектов и небрежность декораций. Со временем, правда, эти же недостатки превратились в достоинства: хаотичная композиция помогает понять, как Марни воспринимает внешний мир, а простые эффекты сильнее подчеркивают её внутренние страхи.

«Марни» меньше других содержит в себя контроля — в фильме преобладает хаос, как внешний, так и внутренний. Интересно мнение знаменитого биографа Дональда Спота, который в своей книге «Обратная сторона гения» назвал «Марни» последним шедевром Хичкока. Иронично получилось, что последний настоящий шедевр режиссёра, который любил всё контролировать, вышел как раз не контролируемым.

«Хичкоковские бестселлеры» стали настоящим олицетворением работ знаменитого режиссёра. Главное, что их всех объединяет, помимо фигуры автора — огромное внимание к деталям, уникальная постановка и знаменитый стиль Хичкока. Эти фильмы не подвластны времени — они прекрасно существуют и вне своей эпохи.

#long #топы #гениикино