Ещё немного музыки 2022-го

Продолжаем поддерживать писательский план на DTF в рамках одного поста в год.
Ниже – крайне субъективная подборка альбомов, доставивших в ушедшем году наибольшее наслаждение. Пробежимся по всем основным жанрам. Предыдущий год здесь.

Рождённая в семье барабанщика Sex Pistols и бэк-вокалистки Culture Club, британка Холли Кук была обречена связать жизнь с музыкой. Однако выбор жанра всех удивил. Хоть сама она называет свою музыку "тропическим попом", по всем параметрам звучания и настроения музыка Холли – это регги. Если раньше певица работала в сабжанрах поп и рутс-регги, а также был один даб-лонгплей (спродюсированный небезызвестным Prince Fatty), то на Happy Hour она полностью сконцентрировалась на жанре лаверс-рок. Столь причудливым названием маркировали регги с романтичной лирикой, созданный как антипод традиционному маскулинному звучанию. "Песни о любви в расслабленном стиле" – это самое простое описание лаверс-рока. Популярность такого саунда закончилась в эпоху "корневого" регги, и оттого ещё более удивительно, что спустя почти 40 лет звание "королевы лаверс-рока" (именно так теперь именуют Кук) имеет хоть какую-то актуальность.

Альбом Happy Hour можно назвать очень женским. Темы, которые здесь поднимаются, непросто адаптировать под мужской взгляд на вещи. Лирическая героиня то сидит в кафе с пустым бокалом, ожидая того, кто никогда не придёт, то кричит о своём разбитом сердце, то выражает облегчение после закончившихся отношений, которые её морально измотали. Очень много переживаний и боли, не скрытых за пеленой метафор. Но если не придавать большого значения лирическому наполнению альбома, очевидно, что перед нами образчик хоть и слегка меланхоличного, но очень приятного и солнечного регги. Вокал Холли прекрасен, а некоторые мелодические ходы (как в песне 'Gold Girl', например) расширяют границы жанра. Бен Маккоун и Люк Олвуд, выступившие здесь продюсерами, сделали звук Happy Hour максимально разнообразным, даже кинематографичным. И без полного погружения в лирический мир лонгплея велик шанс получить максимум удовольствия от сочетания прекрасного голоса и сочных инструментальных средне-темповых инструменталов.

В случае ненасытности слушаем: Koffee — Gifted и Horace Andy — Midnight Rocker.

Mydreamfever – один из проектов анонимного южнокорейского продюсера, известного также по псевдонимам laststar и Parannoul. За последние пару лет он резко взлетел в популярности среди прогрессивных меломанов. Это неудивительно, ведь исполнителю, если верить источникам, только недавно исполнился 21 год. Если под другими именами сфера деятельности артиста чётко ограничена шумными рок-поджанрами в интервале от пост-рока до нойз-попа, то как Mydreamfever он решил экспериментировать в жанрах неоклассического нью-эйджа и эмбиэнта. Выпущенный в первый день 2022 года Rough and Beautiful Place стал вторым релизом в дискографии проекта и первым LP.

Солнечная и совсем не зимняя обложка альбома, а также авторская приписка "where we meet again" идеально описывают музыкальную составляющую. Поражает всё: и то, как мыслит этот молодой человек, и то, как легко ему даётся связывать атмосферные аудиоландшафты в гармоничном миксе, и то, как много здесь "чистого" инструментала. К стандартным для современного жанра электронным сэмплам и музыкальным отрывкам, записанным на диктофон, здесь добавляется широкий диапазон инструментов. Минималистичные струнные и клавишные не просто обрамляют основную тему, а создают свою собственную, которой вполне бы нашлось место во вселенной академического авангарда. Если это всё действительно сочинил и сыграл один человек, то ему можно гордиться собой.

В случае ненасытности слушаем: Naked Flames — Black Front Door и Nick Cave — Seven Psalms.

Факт релиза британцами SAULT пяти альбомов в один день был примечателен не только огромным количеством музыки, выпущенной фактически единовременно, но и тем, что все лонгплеи отличались друг от друга по звучанию, жанрам и духовному наполнению. При этом не стоит забывать, что группа уже выпустила один альбом ранее, в апреле. Он назывался Air, а один из пятёрки "новичков" добавил букву i в название и стал его идейным продолжением. Конечно, имеет смысл анализировать эти альбомы в связке, но если к оригинальному 45-минутному были определённые претензии в плане чрезмерной пафосности, то 25-минутный сиквел проносится мгновенно и оставляет только положительные эмоции. Продюсерскому таланту Inflo нельзя не позавидовать. Такая атмосферная и по-настоящему чистая музыка вполне могла бы стать саундтреком какой-нибудь головокружительной киноистории типа "Лоуренса Аравийского". В бедном на значительные альбомы в жанре современной классики году хочется выделить именно Inflo и его команду, хотя есть ощущение, что для SAULT это лишь разбег к новым вершинам.

В случае ненасытности слушаем: Jean-Michel Blais — aubades и Sarathy Korwar — Kalak.

Наталья Лафуркаде получила большой карьерный буст в начале 2016-го, когда её Hasta la Raíz завоевал Грэмми в урбан-категории. Довольно рано начав карьеру певицы, на тот момент она уже была звездой в родной Мексике. Успех на главной музыкальной премии одновременно и открыл путь к концертным площадкам во всех точках мира, и повысил внимание прогрессивной публики, и спровоцировал интерес к артистке среди звёзд американской музыки. Она закрепила успех многочисленными живыми выступлениями и выпуском четырёх студийников, поделённых на две концептуальные дилогии – Musas и Un canto por México. Как нетрудно догадаться из названий, оригинальных песен на этих альбомах практически не было – Наталья признавалась в любви своим кумирам и мексиканской музыкальной культуре в общем. Теперь, после эпохи коронавируса и некоторых жизненных потрясений, настал момент отразить всё пережитое за семь последних лет в личном послании. De todas las flores стал полноценным возвращением певицы к сонграйтингу, а для записи она собрала команду мечты в составе Адана Ходоровски, Марка Рибо, Себастьяна Стейнберга и Сирила Атефа.

В прошлом году Лафуркаде исполнилось 38 лет, и есть полное ощущение, что это – её магнум опус. Она никогда не выпускала слабых или непримечательных альбомов, но на De todas las flores соединилось всё лучшее из предыдущих работ. Оттого звучит он как сборник лучших хитов, а не очередной студийник. Впечатляет жанровый охват: здесь есть как традиционные аранжировки в духе камерного фолка или вокального джаза, так и внушительное присутствие самой разнообразной этники, от болеро до боссановы. Оттого некоторые песни звучат как прямой привет Омаре Портуондо с её всегда насыщенным инструменталом, а некоторые как тихие и аккуратные шедевры в стиле Норы Джонс. К потрясающему воображение инструменталу добавляется традиционно темпераментный и эмоционально широкий вокал Натальи, которая в этот раз смогла дотянуться до самых потаённых точек человеческой души. Альбом без слабых мест.

В случае ненасытности слушаем: Imarhan — Aboogi и Tim Bernardes — Mil coisas invisíveis.

После крайне успешных четырёх альбомов, уместившихся в промежуток между маем 2016-го и октябрём 2019-го, Big Thief хотели на время расслабиться в плане студийной работы, но пандемия внесла коррективы. Если некоторые группы с трудом вынесли условия невозможности давать концерты, то Ленкер и ребята сплотились ещё сильнее. Музыка группы всегда таила в себе некоторую аскетичность, игру не по правилам, а скорбные для всего мира события позволили им раскрыться на все возможные проценты. Они действительно смогли отпустить себя, и это вылилось в написание огромного количества песен. Во время многочисленных сессий было записано около 50 композиций, каждой из которых не хватало выдержки и качественного сведения. Но гулять так гулять! Вместо того, чтобы разбить материал на 4 альбома и начать "вылизывать" его до высшего качества, как было раньше, группа выбрала 20 лучших тем и выпустила разом, не доводя до блеска. Продюсером выступил барабанщик группы Джеймс Кривченья, и этот шаг стал поистине безумным. Получился один большой эксперимент длительностью в 80 минут, в котором к фолк-основе периодически подключаются американа, инди-рок и трип-хоп, лирические темы постоянно меняют друг друга, а арфа становится чуть ли не главным связующим элементом. Никто в 2022-ом не разграничил своё влияние так, как это сделали Big Thief.

В случае ненасытности слушаем: Daniel Rossen — You Belong There и Jessie Buckley & Bernard Butler — For All Our Days That Tear the Heart.

С каждым новым релизом статус Энджел Олсен неуклонно рос. За первые 11 лет карьеры она успела поработать в массе жанров. Ей оказались по нраву и фолк в его различных формах, и инди-рок, и альт-поп, а порой были даже шаги в сторону психоделики и этериала. Учитывая, что Энджел – американка, её свидание с кантри было лишь делом времени. Но кто бы знал, в каком душевном состоянии она к этому свиданию подойдёт.

Выросшая в строго традиционной семье, Олсен долго не могла принять свою любовь к женскому полу. Всех своих партнёрш она прятала от любопытных взоров. Статус лесбиянки должен был оставаться тайной скорее не для поклонников, а для родителей, реакции которых певица очень боялась. В начале 2021-го её отец сильно заболел, и именно это подтолкнуло Энджел познакомить-таки семью со своей партнёршей и во всём признаться... Но папы не стало через три дня после признания, а знакомство прошло уже на его похоронах. Через несколько недель умерла и мама Энджел. Эмоциональные потрясения, произошедшие за столь короткий период, заставили СМИ говорить о скорой паузе в её карьере, а поклонники всерьёз запереживали о моральном состоянии. Но людей в скорби нельзя просчитать. Мисс Олсен дала все ответы на альбоме Big Time.

Привычному жонглированию жанрами в этот раз Олсен предпочитает спокойствие, лишь иногда балансируя между кантри и барокко-попом. Основный же стиль здесь – американа. На Big Time есть место покаянию, монологу израненной души, но при помощи массы музыкальных инструментов артистка удерживает эмоциональный градус на нужном уровне, не переходя установленных жанром границ. Один только Джонатан Уилсон, давний друг Энджел и продюсер альбома, играет здесь на девяти разных инструментах! Плюс тринадцать сессионщиков: флейта, колокольчики, виолончель, вибрафон... Но на первом плане, как всегда, сама виновница торжества со своей акустикой. Каждая песня – как раунд в боксе, из которого Олсен всегда выходит победителем. От беспокойства поклонников не осталось и следа. Если человек способен писать такое под гнётом огромной боли, то он способен на всё.

В случае ненасытности слушаем: S.G. Goodman — Teeth Marks и The Delines — The Sea Drift.

Тем, кто совсем не в теме, кто такой Бадди Гай, можно назвать один факт – приёмчики и технику Гая когда-то взял за образец совсем молодой Джими Хендрикс, чтобы научиться играть на гитаре. Потом он, конечно, развил это всё до неприличного масштаба, став непревзойдённым гитаристом своего поколения, но и влияние Бадди забывать не стоит. А вот другой факт – Хендрикс уже более полувека даёт концерты на небесах, а Гай всё ещё здесь и даже выпускает новые альбомы. В это тяжело поверить.

Сейчас Бадди 86 лет, и он уже вроде как объявил о том, что следующий тур станет последним. Вполне возможно, что при таких условиях The Blues Don't Lie станет его финальным высказыванием. Достойным ли оно получилось? Да, да и ещё раз да. Чего можно ожидать от блюзмена в столь преклонном возрасте? Избитые стандарты, перепевки своих старинных хитов, порядком ослабевший голос и дуэты, выполненные для галочки. Милый капустник: собрались, потеребили гитары да и разошлись. Укладывается ли новый лонгплей Гая в такую концепцию? Ни по одному из пунктов.

Давний товарищ и коллега блюзмена Том Хембридж написал для альбома 12 новых песен, сам Гай написал одну, а дополнительно были записаны три кавера. И уверяю, что ни один человек, не знающий, как звучит голос Бадди, включив этот лонгплей, не сможет угадать, что исполнитель выпустил свой первый сингл примерно тогда же, когда и Элвис Пресли. Помимо классических блюзовых вещиц, с первых нот телепортирующих в чикагский бар, мы можем услышать здесь мощнейший блюз-рок, временами переходящий в хард. Гитары звучат очень сочно, аранжировки сделаны с большим умом и тактом. И каждая из приглашённых звёзд не просто подыгрывает-подпевает, а делает свой номер незабываемым. Отдельно отмечу Мэвис Стэплс – "We Go Back" записана дуэтом, совместный возраст которого 169 лет. И голос обоих в цвету. То ли ещё будет?

В случае ненасытности слушаем: Leyla Mccalla — Breaking the Thermometer и Marcus King — Young Blood.

Если бы участники Ezra Collective имели бы звёздный статус хотя бы в рамках жанра, их можно было бы назвать супергруппой. А так – просто компания ребят, иногда собирающихся вместе и играющих для себя или публики. "Тусовщики из мира джаза", как о них пишут британские СМИ. У каждого члена группы есть проекты за пределами Ezra Collective, и всё намекает на то, что эта группа никогда не станет для них первостепенной. Посмотрите, например, на обложку Where I'm Meant to Be (с большой долей вероятности отсылающей к Телониусу Монку). Крайне ограниченное пространство, на котором пятеро музыкантов собрались джемовать. Больше напоминает квартирник, а не репетиционную точку. И тем не менее эти ребята пишут отличный джаз даже с такими входящими условиями.

На своём втором альбоме квинтет рисует восхитительные аудиоландшафты, заступая на территорию как популярной, так и этно-музыки. Здесь можно явственно ощутить острое присутствие даба, регги и самбы. Бэндлидером считается барабанщик Феми Колеосо, но при прослушивании этого не ощущается – влияние всех инструментов равноправно. Приглашённые звёзды Sampa the Great, Kojey Radical, Nao и Эмели Санде добавляют альбому вистов в плане создания солнечного настроения, а отдельная вставка речи Тони Аллена, который "играет джаз по-своему", идеально описывает миссию группы и подчёркивает корни их музыки. Восхитительный фьюжн с ощутимым миротворческим вайбом. Джаз, направленный на то, чтобы делать людей счастливыми. Альбом мог стать их счастливым билетом для перехода в высшую лигу, если бы такие цели ставились изначально.

В случае ненасытности слушаем: Kokoroko — Could We Be More и Cécile McLorin Salvant — Ghost Song.

Новый альбом St. Paul & The Broken Bones вызвал у их давних поклонников лёгкую степень недоумения. Группа, которая всегда славилась солнечным настроением своей музыки и брала вдохновение у лучших образчиков сатерн-соула, выпустила довольно мрачный, чуть ли не пред-апокалиптичный лонгплей. Что стало главной причиной такого изменения? То ли переезд на новый лейбл, то ли события последних лет (предыдущий Young Sick Camellia вышел ещё до пандемии, в 2018-ом), то ли возвращение в родной город – Бирмингем, штат Алабама. То ли всё вместе. Но факт нужно зафиксировать – группа действительно сильно изменила своё звучание. К привычным психо-соуловым и ритм-н-блюзовым ритмическим конструкциям здесь добавляются утяжелённые гитары, превращающие избранные пьесы в стоунер-рок, а также сочные биты от коллеги и земляка Рэндалла Тёрнера. Альбом звучит вызывающе, креативно и сложно. Ощущение, будто в своём развитии группа перепрыгнула сразу несколько ступенек разом. Кошачий вокал Пола Джейнвея не даёт новособранному механизму распасться на молекулы, хоть и вещает о тревожных вещах. Учитывая прохладный приём альбома, очень интересно, в какую сторону группа двинется теперь. Вашему покорному слуге хотелось бы ещё больших экспериментов.

В случае ненасытности слушаем: Amber Mark — Three Dimensions Deep и Monophonics — Sage Motel.

Дензел Карри ворвался игру с вирусным синглом 'Ultimate' семь лет назад, и с тех пор его карьера сделала несколько значительных витков. Он успел примерить на себе большое количество образов различной степени безумия, и не всегда его альтер эго следовали за ним из альбома в альбом. Да, он всегда был "на своей волне", но при этом в выстроенных рэпером мини-вселенных было сложно проследить (или точно определить) намёки на окружающую нас действительность. Это не помешало Дензелу обрести массивную фан-базу и стать культовым персонажем современной индустрии, но всё же с каждым новым релизом близился момент, когда артист успокоится. Этот миг настал. На Melt My Eyez See Your Future Карри анализирует себя, своё прошлое и будущее, а также в злобно-ироничной манере даёт оценку некоторым современным веяниям.

Процесс завораживает. Конечно, Карри не может по щелчку пальцев начать писать классический бум-бэп или найти себя в соулфул-звучании, но он очень смело заступает туда, где его сложно было представить раньше. Читка, переходящая на крик, и сверх-импульсивный флоу, к которому все уже привыкли, почти не дают о себе знать. Дензел наслаждается своим спокойствием, позволяя себе делать отсылки даже к Jay-Z. Оказалось, что лирический герой по имени Дензел Карри, целиком занятый самопознанием, не менее искушён и амбициозен, чем страшный клоун из преисподней. Интересен и выбор помощников для фитов: к старым друзьям типа slowthai и Rico Nasty добавляются иконы вроде Сола Уильямса и Роберта Гласпера, годящиеся Дензелу в отцы. И результат поражает: в альбоме работает буквально всё. Если сильно постараться, сюда можно притянуть за уши образы самурая или объявить новым ликом героя спагетти-вестерна из клипа 'Walkin', но суть останется той же – рэпер оказался более чем конкурентоспособен как обычный человек, рассказывающий свои истории.

В случае ненасытности слушаем: Loyle Carner — Hugo и Che Noir — Food for Thought.

Год получился удивительным для электронной музыкальной культуры. Из чистой электроники (оставляя за рамками глитч-поп от Jockstrap, ставший фаворитом критиков) никто особо не выделился. Можно отметить death's dynamic shroud, записавших свои самые осмысленные и легкодоступные альбомы, но всё же до моего топ-3 не дотянулся ни один из них. В ровном по эмоциям году нашёлся непредсказуемый и неоднозначный фаворит – бейс-хаус дуэт из Нидерландов.

Я давний и большой поклонник бейс-музыки (драм-н-бейс, электро-хаус, бростеп, трэп, джангл-террор, вот это вот всё), но против факта многолетней стагнации этого пласта электроники аргументов практически нет. Включаешь очередной лонгплей и устаёшь треку к третьему, поскольку жёвано-пережёванно всё давным-давно. Обильное поглощение как полноформатных, так и мелких релизов (зачастую как саундтрек к тренировкам) уже не приносит радости, как десять лет назад. И в этом плане альбом Moksi порвал. Ни одного проходного трека и общая безумно-игривая атмосфера, просто вау. Попало в сердце с первого же прослушивания, а со второго, более осмысленного, там прописалось. По меркам жанра это выдающаяся работа, но допускаю, что с прожжённым меломанским ухом такой корреляции не произойдёт.

В случае ненасытности слушаем: Daniel Avery — Ultra Truth и Ryoji Ikeda — Ultratronics.

Лейви Лин Йонсдоттир появилась на свет в Лос-Анджелесе 23 апреля 1999 года в семье мамы-скрипачки из Китая и отца-джазмена из Исландии. Стоит ли удивляться, что музыкальные издательства уже сейчас называют её мультиинструменталисткой? Интересуясь музыкой с самых ранних лет, она научилась и играть на нескольких инструментах, и петь. Без помощи продюсеров, как и многие, американка начала карьеру с лёгкого бедрум-попа, но постепенно осознала, что в этом мире для неё есть особенная миссия: взять лучшее от классики, вокального джаза и попа и объединить это в своём творчестве.

Очарованная женщинами с практически крайних точек развития американской музыки – Эллой Фицджеральд и Билли Айлиш – певица быстро поняла, что для ускорения карьеры необходимо пользоваться всей имеющейся базой знаний, а не просто наигрывать песенки под гитару в комнате. Не то чтобы жанр джаз-попа сейчас был как-то сильно востребован, но вот что точно в тренде, так это музыкальная эклектика. И чем легче и увереннее у тебя получится совместить разные жанры в рамках одного релиза, тем быстрее гики и критики проявят заинтересованность. Дебютный EP вышел весной 2021-го и был принят довольно тепло, но имел очевидные проблемы с миксом и излишней стилизацией под ретро. К написанию лонгплея Лейви подходила уже с холодной головой и не допустила ни единой ошибки.

Можно сколько угодно рассыпаться в сравнениях и говорить о том, что классические джаз-дивы были бы рады такому наследию, но важно понять, что Лейви действительно уникальна в своих взглядах на современный джаз. Everything I Know about Love – хрупкий, интимный, невероятно воздушный и кинематографичный альбом. Каждая песня на нём как миниатюра/короткометражка, а всё вместе действительно складывается в концепцию, обозначенную в названии. Любовь к мужчинам – да, но Лейви любит и луч солнца, просачивающийся сквозь аккуратную щелку между шторами, и как кусочек масла тает на только что поджаренном тосте. Чистота и невинность этих историй просто покоряет, желание кого-нибудь обнять или просто закутаться в плед резко повышается с первой же песни.

Вы вряд ли подумаете, что это поп-альбом, потому что композиционные рисунки здесь сложнее, чем в стандартном попе. Вы будете улыбаться и умиляться, когда Лейви будет вставлять короткие вставки классики и боссановы. И вы определённо подумаете, что может наш мир и не обречён, если в нём пишется такая музыка. Волшебный лонгплей, пропитанный как чувством ностальгии, так и счастьем от нахождения здесь и сейчас.

В случае ненасытности слушаем: Beach House — Once Twice Melody и Sobs — Air Guitar.

В год, когда Анна фон Хауссвольф, Челси Вулф и Lingua Ignota решили передохнуть в плане выпуска новых студийных работ, их коллега Алекс Уильямс обрушила на мир альбом столь разрушительной силы, что так и хочется сказать – постаралась и за себя, и за того парня. История певицы удивительна. Она без стеснения признаётся, что ещё несколько лет назад не умела играть на гитаре (освоила только виолончель и фортепиано), и вообще её медийная деятельность до сих пор минимизирована. Нет странички на английской Вики – показатель. При этом с первого же релиза внимание к её персоне со стороны критиков оказалось повышенным. Казалось, что певица вполне вольготно устроилась на территории пост-рока/дрим-попа/камерного фолка с гнетущей атмосферой, но на As the Moon Rests нам представляется образ истинной метал-дивы. Более часа холодного пост-метала с ощутимым уклоном в готику и дум – это просто невероятно слышать от женщины, что ещё лет пять назад вообще не интересовалась тяжёлым звучанием. Альбом радует и мелодическими решениями, и риффами, и общей структурой, и выбранной концепцией, а вокал Уильямс будто рождён для того, чтобы в куплетах звучать успокаивающе, а в энергетических пиках композиций взрываться всей своей мощью. Двух мнений быть не может – в поле атмосферного метала появилась новая боевая единица.

В случае ненасытности слушаем: An Abstract Illusion — Woe и Sylvaine — Nova.

Учитывая, что проблематично найти хотя бы одну профессиональную рецензию на Suave pendiente на английском языке (о русском даже речи не идёт), до статуса прим Niños del Cerro (в переводе – дети холма) ещё очень далеко. Но на своей странице Bandcamp они говорят о себе как об одном из самых значимых инди-актов на современной латиноамериканской сцене, и у меня нет причин им не верить. Музыка группы представляет собой сочное и нежное переплетение мягких поджанров современной рок-культуры – неопсиходелия, инди-рок и дрим-поп. Звучание гитар настолько мягкое, что мысленно хочется поскорее растянуться на гамаке с бокальчиком "Космополитена". Очевидно влияние другого большого творца с того же материка – Густаво Серати. В своё время он успел поработать во всех возможных сабжанрах лёгкого рока, а ребята точно стремятся к такому статусу. За англоязычными примерами тоже далеко ходить не надо – Tame Impala вполне могли бы играть такую музыку, если б не напирали на эффекты. Всё же звук Niños del Cerro куда более "чистый".

Но не стоит думать, что чилийцы эдакие отличники, мальчишки в глаженных рубашках. Suave pendiente идёт 68 минут, и группа пользуется внушительным хронометражом на все сто. Хоть основа здесь меланхоличная и легковесная, скучать не придётся. Ребята то и дело заступают на территорию других жанров – шугейз, фолк, пост-рок, а иногда даже и нойз! Вокалист то остаётся наедине со своей гитарой, то его настолько топят в миксе за нагромождением инструментария, что драматургическая картина рассказываемой истории вырисовывается сама собой. Niños del Cerro не дают забыть свои корни, потому что ударные на альбоме звучат совсем не так, как у американцев. Складывается ощущение, что тут для каждого трека была задействована своя барабанная установка: иногда более классическая, а иногда достаточно одного барабана, отбиваемого руками. Также есть место электронным фишкам, служащим классическим "усилителем вкуса". Перебора с эффектами нет, всё в угоду мелодичности. Все песни на испанском, но чувственность исполнения на таком уровне, что всё понятно без слов.

В случае ненасытности слушаем: Hatchie — Giving the World Away и sonhos tomam conta — Maladaptive Daydreaming.

~~~

Мой Телеграм-канал: ссылка.
Пишу не только о новой музыке, если что.