Игра на пару: самые разные фильмы всего с двумя актёрами

С минимальным составом можно снимать не только разговорные драмы, но и детективы, фантастику и даже ужасы.

5 февраля на стриминговом сервисе Netflix вышел фильм Сэма Левинсона «Малкольм и Мари». В минималистичной чёрно-белой картине снялись всего два актёра: Зендея («Эйфория») и Джон Дэвид Вашингтон («Довод»).

Всё действие фильма происходит в одном доме, а персонажи лишь разговаривают на всевозможные темы. Что интересно, Левинсон уже выпустил два спецэпизода сериала «Эйфория», построенных примерно в том же ключе (разве что картинка там цветная).

Эту работу критики оценили средне, большинству же зрителей фильм понравился. Но Левинсон — далеко не первый, кто снял подобное кино. Год назад на экраны вышел «Маяк» Роберта Эггерса, кстати, тоже чёрно-белый. В нём сыграли Уиллем Дефо и Роберт Паттинсон. Да и раньше появлялось множество необычных и ярких работ «на двоих». Рассказываем о самом интересном.

В 1972 году Джозеф Манкевич (брат Германа Манкевича, о котором рассказали в «Манке») поставил фильм по пьесе Энтони Шаффера. Причём автор оригинала лично адаптировал своё произведение для экрана.

По сюжету, в дом стареющего и беднеющего аристократа Эндрю Уайка приезжает молодой любовник его жены Майло Тиндл. Хозяин говорит гостю, что готов отпустить супругу, но предлагает ему сделку.

Уайк пишет детективы и решает провернуть криминальную схему: Майло должен сымитировать ограбление дома. Тогда хозяин получит страховую компенсацию, а любовник неплохо подзаработает. Тот соглашается, но с определённого момента оба героя начинают играть не по правилам.

На роль Уайка Манкевич пригласил знаменитого Лоуренса Оливье, а Майло сыграл стремительно набирающий популярность Майкл Кейн, тогда уже получивший первую номинацию на «Оскар» за «Элфи». Чтобы сохранить интригу, авторы пошли на хитрость: помимо двух звёзд в титры вписали несколько имён несуществующих актёров. Так они заставили зрителей весь фильм ждать появления новых персонажей.

Камерный детективный триллер очень понравился и критикам, и зрителям. Оливье и Кейн получили номинации на «Оскар», «Золотой глобус» и BAFTA и не забрали награды лишь потому, что в том же году на экранах блистал Марлон Брандо в «Крёстном отце».

История удивительным образом продолжилась в 2007 году. Тогда Кеннет Брана выпустил ремейк картины. В оригинале они называются одинаково, но на сей раз на русский её дублировали более точно — «Сыщик».

В XXI веке снимают множество ремейков. Но Брана поступил остроумно: он пригласил на одну из главных ролей всё того же Майкла Кейна. Но теперь тот сыграл уже Уайка, а роль Майло отдали Джуду Лоу.

Сюжет фильма осовременили, в новой версии хозяин наблюдает за фальшивым преступником через камеры слежения, но основа осталась той же. Увы, ремейк оказался значительно слабее оригинала. Но как раз в паре картины выглядят интересно: Кейн за годы будто прошёл путь от одного персонажа к другому.

Ричард Линклейтер — невероятно разносторонний режиссёр. Он может раскрашивать фильм по технологии ротоскопинга, превращая «Пробуждение жизни» и «Помутнение» в почти психоделическую картину. И тут же выпускает простейшую и позитивную «Школу рока». А ещё Линклейтер снимал «Отрочество» 11 лет, чтобы показать взросление ребёнка и перемены в мире.

Нечто подобное он сделал и с циклом, стартовавшим ещё в 1995 году с фильма «Перед рассветом». История начинается с того, что американец Джесси (Итан Хоук) и француженка Селин (Жюли Дельпи) знакомятся в вагоне поезда. Они решают сойти в Вене и гулять по городу до утра.

Весь фильм построен лишь на диалогах Джесси и Селин и красивых съёмках Вены. Герои бродят по центральным улицам, заходят в кафе и другие публичные места и разговаривают. Они обсуждают личные отношения, само течение жизни, искусство, философию.

Линклейтеру удалось показать общение максимально живо: темы плавно переходят одна в другую, видно, как Джесси и Селин постепенно начинают доверять друг другу и сближаются. А очень длинные кадры (иногда по несколько минут) заставляют зрителя почувствовать себя случайным наблюдателем, а заодно и насладиться красотой европейского города

Конечно, в «Перед рассветом» появляются и другие персонажи, но все они остаются в роли статистов, мелькая лишь на пару минут. Зато Хоук и Дельпи максимально раскрывают свои актёрские таланты.

Финал картины открытый: герои договариваются встретиться, но что будет с ними дальше — неизвестно.

Продолжения зрителям пришлось ждать очень долго. Причём Ричард Линклейтер решил показать реальные перемены не только в персонажах, но и в актёрах, и в мире. Действие сиквела «Перед закатом» происходит спустя девять лет, и снимали фильм действительно через девять лет. И через такую же длительную паузу выпустили третью часть «Перед полуночью».

Все они построены по тому же принципу: во втором фильме Джесси и Селин гуляют по Парижу, в третьем — на острове Пелопоннес в Греции.

И всё ещё есть надежда, что в 2022 году выйдет четвёртая часть серии.

В 1869 году Леопольд фон Захер-Мазох выпустил повесть «Венера в мехах», впоследствии ставшую одним из самых известных его произведений. Собственно, именно она и заложила основы субкультуры мазохизма.

Сюжет повести рассказывает о герое по имени Северин. Он мечтает найти свою «Венеру в мехах» — властную женщину, которая будет над ним доминировать. Однажды Северин встречает вдову Ванду фон Дунаев и предлагает женщине заключить контракт. Герои год должны находиться в тематических отношениях.

Повесть неоднократно экранизировали. Но в 2010 году американец Дэвид Айвз решил пойти дальше: он поставил на сцене пьесу для двух актёров. Но рассказывала она о репетиции спектакля по «Венере в мехах». А пару лет спустя режиссёр Роман Полански снял фильм на основе этой пьесы.

Главный герой — театральный режиссёр Тома Новачек (Матьё Амальрик) — планирует поставить «Венеру в мехах» Захер-Мазоха, но никак не может подобрать подходящую актрису на роль Ванды. Уже после прослушиваний, когда все работники разошлись, и режиссёр остался один, в театр приходит опоздавшая актриса. По совпадению её зовут Ванда Журден (Эммануэль Сенье).

Поначалу Новачека отталкивают её манеры: девушка груба, говорит громко и неприятно и, кажется, плохо понимает материал. Она еле уговаривает режиссёра сыграть с ней одну сцену. Погружаясь в образ, Ванда моментально превращается в настоящую аристократку. Актриса и режиссёр играют сцену за сценой и постепенно теряют грань между спектаклем и реальной жизнью.

Полански и талантливые актёры великолепно передали идею преображения на сцене: у Ванды меняется не только лексикон, но и мимика, осанка и язык тела. А Новачек поначалу обращается с девушкой пренебрежительно, но постепенно начинает ей подчиняться.

Поскольку всё действие происходит в театре, фильм очень похож на сценическую постановку, разве что с возможностью задействовать пустой зал и играть с кадрами. Причём персонажи периодически сами специально раскрывают зрителю некоторые тонкости. Например, если герой на сцене что-то пишет, он должен всё проговаривать вслух. Иначе в зале не поймут.

Не менее важно, что в действии есть место и для намёка на детектив: Ванда явно не та, за кого себя выдаёт. Но чего же она хочет на самом деле, вряд ли получится угадать.

Идея этого фильма зародилась у сына Альфонсо Куарона Хонаса. Он написал сценарий фильма про космос, но сделал акцент на внутренних переживаниях персонажа.

Сам же Куарон 2009 году уже выпустил лучшую часть «Гарри Поттера» и антиутопию «Дитя человеческое» и долгое время ничего не снимал.

Над «Гравитацией» работали четыре года, но в итоге получился самый необычный драматический триллер о космосе.

Ещё «Дитя человеческое» показало, что Куарон любит снимать длинными кадрами. Но в этой ленте он дошёл до апофеоза своего стиля. Фильм открывает десятиминутная сцена без склеек: астронавты Райан Стоун (Сандра Буллок) и Мэтт Ковальски (Джордж Клуни) ремонтируют телескоп «Хаббл». Конечно, значительная часть визуального ряда — компьютерные эффекты, но от этого вступление выглядит не менее впечатляюще.

А потом происходит катастрофа, после которой герои оказываются единственными выжившими, но остаются в открытом космосе. Ковальски помогает неопытной коллеге добраться до другой станции, но дальше ей приходится справляться самой.

Куарон постарался максимально реалистично передать ощущения человека в бескрайнем космосе. Когда Стоун от удара закручивает, и она теряется в пространстве, камера показывает происходящее будто из глаз героини. И, в отличие от «Звёздных войн» и многих других фильмов, значительный акцент сделан как раз на абсолютной тишине — в космосе звук не распространяется. И оттого он кажется ещё более пустым и пугающим.

Ну а основная часть картины посвящена не столько действиям героини, сколько её попыткам справиться с испугом и придумать, как действовать в стрессовой ситуации. Из-за этого фильм получился одновременно масштабным и камерным. Создатели отлично вложились в спецэффекты, но сделали акцент на актёрской игре.

Джордж Клуни здесь лишь на вторых ролях: ему отдано совсем немного времени, да и скафандр он почти не снимает. А вот для Сандры Буллок эта роль стала одной из сильнейших в карьере, за что актриса получила номинации на множество премий, включая «Оскар».

Саму картину критики и зрители приняли с восторгом. Бюджет окупился в несколько раз, а многие издания назвали «Гравитацию» одним из главных событий года. На «Оскаре» же фильм забрал семь статуэток, включая одну самому Куарону за режиссуру.

Далеко не все знают, что знаменитый актёр Томми Ли Джонс периодически ещё и сам снимает фильмы. Большинство его работ не слишком успешны, хотя криминальный триллер «Три могилы» приняли тепло.

В 2011 году Джонс выпустил для HBO экранизацию пьесы Кормака Маккарти «Вечерний экспресс „Сансет Лимитед“». Творчество этого писателя хорошо знакомо синефилам: по его романам братья Коэны поставили «Старикам здесь не место», а Джон Хиллкоут — «Дорогу» (за это произведение Маккарти получил Пулитцеровскую премию).

Саму пьесу «Сансет Лимитед» оценили неоднозначно. Многие отмечали, что это произведение больше похоже на роман. Но в этом и была основная задумка автора. Он сам добавил подзаголовок «Роман в драматической форме».

Кормак Маккарти лично работал и над сценарием телеадаптации. Остальное же сделал Томми Ли Джонс. Он срежиссировал экранизацию и сам же сыграл одну из двух главных ролей. Его напарником выступил не менее харизматичный Сэмюэл Л. Джексон.

Всё действие фильма разворачивается в одной комнате, предысторию героев зритель узнаёт только из разговоров, а их имена не сообщают.

Герой Джексона, которого в титрах называют просто Чёрный, когда-то отсидел в тюрьме за убийство, но уверовал в бога и теперь старается помогать людям. Незадолго до событий фильма он спас Белого (Томми Ли Джонс) — циничного профессора — от попытки броситься под поезд «Сансет Лимитед».

Теперь они оба сидят в квартире Чёрного, и он пытается отговорить нового знакомого от необдуманных поступков. Постепенно герои раскрываются друг перед другом, и каждый пытается объяснить собеседнику свой взгляд на жизнь.

Главные герои противоположны во всём: у них разный цвет кожи, судьба, отношение к религии, даже одежда подобрана так, чтобы был акцентировать их различия. С самого начала понятно, что они не смогут прийти к какому-то компромиссу. Но именно это делает их словесную дуэль такой захватывающей: аргументы Чёрного и Белого одинаково разумны.

Джексон в отдельные моменты кажется почти религиозным проповедником. В этих сценах камера снимает его снизу, делая актёра визуально выше. Герой Джонса воплощает полное отчаяние и разочарование в жизни. Вдобавок съёмки в одном помещении создают почти клаустрофобные ощущения.

Довершает атмосферу музыка двукратного номинанта на «Оскар» Марко Белтрами. Композитор когда-то начинал с хорроров, и поэтому умеет создавать тревожную атмосферу одним только звуком.

Телефильм прошёл не слишком заметно. Но как минимум великолепный перфоманс от двух потрясающих актёров заслуживает, чтобы на «Сансет Лимитед» обратили внимание.

Сюжет длящейся чуть больше часа картины Александра Сокурова трудно описать. Это история престарелой умирающей женщины и её сына. Он заботится о матери: умывает и расчёсывает её и на руках выносит на прогулку. Между персонажами чувствуется сильнейшая любовь и взаимопонимание. Но всё же сын должен принять скорую смерть матери, которую та уже воспринимает как нечто необходимое.

Смертность человека — одна из сквозных тем в творчестве Сокурова. Она отражает саму жизнь с её необходимым завершением и сменой поколений. Недаром на фразу сына: «Не умирай, кто тебя заставляет?» — мать отвечает: «Ты».

В этой притче хорошо видно, как пожилой человек со временем снова превращается в ребёнка: мать капризничает, её приходится кормить и носить на руках. Но параллельно это отражает и взросление сына, который превращается в опекуна.

Но всё же гораздо важнее, что режиссёр показывает героев максимально близкими и понимающими друг друга. Присутствие в кадре лишь двух актёров создаёт ощущение, что они живут в каком-то своём мире, где нет места посторонним.

Почти мистическую атмосферу создаёт и визуальный ряд. Картинка иногда искажена, а за счёт раскрашенных линз цвета могут казаться неестественными.

Сочетание идей смерти и любви ставит «Мать и сына» на границу двух циклов Александра Сокурова. С одной стороны, фильм завершает трилогию «Круг второй» — «Камень», с другой — даёт начало серии, которую продолжат картины «Отец и сын» и «Два брата и сестра», о близких отношениях между родными.

Гас Ван Сент начинал с низкобюджетных независимых фильмов. Но после невероятной работы «Мой личный штат Айдахо» его карьера резко пошла в гору. «Умница Уилл Хантинг» лишь закрепил успех, получив семь номинаций на «Оскар». Но режиссёра всё равно тянуло к экспериментам.

Его артхаусный покадровый ремейк «Психо» Альфреда Хичкока не поняли ни критики, ни зрители. А вот дальнейшие экспериментальные работы удались лучше.

Среди них и «Джерри» — философский роуд-муви, в котором сыграли Мэтт Дэймон и Кейси Аффлек. Оба актёра во многом обязаны своей славой Ван Сенту — ранее «Умница Уилл Хантинг» дал отличный толчок их карьере.

Сюжет картины очень абстрактный. Двое молодых людей (обоих зовут Джерри) отправляются на природу, уходят с проторенной дороги в пустыню и блуждают по горам и прочим пустынным местам. Вроде бы они ищут какую-то вещь, но что именно — неизвестно.

Вдохновением для сюжета послужила реальная история о двух заблудившихся приятелях, которую Дэймон рассказал режиссёру. Но тот специально решил не искать подробности, а придумать свою версию событий.

В фильме можно найти христианские аллюзии, вроде намёка на Каина и Авеля, и философский подтекст. Но конкретной трактовки у него нет. Ведь на самом деле значительная часть диалогов актёров — импровизация.

Гас Ван Сент вместе с Дэймоном и Аффлеком даже демонстративно сожгли сценарий в первый же день съёмок, чтобы избавиться от соблазна следовать заготовленному тексту. Именно поэтому разговоры персонажей выглядят не типичной для кино подачей информации, а просто болтовнёй, иногда почти бессмысленной.

Отдельное удовольствие во время просмотра — наблюдать за потрясающими видами калифорнийской Долины Смерти, снятыми оператором Харрисом Савидисом.

Он же продолжил работать с Ван Сентом и в следующих фильмах условной трилогии о смерти. А именно в картине «Слон», вольно пересказывающей события в школе «Колумбайн», и «Последних днях», сюжет которых отсылает к биографии Курта Кобейна.

Говоря о современных экспериментах в кинематографе, невозможно не вспомнить и Ларса фон Триера. Именно он был одним из основоположников «Догмы 95» — манифеста, призывающего снимать максимально натуралистично. Он же экспериментировал с формой подачи в «Догвилле», сделав все декорации максимально условными.

Его работа «Антихрист», вышедшая в 2009 году — очередной эксперимент, хоть и снятый в более традиционной манере. Но в картине всего два актёра, а визуальная подача не менее важна, чем разговоры и действия персонажей.

Сюжет рассказывает о безымянных супругах (Уиллем Дефо и Шарлотта Генсбур), чей ребёнок выпал из окна, пока герои занимались сексом. Пытаясь оправиться после трагедии, муж и жена уезжают в уединённый загородный дом, где она писала диссертацию, посвящённую убийству женщин. Дальше события принимают всё более мрачный оборот.

Многие зрители и даже критики сочли картину слишком жестокой. В «Антихристе» и правда множество отвратительных моментов: мёртвый оленёнок, свисающий из утробы матери, или сцена, где женщина отрезает себе клитор.

Но наибольшее количество споров вызвала сама тема картины. Ларс фон Триер рассуждает, что человечество мог создать не бог, а дьявол. Мало того, режиссёр высказывает предположение, что всё зло исходит от женщин.

После премьеры, на которой неподготовленные зрители даже падали в обморок от натурализма и жестокости показанного на экране, фон Триера обвиняли в женоненавистничестве. Хотя это плохо стыкуется с его же трилогией «Золотое сердце».

Но всё же именно в этой работе режиссёра видно его мастерство визионера. Сам фон Триер называет «Антихриста» своим самым любимым фильмом. Он посвятил картину Андрею Тарковскому, которого считает своим наставником и вдохновителем. И действительно, сходство визуального ряда со знаменитым «Зеркалом» трудно не заметить.

Ларс фон Триер превращает некоторые сцены в ожившие картины и визуализирует даже погружение в гипноз. И от этого контраст с жестокостью становится ещё ярче.

Российский фильм Алексея Попогребского отчасти можно назвать идейным предшественником «Маяка» Роберта Эггерса, разве что без мифологических отсылок, мистики и хоррора. Зато с живой человеческой драмой.

Стажёр Павел (Григорий Добрыгин) приезжает на полярную метеостанцию на остров Аарчым в Северном Ледовитом океане (в реальности такого места не существует). Он должен три месяца помогать начальнику Сергею (Сергей Пускепалис) и сравнивать снятые вручную показания приборов с телеметрией. Вроде бы совсем разные герои постепенно находят общий язык. Затем Сергей отправляется ловить рыбу, а в это время на станцию приходит сообщение, что с его женой и сыном случилась беда.

Павел сомневается, передавать ли начальнику эту информацию, но параллельно допускает оплошность в работе. После этого герои начинают буквально ненавидеть друг друга.

Картину снимали в условиях, максимально приближенных к реальности. Команда отправилась на станцию Валькаркай на Чукотском полуострове и работала там в течение трёх летних месяцев — ровно столько длится действие в самом фильме.

Оператором выступил будущий создатель «Эпидемии» Павел Костомаров, поэтому визуальный ряд у фильма получился захватывающим: невероятно красивые съёмки природы и пустынной станции перемежаются с почти клаустрофобными крупными планами героев, жизнь которых превратилась в подобие охоты.

Сюжет же рассказывает о проявлении человеческой слабости. Трудно отрицать, что Павел сам виноват во всех проблемах. Но всё же герой вызывает скорее сочувствие, поскольку он выглядит просто слишком нерешительным.

Премьера фильма состоялась на Берлинском кинофестивале, где Добрыгин и Пускепалис получили призы за актёрскую игру, а Костомаров — за выдающийся вклад в искусство. Также картину наградили «Золотым орлом» и премиями на Чикагском и Лондонском кинофестивалях.

Как ни удивительно, даже двое актёров — не минимум для фильма. В «Погребённом заживо» и «Локе» и вовсе снялось по одному человеку, да и в «Луне 2112» большую часть времени персонаж проводит один.

Но всё же кино «на двоих» даёт возможность живого диалога и взаимодействия между персонажами. Поэтому такие картины более близки к традиционному кинематографу, и все приведённые фильмы действительно захватывают внимание. Даже если действие в них разворачивается в одной комнате.

#топы #мнения