Как научиться смотреть анимационное кино? На примере Disney и Pixar

Для большинства людей анимационные фильмы, — это очень простая и легкая форма времяпрепровождения: красочные картинки, легкомысленные истории, понятные персонажи. На самом деле все обстоит гораздо глубже, ведь анимация, это сложная, многослойная форма повествования. Просмотр становится действительно насыщенным, когда вы взаимодействуете с фильмом на нескольких уровнях. Именно это и делает великая анимация, — преодолевает разрыв между экраном и зрителем, делая каждого из нас частью истории.

Смотреть анимационное кино, — значит обращать внимание на детали. Поняв, как художественные инструменты используются в повествовании и взаимодействуют между собой, вы заметите совершенно новый уровень творчества.

- Анимация как средство повествования

- Ритм, пространство и масштаб

- Цвет и форма

- Приемы, используемые аниматорами

- Композиция и кинематограф в анимации

- Музыка и саунд-дизайн

- Структура сюжета

- Как анализировать дуги персонажей и почему «Университет монстров», — незаконченная работа

Анимация как средство повествования

Сейчас будет немного скучной теории, (совсем немного, обещаю), возможно где-то банальной. Но как бы она не душнила, — это важно. И позже вы поймете почему. Нарратив в анимации, — одна из важнейших форм искусства. Коротко, но метко, разберемся в механике.

Что такое повествование? По своей сути оно является искусством передачи сюжета, которое воплощает в себе набор целей, ценностей и эмоций. Повествование содержит 5 ключевых компонентов:

1. Персонаж — двигатель истории. Хорошо проработанные персонажи несут глубину, мотивы и личные проблемы, которые находят отклик у зрителей. В первой «Истории игрушек» внутренняя борьба Вуди составляет эмоциональную основу сюжета.

2. Конфликт — основная проблема или борьба, с которой сталкиваются персонажи. В «Суперсемейке» семье приходится бороться как с неприятием обществом супергероев, так и с личными проблемами, (например, желание мистера Исключительного вернуться в дни своей славы, что создает напряжение, которое движет повествованием).

3. Сюжет — последовательность событий, которые продвигают историю вперед, приводят к разрешению и часто трансформации персонажей. В «В поисках Немо» Марлин хочет уберечь своего ребенка, но позже он понимает, что на самом деле ему нужно отпустить сына и дать ему возможность почувствовать жизнь.

4. Сеттинг — время и место, в котором происходит действие истории. В «Зверополисе» фоном служит мегаполис животных, в котором реализм сочетается с фантазией.

5. Тема — основная мысль или мораль истории. В «Рататуе» это тема следования своим страстям и мечтам в мире, который может тебя отвергать.

Помимо всего вышеперечисленного художественный вид играет важную роль в создании настроения и тона картины. Сегодня их четыре:

1. 2D, традиционная ручная или цифровая анимация, оживляющая плоские изображения, («Белоснежка», «Коты – аристократы», «Спящая красавица»).

2. С помощью компьютерных технологий 3D-анимации создается глубина и реалистичность. Одной из первых таких полнометражных картин является «История игрушек».

3. Стоп-моушн, покадровое манипулирование объектами реального мира. Примеры: «Кошмар перед Рождеством» и «Франкенвини».

4. CGI часто используется в блокбастерах, например в «Холодном сердце». Именно он позволяет аниматорам создавать яркие, динамичные миры.

Ритм, пространство и масштаб

Ритм — важнейший элемент анимации, (и это не о музыкальном сопровождении или темпе сцен). Здесь ритм, — это расположение визуальных и слуховых сигналов, которые ведут зрителя по ходу сюжета. Это тип порядка, который организует поток действий, диалогов и образов, создает непрерывность просмотра.

Как и в музыке, ритм в анимации может быть ровным или синкопированным, нагнетающим или дарящим спокойствие. Можно сказать, что это сердцебиение фильма, ведь именно ритм заставляет историю жить и двигаться. В «Душе» ритм сильно варьируется между «земными» сценами в Нью-Йорке и «неземными» «Великого До». На шумных улицах города ритм стремительный, он отражает суету и хаос повседневной жизни. Напротив, сцены в потустороннем мире имеют более плавный, мечтательный темп, который подчеркивает необъятность и безвременье Вселенной. Такие ритмические перемены вовлекают зрителей, отмечая важные для сюжета смены тона и настроения.

Ритм в анимации также работает через повторение. Оно помогает создать структуру, которая одновременно успокаивает и динамизирует зрителя. Как и в жизни, повторяющиеся паттерны в анимации могут отражать цикличность эмоций или переживаний. В «Душе» мы видим это через повторяющийся образ фортепиано, отражающий любовь Джо к музыке и его эмоциональную дугу. Каждый раз, когда появляется музыкальный инструмент, он сигнализирует о моменте самоанализа или воспоминаниях героя. В партитуре картины также используются повторяющиеся музыкальные элементы, которые связывают сцены воедино, даже когда сюжет перемещается между совершенно разными мирами.

Ритм не только организует технические аспекты, но и направляет нас эмоционально. Он отражает естественные ритмы жизни, — сердцебиение, дыхание, движение, позволяет нам чувствовать себя более связанными с персонажами и историей. Когда ритм замедляется, это дает нам время поразмышлять вместе с персонажами, а когда он, напротив, ускоряется, мы чувствуем, как нарастает волнение или тревога. Когда Джо переживает переломные моменты самореализации, ритм фильма замедляется, давая и нам пространство для размышлений. Зрителю фильм предлагает задержаться на этих моментах, чтобы послание получило более глубокий отклик.

Резкие изменения ритма зачастую сигнализируют о важных сдвигах в сюжете. Внезапное ускорение или замедление темпа указывает на поворотный момент в сюжете или резкое изменение эмоционального тона. Такой прием часто используется для того, чтобы держать зрителей в напряжении, создавая страх или выделяя ключевой момент в повествовании. В «Душе» одно из самых ярких изменений ритма происходит, когда Джо впервые переходит из физического мира в духовный. Темп резко замедляется, усиливается сюрреализм и наше внимание заостряется на глубине путешествия героя. Здесь изменение ритма, — ключ к созданию напряжения и предвкушения, заставляющий зрителя почувствовать всю тяжесть того, что поставлено на карту Джо.

В анимации пространство и масштаб изменчивы и часто играют с восприятием зрителя. В отличие от фильмов живого действия, где пространство обычно фиксировано физическими ограничениями, анимация позволяет сжимать, растягивать и даже накладывать друг на друга различные пространства, «Душа» вновь станет лучшим примером. Фильм переносит нас с привычных, реалистичных улиц в сюрреалистичное, экспансивное «Великое До». Перемещения в пространстве служат разделением ограниченных, земных забот жизни главного героя как музыканта к безграничным возможностям самопознания и истиной цели. В анимации игра с пространством не просто визуальный трюк, — это инструмент для повествования. Изменения масштаба, (то Джо гигант в мире людей, то крошечная душа в загробном мире), — подчеркивает эмоциональные состояния персонажа и углубляет тему фильма. Нам нужно смотреть не только на поверхность, обратите внимание на ритм, темп сцен, повторение тем, их смены. Посмотрите, как в фильме используются пространство и масштаб.

Использование цвета и формы

На сегодняшний день анимация довела до совершенства искусство визуального повествования, причем не только с помощью диалогов, но и с помощью визуальных элементов. Формула успеха заключается во внимании к деталям в использовании тонких элементов дизайна для поддержки повествования. За каждой сценой скрывается тщательный баланс цвета, символизма и эмоций, который помогает продвигать историю вперед.

Цвет в анимации, — это не просто эстетический выбор, а важнейший инструмент, который формирует эмоциональную реакцию на сцену, помогая создать настроение и выделить важные элементы сюжета. Цвет может тонко определять наше отношение к персонажам, обстановке или даже эмоциям в конкретный момент. Например, в «Красавице и Чудовище» желтое бальное платье Белль, — символ внутренней яркости и оптимизма героини; качества, которые помогают привнести радость и тепло в мрачное и проклятое существование Чудовища.

Цвета вызывают эмоции без слов. Палитра сцены может превратить что-то легкомысленное во что-то угрожающее всего лишь парой изменений оттенка. Возьмем, к примеру, «Мулан», где красное кимоно героини символизируют как опасность, с которой она сталкивается, так и ее безграничную храбрость.

Pixar произвели революцию в использовании цвета в анимации, внедрив такое понятие, как цветовой сценарий. Цветовой сценарий отображает эмоциональное путешествие фильма с помощью цвета, чтобы показать, как освещение, настроение и эмоции меняются на протяжении сюжета. Он помогает аниматорам визуализировать эмоциональный тон различных сцен задолго до начала анимационной работы.

В «Истории игрушек 3» художник-постановщик Дайс Цуцуми использовал цветовой сценарий для отслеживания эмоциональных подъемов и спадов фильма, с помощью цвета проводя зрителей через чувства ностальгии, страха и надежды. Благодаря тщательному выбору цвета Pixar может держать зрителей в эмоциональном напряжении, создавать мощные моменты, когда визуальные эффекты сами по себе рассказывают историю.

Если Pixar, как правило, использует более приглушенные, скоординированные цветовые палитры, то Disney обращается к ярким, насыщенным оттенкам, чтобы сделать сцены визуально яркими. В «Холодном сердце» голубое платье Эльзы и ледяное окружение наглядно демонстрируют ее силу и эмоциональную изоляцию.

Disney не стесняется использовать контрастные цвета, чтобы усилить драматизм. В «Короле Льве» сочная зелень предвещает создание нового мира и знаменует конец мрачного правления Шрама. Смелое использование цвета в фильмах Disney работает в тандеме с сюжетными линиями, что делает персонажей запоминающимися и мгновенно узнаваемыми благодаря знаковым цветовым схемам.

Цвет в анимации не просто создает визуальный интерес, но и помогает передать внутреннее эмоциональное состояние героев. В «В поисках Немо» успокаивающий голубой цвет океана символизирует стремление Марлина к безопасности, а темные тона говорят об опасности, таящейся под поверхностью. По мере того, как Марлин и Дори исследуют океан, смена цветов передает одновременно и удивление, и страх, вовлекая зрителя помимо сюжета еще и в эмоциональное «путешествие».

Точно так же в «Рапунцель: запутанная история» теплые пурпурные и розовые тона, используемые в сцене с фонариками, создают атмосферу волшебства и надежды, отражая любовь и свободу, которые Рапунцель испытывает впервые.

Каждый цвет несет в себе эмоциональную нагрузку, но он также играет структурную роль в общем повествовании. Дополняющие друг друга цвета могут вступать в конфликт, как в «Красавице и чудовище», когда теплый, яркий желтый цвет платья Белль контрастирует с мрачным и угрюмым замком Чудовища. Такое визуальное напряжение подчеркивает их первоначальную нестыковку, которая со временем превращается в гармонию по мере развития их отношений.

Цвет также играет важную роль в развитии персонажей. По мере того, как персонажи растут и меняются на протяжении фильма, меняется и их цветовая палитра. Pixar часто использует эту технику очень тонко. В фильме «Вверх» мир Карла после потери жены становится мрачным и серым, но когда он начинает свое приключение с Расселом, палитра меняется на более яркие, живые оттенки, отражая эмоциональный путь Карла к радости и цели.

То же самое происходит и в диснеевском «Холодном сердце». Льдисто-голубая цветовая гамма Эльзы отражает ее эмоциональную изоляцию, но к концу фильма более теплые тона вновь начинают появляться, когда она учится открывать свое сердце и воссоединяется с сестрой.

Каждый цвет имеет свои психологические эффекты, которые аниматоры используют для углубления повествования. Теплые цвета, (красный, оранжевый и желтый), могут вызывать чувство возбуждения, энергии или даже опасности, в то время как более холодные цвета, (синий, зеленый и фиолетовый), обычно успокаивают или создают ощущение тайны. Если разобраться в психологической силе цвета, то это может помочь нам уловить тонкие сигналы об эмоциональной подоплеке сцены.

Приемы, используемые аниматорами

Перейдем к приемам, которые используют аниматоры чтобы оживить персонажей и миры. Disney и Pixar я выбрала не случайно, ведь именно эти две студии установили золотой стандарт в анимации.

Сминание и растягивание — фундаментальный принцип, который используют для придания веса, гибкости и преувеличения. Это деформация объекта или персонажа для отражения движения. Самый банальный пример, который приводят, рассказывая об этом приеме, — прыгающий мяч: в момент удара о землю он сминается, а когда поднимается — растягивается. Персонажи кажутся нам живыми, когда их движения преувеличены. Ярко технику можно заметить в движении и запутывании волос Рапунцель. То, как они растягиваются и сминаются, придает движению реалистичной динамики.

Предвкушение используется для того, чтобы либо подготовить зрителя к главному действию, либо отразить реальность, (представьте, как вы бы поднимали что-то тяжелое перед ударом). Перед тем как персонаж начнет двигаться, часто происходит легкое нарастание движения, как, например, перед нанесением удара мистер Исключительный ненадолго замирает. В анимации применяется та же логика, что и в жизни, когда большим движениям предшествуют тонкие сигналы.

Постановка — это то, как скомпонованы и оформлены сцены, чтобы направить внимание зрителя на самое важное. Аниматоры используют ракурсы камеры, освещение и расположение персонажей, чтобы подчеркнуть важные моменты. Рассмотрим начальную сцену «Короля Льва», где мы видим мир с точки зрения маленького Симбы. Постановка под низким углом фиксирует наше внимание на грандиозных масштабах джунглей и возвышающихся над прайдом персонажах. Постановка усиливает нарратив, акцентируя внимание на определенных эмоциях или ключевых действиях.

Существуют также два основных метода, которые аниматоры используют для создания движения: прямолинейное действие и от позы к позе. Прямолинейное действие несет в себе последовательную анимацию каждого кадра, создает плавное и спонтанное движение. Обычно его используют для создания свободных движений, например движения волос или воды.

Анимация от позы к позе предполагает сначала прорисовку ключевых поз, а затем заполнение промежуточных кадров. Этот метод обеспечивает больший контроль над движениями и пропорциями, что делает его идеальным для более структурированных сцен, например борьбы. Вспомните противостояние Эльзы солдатам Ханса в «Холодном сердце».

Последующие и перекрывающие действия добавляют реалистичности движениям, создавая одновременное движение не всех частей персонажа. После того как персонаж останавливает движение, некоторые элементы: волосы, одежда или конечности, — продолжают двигаться, добавляя естественную плавность. Возьмем в пример снова Эльзу: когда она взмахивает руками, призывая свои чары, ее платье и прическа продолжают колыхаться даже после того, как ее руки перестают двигаться. Благодаря такому движению действие становится более динамичным и правдоподобным.

Чтобы создать более плавные и естественные движения, аниматоры используют ускорение и замедление. В начале и конце движения добавляется больше кадров, чтобы подчеркнуть эти моменты, а в середине действия используется меньше кадров, что создает эффект ускорения и замедления. Эта техника особенно полезна в преувеличенных движениях. В «Аладдине» обратите внимание на то, как вытягивается лицо Джинна, когда он выскакивает из лампы, — медленное введение и выведение кадров.

Движения в анимации обычно происходят по дугам, а не по прямым линиям. Дуги создают более изящные и естественные действия, отражающие то, как двигаются наши тела в реальной жизни. Персонажи не просто поднимают руки по прямой линии, они следуют изогнутым движениям, именно это придает им плавность и реалистичность. Этот принцип ярко выражен в сценах действия, например, когда персонажи размахивают предметами или бросают их. В «Суперсемейке» движения рук Боба усиливаются благодаря дугам, по которым они движутся, что придает его действиям силу и плавность.

Тайминг играет решающую роль в определении наших ощущений от действий, контролирует темп движения и влияет на энергетику сцены. Для быстрых и энергичных сцен используется меньшее количество кадров, что создает более быстрые движения. Медленные и драматичные движения снимаются с большим количеством кадров, чтобы подчеркнуть их взвешенность и продуманность. В «Корпорации монстров», когда Салли пытается незаметно надеть пару носков, быстрый тайминг его действий добавляет юмора сцене. И наоборот, когда Олаф двигается, замедленная синхронизация придает его действиям причудливость и очарование.

Преувеличение используется в анимации, чтобы сделать движения, выражения или действия более драматичными, чем они были бы в реальной жизни. Это усиливает эмоции и добавляет необходимый уровень волнения. Блестящий пример — «Рапунцель: запутанная история», где преувеличение шикарно используется в мимике и движениях. Когда герои удивляются или приходят в восторг, их реакции часто выглядят более «масштабными», чем были бы в реальной жизни.

Сплошная прорисовка обеспечивает объем, вес и глубину персонажей, даже если они стилизованы. В хорошей анимации персонажи не кажутся плоскими или резиновыми в своих пропорциях. Этот принцип предполагает рисование персонажей с ощущением «трехмерности», что рождает их правдоподобными даже в анимационном мире. Вы можете увидеть, как Марлин и Дори тщательно прорисованы с учетом объема и веса, что придает им масштаб в подводной среде.

Привлекательность — это то, насколько обаятельны, увлекательны и запоминаются персонажи. Привлекательный персонаж притягивает нас, заставляет эмоционально вкладываться. Выразительные глаза и простые жесты Валл-И делают его привлекательным, даже несмотря на то, что он почти не говорит. Привлекательность заключается не только в том, как персонаж выглядит, но и в том, как он двигается, выражает эмоции и реагирует на окружающий мир. Даже самые мелкие детали, наклоны головы робота, делают его неотразимым.

Композиция и кинематограф в анимации

По своей сути композиция, — это искусство расположения визуальных элементов: персонажей, объектов и фона таким образом, чтобы они казались целостными и целенаправленными. Дело не только в том, чтобы все выглядело красиво, а в том, чтобы направить взгляд зрителя на то, что важнее всего в каждой сцене.

Представьте, что вы смотрите на сцену с хорошо проработанной кирпичной стеной, сложными световыми эффектами и отражениями в лужах. Да, каждый элемент может быть потрясающим сам по себе, но сцена все равно может показаться разрозненной, если композиции не хватает фокуса. На что должен обратить внимание зритель: на стену, освещение или отражения? Без четкой точки интереса сцена теряет свое воздействие, независимо от того, насколько хорошо выполнены отдельные элементы.

Основная цель композиции, — обеспечить гармоничное взаимодействие всех частей сцены, чтобы создать единую, визуально привлекательную картину. Для этого балансируются следующие компоненты:

- Фокусные точки, элементы, на которые авторы хотят обратить внимание зрителя, например, персонаж или ключевой объект.

- Структура, то, как расположена сцена. Это может повлиять на то, как глаза зрителя перемещаются по экрану.

- Баланс, — обеспечение стабильности композиции, будь то симметрия или намеренный дисбаланс, чтобы передать напряжение или тревогу.

В «Головоломке» Райли часто располагается в центре кадра, когда она находится с родителями, что символизирует ее положение как центра их мира. Однако, когда ее отношения с ними становятся напряженными, она часто оказывается в кадре сбоку, композиционно сигнализируя о том, что что-то в их динамике изменилось.

Хотя многие считают, что кинематограф, — это понятие, предназначенное для живых фильмов, в анимации он не менее важен. Виртуальные камеры Pixar разработаны таким образом, чтобы имитировать реальные камеры. У них есть характеристики выбора объектива, глубины резкости и даже искажение объектива, — все это влияет на кадрирование сцены и ее восприятие зрителем.

В анимации также необходимо решить, будет ли камера оставаться неподвижной или двигаться, и если она будет двигаться, то как, — на рельсах, кранах или с помощью ручного симулятора. Все это влияет на общий тон и настроение сцены.

В «Головоломке» Pixar использует кинематограф, чтобы разграничить два основных мира в сюжете: реальный мир за пределами сознания Райли и мир внутри ее сознания, где живут ее эмоции.

Внешний мир, основанный на реальных местах, — Миннесота и Сан-Франциско, использует более органичный, ручной стиль съемки. Камера имитирует недостатки: легкое дрожание и случайные моменты расфокусировки, что добавляет миру реалистичность и приземленность. Съемка повторяет то, как мы воспринимаем непредсказуемость реальной жизни.

Внутри сознания Райли кинематограф совершенно другой. Все более контролируемо, с плавными, изящными движениями камер на рельсах или кранах. Это идеально отражает воображаемый и организованный мир внутри сознания. Использование другого типа объективов для этих сцен, основанных на объективах Ultra Prime, придает внутреннему миру отполированность, почти первозданность.

Движение камеры отражает эмоциональное состояние Райли. Когда все спокойно и под контролем, кадры устойчивы, — сняты либо на штативе, либо с использованием Steadicam. Однако, когда ее эмоции выходят из-под контроля, камера имитирует эту нестабильность, становясь ручной и трясущейся.

Еще один важный аспект анимации, — поддержание экранного направления: последовательной ориентации взгляда или движения персонажей. Направление экрана очень последовательно на протяжении всего хода событий. Если Райли смотрит влево, то при переходе во внутренний мир Радость смотрит в том же направлении. Также, когда мы покидаем внутренний мир, камера перемещается вправо. При входе во внутренний мир камера перемещается на экран влево.

Мир Райли в Миннесоте показан широкими кадрами с сильными горизонтальными линиями, подчеркивающими простор ее детства, когда все казалось таким большим. Однако, когда она переезжает в Сан-Франциско, кадры становятся более узкими, с большим количеством вертикальных и диагональных линий, символизируя, насколько маленьким и ограниченным кажется ее мир.

То, как кадрируются персонажи, также отражает их эмоциональное состояние. В начале фильма, когда Райли только родилась, мы видим крупным планом ее родителей, кадрируя их ýже, акцентируя защитные, интимные отношения с дочерью. По мере взросления Райли, (особенно в моменты конфликтов), кадры раздвигаются, создавая больше пространства между ней и ее родителями; визуально представляя эмоциональную дистанцию между ними.

Музыка и саунд-дизайн

Саунд-дизайн — это не просто фоновый шум, чтобы заполнить тишину. Это искусство создания и манипулирования звуками для придания сюжету глубины и эмоций. В анимационных фильмах, где нет естественного звука, каждый звук создается с нуля. Возьмем, к примеру, «В поисках Немо». Подводный мир оживает не только благодаря картинке, но и тщательно продуманному звуковому рисунку, который создает ощущение реального океана. Мягкое журчание воды или отдаленное эхо песни кита. Без них океан будет казаться пустым, а эмоциональное воздействие истории значительно ослабнет.

Звуковое оформление помогает создать обстановку, определить жанр и передать характер персонажей; саунд действует как эмоциональный план, направляя зрителей по сюжету, не полагаясь только на визуальные или вербальные подсказки. В «Короле Льве» огромная африканская саванна наполнена звуками окружающей среды: шелестом травы и отдаленными криками диких животных. Природные звуки не просто заполняют пространство, — они задают тон объема путешествия Симбы и драматичный масштаб повествования. Тишина же используется так же эффективно.

В «Истории игрушек» звук играет важнейшую роль в формировании личности персонажа. Мы слышим полые шаги Вуди изображают его деревянный каркас, а механические движения Базза Лайтера подчеркиваются гладкими футуристическими звуками. У каждого персонажа есть своя собственная звуковая подпись, которая подчеркивает его индивидуальность, помогая зрителю мгновенно понять, кто он такой.

Звук задает темп и ритм анимации. Быстрые, резкие саунд-эффекты могут сделать стремительные сцены еще более энергичными, а медленные, мягкие звуки, — подчеркнуть напряжение или меланхолию. Вспомните кульминационные моменты в «Суперсемейке», где рев моторов во время скоростной погони за семьей усиливает остроту и напряженность действия.

Чтобы в полной мере оценить роль саунд-дизайна в анимационных фильмах, важно понимать три основных типа используемых звуков: диалоги, звуковые эффекты и музыка. Каждый из них служит уникальной цели в развитии сюжета.

1. Диалог — это произнесенные персонажами реплики, которые служат наиболее прямой формой общения со зрителями. В анимационных фильмах игра голосом особенно важна, потому что персонажами не являются физическими актерами, — все нюансы эмоций передаются через голос. Крупные студии тщательно подбирают актеров, которые передают весь спектр эмоций своих персонажей. В некоторых случаях диалог также творчески используется для определения жанра или культурной среды фильма. В «Рататуе» французские акценты и фразы в диалогах усиливают Парижскую атмосферу фильма, погружая зрителя в мир изысканной кулинарии и французской культуры.

2. Звуковые эффекты — это элементы, которые отображают действия, движения и события. Они варьируются от самых обыденных звуков, (шаги или открывающиеся двери), до более сложных эффектов, (взрывы или магические превращения). В «Корпорации монстров» звуки открывающихся дверей или хлюпающие шаги монстров создают осязаемость и правдоподобность мира. Звуковые эффекты в анимации могут быть реалистичными или стилизованными, в зависимости от тона фильма.

3. Музыка — это, пожалуй, самый эмоционально насыщенный вид звука в анимации. Партитура задает настроение и помогает сформировать эмоциональный отклик зрителя на ту или иную сцену. В фильмах Disney культовые песни часто становятся частью повествования. Так в «Короле Льве» это композиция «Circle of Life» или в «Холодном сердце» «Let It Go». Песни не просто развлекают, — они передают внутренние мысли персонажей и помогают продвигать сюжет вперед.

Pixar тоже использует музыку, чтобы подарить эмоции. Например, партитура в «Вверх», рассказывающая историю любви Карла и Элли в бессловесном монтаже. Одна только музыка описывает пронзительную историю их совместной жизни, делая потерю героя еще более душераздирающей.

Партитура также может сигнализировать о смене тона или атмосферы. В «В поисках Немо», когда Марлин и Дори путешествуют по океану, музыка нагнетает волнение в моменты радости, но становится напряженной при встрече с опасностью.

Хотя саунд-дизайн часто работает на заднем плане, он является неотъемлемой частью процесса повествования. Это «молчаливый рассказчик», хоть мы не всегда это замечаем. Звук оказывает глубокое влияние на восприятие сюжета. Представьте, что вы смотрите «Суперсемейку» без джазовой партитуры или «Историю игрушек» без лязга запчастей Базза. Эти фильмы не имели бы того же эмоционального веса и энергии, если бы не их тщательно проработанный саунд-дизайн.

Саунд-дизайн подчеркивает моменты радости, создает напряжение в моменты опасности и обеспечивает плавное перетекание между сценами. У каждого звука есть своя цель. Обращая внимание звуковые элементы, вы сможете лучше понять всю сложность анимационных фильмов.

Структура сюжета

Большинство из нас знакомы с классической формулой повествования: завязка, кульминация и развязка. Это основа любой истории, которой нас учат еще в школах. Что такое структура сюжета? Это основа, которая формирует повествование. Это то, как события организованы в сюжете. Как правило, структура несет в себе введение персонажей и места действия, развитие сюжета, кульминацию и окончательное разрешение конфликта. По сути, это позвоночник нарратива, который ведет его от начальной сцены до финальной, при этом каждая деталь вносит вклад в общую идею.

Метод Pixar основывается на базовых элементах повествования, но добавляет слои смысла и эмоциональной сложности. Он включает в себя отдельные этапы: мир в равновесии, событие, которое нарушает этот баланс, затем цепочка каскадных последствий и, наконец, разрешение.

«Однажды…»

В каждой истории Pixar ключевым моментом является пролог, подготовка сцены. На первом этапе зрителей знакомят с главным героем, его миром, временем и обстановкой. Банально, но это очень важно для создания непосредственной связи между зрителями и историей, дает нам понять, кто такие персонажи и какой мир они населяют.

«Каждый день...»

Далее Pixar показывает нам «мировое равновесие», — то, как выглядит жизнь главного героя до того, как произойдет что-то, что изменит его жизнь. Это обычное, повседневное существование персонажа. Скажем так, затишье перед бурей. Это помогает зрителям понять, каковы ставки и что будет нарушено в этой истории.

«Пока в один день...»

Возбуждающий инцидент, — момент, который все меняет. В этот момент спокойная рутина главного героя сбивается с курса, и он попадает в незнакомую ситуацию. Именно это событие приводит в движение всю историю, заставляя персонажа отправиться в путешествие, внутреннее или внешнее, чтобы восстановить равновесие или достичь своей цели.

«Из-за этого...» (1)

После срыва персонаж должен ответить на новый вызов. Он начинает действовать, продвигать сюжет вперед. Именно здесь начинается настоящее приключение главного героя. Сейчас второй акт в самом разгаре, и мы вот мы видим, как герой преодолевает первое из множества препятствий.

«Из-за этого...» (2)

В модели Pixar одно препятствие влечет за собой другое, и последствия действий персонажа разворачиваются естественным образом. Такое повторение причинно-следственных связей создает импульс и не дает сюжету застопориться. Каждая новая проблема, с которой сталкивается герой, вовлекает зрителей в действие, усиливает заинтересованность в развязке истории.

«Пока наконец...»

История достигает своего разрешения. Находится новое равновесие, и путешествие завершается. Эта концовка, хотя и отличается от первоначального «повседневного» мира, ощущается как естественный итог всего, что было до этого. Все этапы пути ведут к этому финальному моменту, и зритель чувствует, что история достигла удовлетворительного завершения.

Давайте разберем «Валл-И», используя эту структуру:

«Однажды…»

Мы знакомимся с героем Валл-И, маленьким роботом-мусорщиком, который живет на пустынной Земле и узнаем, что человеческая цивилизация давно покинула планету из-за чрезмерного загрязнения окружающей среды. Каждый день Валл-И послушно выполняет запрограммированное задание по уборке мусора, совсем один, если не считать друга таракана. В свободное время он собирает из мусора интересные предметы и мечтает о чем-то более значимом в жизни, — об этом нам говорит его увлеченность просмотра старого мюзикла «Hello, Dolly!».

«Каждый день...»

Каждый день Валл-И выполняет свою одинокую рутину, уплотняет мусор и собирает интересные безделушки. Мы чувствуем, что его мир тих, одинок и однообразен. Он жаждет общения, на которое намекает, когда наблюдает, как два героя его любимого фильма держатся за руки. Хотя Земля лежит в руинах, Валл-И за это время обрел чувство любопытства.

«Пока в один день...»

Прибывает космический корабль, на котором находится Ева, - продвинутый робот, отправленный на Землю для поиска признаков растительной жизни. Валл-И мгновенно очаровывается Евой и следует за ней по пятам. Он раскрывает тайну и показывает самое дорогое, что у него есть, — растение. Ева деактивируется, начиная подавать сигнал космическому кораблю, чтобы тот забрал ее. Не желая новую знакомую, Валл-И цепляется за космический корабль, когда тот возвращается за Евой.

«Из-за этого...» (1)

Валл-И следует за Евой на Аксиому в новую локацию. Это огромный космический корабль, где люди живут столетиями в состоянии крайней лени и зависимости от технологий. Присутствие Валл-И нарушает равновесие, а любовь робота к Еве вызывает ряд событий, которые ставят на карту выживание человеческой расы. Именно сейчас мы узнаем, что обнаружение растения означает, что Земля может снова стать пригодной для жизни и люди могут вернуться.

«Из-за этого...» (2)

Растение вызывает хаос на борту Аксиомы, что приводит к противостоянию с автопилотом корабля, который хочет предотвратить возвращение человечества на Землю. Валл-И и Ева объединяются, чтобы спасти растение и помочь людям понять, что они могут вернуть себе свой дом. На этом пути Валл-И терпит большие убытки, рискуя всем ради дела, в частности, даже Особенно, своей любовью к Еве.

«Пока наконец...»

Валл-И и Ева успешно возвращают растение капитану корабля, который отрубает автопилот и берет курс на Землю. Вернувшись на планету, Валл-И получает серьезные повреждения, но Ева восстанавливает робота. Сначала кажется, что Валл-И потерял себя, но в трогательный момент он вспоминает, кто он такой, и протягивает руку Еве. Человечество начинает процесс восстановления Земли, и Валл-И, больше не одинокий, обретает друзей и любовь, чего так сильно желал.

Модель повествования Pixar работает, потому что она отражает естественный ход жизненных проблем и их решений. Повторение «Из-за этого…» дает вес решений персонажей и постоянное развивает сюжет, поддерживая эмоциональную вовлеченность. Это не только внешнее путешествие, но и внутренний рост, трансформация персонажей. Pixar следуют простым и понятным рамкам, но в то же время наполняют их эмоциональной сложностью.

Как анализировать дуги персонажей и почему «Университет монстров», — незаконченная работа

Дуга персонажа описывает путь изменений, который проходит герой по мере развития сюжета. В классической греческой драме сюжеты не обязательно фокусировались на росте или трансформации персонажа, — вместо этого персонажи часто оставались статичными, а драма разворачивалась вокруг момента осознания или признания недостатков. Эта идея, известная как анагносис, была центральной в античных рассказах. В конце 19 века Уильям Арчер, театральный критик, утверждал, что развитие персонажа в драме, — это не изменение, а скорее раскрытие его истинной природы. Зрители узнавали сущность персонажа, но сам персонаж не обязательно менялся.

Однако к началу 20 века, особенно в американском кинематографе, концепция развития персонажа в ходе сюжета получила широкое распространение. В своей фундаментальной работе «Классическое голливудское кино» 1985 г. историки кино Дэвид Бордуэлл, Джанет Стайгер и Кристин Томпсон отметили, что в 1920-х годах возникла новая модель повествования. В этой модели главный герой начинает как симпатичная фигура, но сталкивается с существенным недостатком или личным вызовом. На протяжении всего повествования он вынужден противостоять этому недостатку и в конце концов преодолеть его. Например, сын рыбака может бояться моря из-за травмы, полученной в прошлом, но в кульминации фильма он сталкивается со своим страхом лицом к лицу и спасает любимого человека.

Эта модель развития стала настолько доминирующей, что распространилась на телевидении, особенно в получасовых комедиях, где герои часто получали ценный урок к концу эпизода. Однако к концу 1980-х годов наметилась обратная реакция против этого тропа, которая проявилась в «Сайнфелде» и «Симпсонах», где герои упорно остаются неизменными, отказываясь расти и учиться на своем опыте.

Pixar мастерски воплотила модель дуги, - роста персонажа во многих своих фильмах. Например, «В поисках Немо», «История игрушек» и «Вверх» демонстрируют, как их герои проходят глубокий личностный рост на протяжении всего фильма.

Но «Университет монстров», — интересный случай. В нем дуги характеров обоих главных героев фильма менее ясны, чем в других картинах Pixar.

Майк начинает свой путь в учебе как энергичный и умный первокурсник, решительно настроенный на достижение своей мечты, — стать настоящим страшилой. Несмотря на его успехи фильм заставляет нас усомниться в том, что он действительно способен пугать других. Кажется, что его история должна преподать ему важный урок, — либо смириться со своим внешним видом и поменять направление, либо найти способ воплотить свои знания в реальные навыки. Но в фильме этот, как я сказала выше, «урок», затуманен. В конце Майка все же исключают из Университета, оставляя его дугу неразрешенной. Научился ли он как-то работать со своей внешностью или его успех больше связан с упорством? Этого мы не знаем.

Аналогично, Салли, представленный нам как одаренный от природы страшила, на деле ленивый, не имеет никакого желания учиться и полагается исключительно на свои связи и врожденные способности. Со временем зрителю становится очевидно, что его уверенность в себе прикрывает глубокую неуверенность. Однако и здесь, как и в случае с Майком, сюжет Салли непоследователен. Хоть он и жульничает, чтобы победить в Страшильных играх, демонстрируя отчаянное стремление к успеху, его история не имеет никакого четкого разрешения. Узнает ли он, что такое упорный труд, работа в команде или смирение? Что такое работа над собой, целеустремленность, или ему помогают хитрость и случай? Фильм не дает нам окончательного ответа на эти вопросы, из-за чего обе дуги персонажей просто напросто слиты, (хотя я безумно люблю этот фильм).

Частично проблема «Университета монстров» заключается в чрезмерном усложнении фильма. Из-за большого количества сюжетных линий и затронутых тем, — фильму не удается выработать единый, последовательный посыл. В отличие от этого, в том же самом «В поисках Немо» дуга персонажа проста и понятна: Марлин, любящий, но чрезмерно опекающий отец, учится отпускать свои страхи и доверять своему сыну.

По словам сценариста Pixar Эндрю Стэнтона, у всех великих персонажей есть то, что он называет «позвоночником». Этот внутренний мотор движет ими, будь то потребность Марлина предотвратить вред или стремление Валл-И к красоте и любви. Понимание движущей мотивации персонажа, — ключ к пониманию работы.

Разберемся, что делает персонажей Pixar такими привлекательными:

1. Четкие внешние цели

У каждого персонажа есть внешняя цель, которую он преследует. Например, Вуди хочет оставаться любимой игрушкой Энди, а Радость из «Головоломки» хочет, чтобы Райли была счастлива. Эти желания часто вступают в прямой конфликт с более глубокой внутренней потребностью персонажа.

2. Врожденные, неосознанные потребности

За внешними целями у персонажей Pixar часто скрываются более глубокие, личные потребности. Марлин хочет уберечь Немо, но на самом деле ему нужно отпустить сына и дать ему возможность почувствовать жизнь.

3. Дуги персонажей

Путь развития каждого персонажа очень важен. Препятствия и трудности, с которыми они сталкиваются, часто заставляют их столкнуться со своими недостатками и в конечном итоге измениться к лучшему. Например, Боб, который учится работать в команде в «Суперсемейки», или Карл, который понимает, что может создавать новые воспоминания в «Вверх». Дуги создают эмоциональную глубину.

Хорошо проработанная дуга часто совпадает с темой. Обращая внимание на мотивы, желания и внутренние потребности персонажей, вы сможете лучше оценить глубину повествования.

Надеюсь, что эта статья помогла вам по-новому взглянуть на просмотр анимационных фильмов или же просто освежила память. Если вы хотите глубже погрузиться в мир анимации, узнать истории создания фильмов или просто пообщаться на похожие темы, буду рада видеть вас на своем канале!

Екатерина Кодуа