ВНЕ ЖАНРА. ВЛОГ #4. " ИСТОРИЯ РАННЕГО СИНТИ-ПОПА"

Наш уютный телеграмм канал "ВНЕ ЖАНРА"

В начале 1980-х годов синти-поп стал крупным феноменом в музыкальном мире. Он возник в результате слияния электронной и поп-музыки, приобретая уникальное звучание и узнаваемый стиль. Синтезаторы, ранее использовавшиеся главным образом в электронной музыке, стали центральным элементом синти-попа, добавляя в его звучание футуристическую эстетику и новаторство. Одним из ведущих пионеров синти-попа была группа Kraftwerk. Их альбомы, такие как «Autobahn« (1974) и »Trans-Europe Express» (1977), сразу же стали вехами в истории синтезаторной музыки.

Композиции Kraftwerk, исполненные с использованием электронных инструментов и пронизанные техноидно-роботичным звучанием, положили основу для будущего развития жанра. В первых нескольких абзацах мы рассмотрим поверхностную информацию. Поиграем локальную Википедию. А чуть дальше постараемся копнуть глубже и понять: почему когда мы слышим словосочетание синти-поп наши мозг не рисует нам образы попсовой сцены, а слышим мы что-то более глубокое, музыку которая смогла раздвинуть рамки эстрады того времени.

=================================================================

В середине 1970-х годов появление синтезатора Yamaha CS-80 привлекло внимание многих музыкантов. Этот инновационный инструмент разбудил фантазию музыкантов и позволил им создавать более сложные, многослойные аранжировки. Этот синтезатор использовали такие артисты, как David Bowie, Gary Numan и Ultravox, что помогло сформировать звучание раннего синти-попа.

Данный инструмент был основой всего. По этому стоит уделить немного внимания, то что помогало в развитию жанра

Несколько известных моделей благодаря которым я сегодня могу писать этот текст.

Moog Minimoog: Это один из самых известных и влиятельных синтезаторов в истории. Его теплый и насыщенный звук сделал его популярным среди многих музыкантов, включая группы Depeche Mode и Kraftwerk.

Roland Jupiter-8: Этот синтезатор был широко использован в ранней синти-поп музыке благодаря своим мощным звуковым возможностям и способности создавать богатые аналоговые текстуры. Группа Duran Duran использовала его во многих своих хитах.

Yamaha DX7: Этот синтезатор был первым массовым цифровым синтезатором и стал особенно популярным в 80-х годах. Он имел яркий и четкий звук, который можно услышать в многих хитах того времени, включая песни A-ha и Whitney Houston.

Oberheim OB-X: Это еще один классический аналоговый синтезатор, который получил широкое признание в ранней синти-поп музыке. Его богатый и динамичный звук был популярным среди группы Pet Shop Boys и Howard Jones.

Korg Polysix: Этот синтезатор представлял собой полифонический аналоговый синтезатор с встроенным аналоговым секвенсором. Он был популярным среди многих синти-поп групп, включая Soft Cell и Devo.

=================================================================

Настоящий прорыв синти-попа произошел с появлением группы Depeche Mode. Их альбомы «Speak & Spell« (1981) и »A Broken Frame» (1982) принесли им мировую известность и установили новые стандарты в жанре. Сочетание синтезаторов, танцевальных ритмов и эмоциональных текстов песен стало их фирменным стилем и вдохновило множество групп, следующих за ними.

С интенсивным развитием технологий и доступностью синтезаторов, синти-поп распространился по всему миру, сформировав собственные сцены и поджанры. Группы, такие как Pet Shop Boys, New Order и Human League, продолжили развивать звучание синтетической поп-музыки, добавляя в него элементы индустриальной электроники, диско и постпанка.

Жанр привносил не только новое звучание на популярную сцену. Он развивал смысловую нагрузку песен. Темы затронутые артистами стали более глубокими, а те что касались извечных проблем в отношении и любви имели новый стилистический оттенок которые не был похож на то что мы слышали раньше

Технологии и будущее. Многие песни обращались к теме технологического прогресса и его влияния на общество. Они часто выражали футуристическую эстетику и идеи о возможностях, которые предлагают машины и компьютеры. Тексты часто звучали похоже на научно-фантастические рассказы, создавая ощущение новой эпохи и возможностей. Kraftwerk — «The Robots" ("Die Roboter») — эта песня рассказывает о том, как роботы могут заменить людей в различных сферах жизни и вызывает вопросы о будущем технологии и искусственного интеллекта

Романтика и человеческие отношения. Вслед за технологической темой, синти-поп также перекликался с темой человеческих отношений. Песни погружались в тему любви, одиночества, общения и разочарования. Отношения между людьми и их эмоциональный мир оставались важными темами, несмотря на футуристические образы. The Human League — «Don’t You Want Me»: Эта песня повествует о разрушительном разводе между двумя людьми и неразделенной любви. Она поднимает тему сложности и несовместимости человеческих отношений.

Социальная критика. Некоторые тексты синти-попа коснулись социальных проблем и неравенства в обществе. The Human League, поднимали вопросы о стереотипах пола и ролей в отношениях, а также о манипуляции и контроле в обществе. Тексты часто вызывали размышления о повседневных проблемах и вызывали сочувствие к людям, столкнувшимся с ними. Depeche Mode — «Enjoy the Silence»: Эта песня отражает желание уйти от шумного и беспокойного мира и найти уединение и покой. Она играет на теме одиночества и поиска внутреннего покоя.

Некоторые тексты были весьма абстрактными и экспериментальными. Они играли с языком и образами, создавая зыбкую, загадочную и многозначную атмосферу. Яркий пример Orchestral Manoeuvres in the Dark — «Enola Gay», песня, названная в честь бомбардировщика, проливает свет на историческую тему. Она критически относится к атомной бомбе и войне, вызывая рефлексию о последствиях человеческой технологии.

Ранний синти-поп часто описывают как «жуткий, безжизненный и слегка угрожающий» жанр, использующий застывшие электронные звуки с минимальными изменениями в интонациях. Распространенными темами в текстах песен были изоляция, урбанистическая аномия и ощущения эмоциональной холодности и пустоты

В конце 1970-х и начале 1980-х годов в европейской роке и поп-музыке сформировалась преимущественно немецко-английская сеть музыкантов, представляющую собой воображаемый мир транснациональной музыкальной активности, основанный на исследовании новых электронных синтезированных звуков и возрождении гитарной англо-американской рок-музыки. Традиционные критерии музыкальности казались второстепенными в попытках переделать звучание рока. Эта музыка перешла границы и размыла линию между “отсталым” роком и модным попом и диско.

Становится все более ясным, что 1979-80 годы стали переломным моментом – временем, когда целый мир (социал-демократический и индустриальный) устарел, а очертания нового мира (неолиберального, потребительского, информационного) начали проявляться. Для людей того времени этот переход не казался столь ярко выраженным. Однако если мы сейчас начнем погружаться в историю того перехода, для нас это будет более выражено через призму времени.

Но есть конечно главный вопрос: как сама музыка претерпела трансформацию, и как стилистические изменения посредством использования художниками технологий были привнесены в жанр? Самое простое сравнение это наверное как кино переделало искусство в начале 20-го века, так “электронная музыка” трансформировала музыку 60-х.

Электронная музыка занимает сложное место в этом процессе формирования нового мира. Ее расширение за последние 50 лет является следствием компьютеризации и оцифровки нашего мира. Начиная с Sony Walkman и продолжаясь в облачном хранении мы стали свидетелями взрывного роста потребления и проникновения музыки во все более широкие сферы нашей жизни.

С другой стороны, электронная музыка всегда была связана с чем то таинственным и пугающим. В послевоенные годы электронные звуки использовались для изображения призраков или инопланетян (заметно во многих фильмах категории Б). Знаменитая музыка из сериала «Доктор Кто«, написанная Делией Дербишир, стала вехой в развитии “пугающей”электроники и находит свое отражение в более поздних произведениях, таких как John Foxx »Burning car»

Ранний британский синти-поп процветал на этих противоречиях. С одной стороны, он использовал новейшие технологии и изобретал стиль, который уже к 1981 году стал очень модным. Это прокладывало путь для более легких форм электронной поп-музыки, которые стали основой для последующих 80-х годов. С другой стороны, они использовали звук этих новых инструментов, чтобы создать песни о чувстве угрозы и тревоги в обществе.

Электронная музыка выросла за последние пять десятилетий. В начале 70-х она была маргинальной, в основном занимала определенные ниши, такие как музыкальные консерватории, радио, телевидение и кино. В поп-музыке она либо имела ценность новизны, либо использовалась для “украшения” музыки, которая основывалась на не электронных инструментах — как например использование Дэвидом Боуи меллотрона на песне «Space Oddity».

Поздние 70-е годы стали периодом популярного прорыва. В Европе, Японии и США новые группы начали производить популярную электронную музыку, где аналоговые синтезаторы и драм-машины были основой в создании целых композиций

В эпоху панка появилось ощущение того «монополия” рока пришла в тупик. Синтезатор представлял собой «новое”, и музыка, создаваемая на синтезаторах, выделяла кризис который начался в музыкальной среде повсюду. Проще говоря электронная музыка четко показала что »рок-н-ролл” действительно если не мертв, то остается на плаву из последних сил. Синтезатор был в роли оркестра в коробке, предоставляя возможность молодым музыкантам воплотить свои фантазии при этом обладая »ограниченным” ресурсом.

В США электронная музыка должна рассматриваться в контексте доминирующей формы популярной музыки над роком. Мы можем проследить таймлайн от раннего использования синтезаторов Стиви Уандером и Херби Хэнкоком до раннего электро-техно 80-х годов и затем хип-хопа. Музыканты в США также осознали потенциал сэмплирования раньше других стран и использовали его для развития электронного жанра в новый международный стиль — это видно в треке «Planet Rock» Afrika Bambaataa, в котором использовались сэмплы Крафтверк и влияние Гэри Ньюмана.

Синтезаторы также нашли применение в панк-сцене США с группами, такими как Suicide. В отличие от своих коллег из Великобритании, которые придерживались более традиционного музыкального состава, Suicide возникли в экспериментальной сцене Нью-Йорка, которая была более связана с визуальным искусством и видела «панк» свойства синтезаторов для создания их “шок” контента

=================================================================

Немецкая электронная музыка возникла напрямую из контркультуры 60-х годов. ГруппыKraftwerkиTangerine Dreamначинали свою карьеру в студенческих коммунах. Их музыка была важной частью молодежного движения. Их музыка была полным противопоставлением тому к чему привыкла Германия в военные и послевоенные годы. В результате к середине 70-х годов немецкие группы разработали основные стилистические особенности всей последующей электронной поп-музыки. Дюссельдорфе группы, такие какNeu!, La DüsseldorfиKraftwerk, создали своеобразный синкопированный ритм, названныйMotorik. Это основательныц ритм в соотношении 2:2, который исполняется на высокой скорости с некоторыми временными задержками, чтобы имитировать движение автомобилей, поездов и других механических транспортных средств. Берлинская сцена пошла по другому пути, изобретая Космическую музыку. Альбом «Phaedra» (1974) группы Tangerine Dream, пожалуй, наиболее известный пример этого стиля, создавал длинные инструментальные композиции, которые подчеркивали окружающие и тембральные свойства электронного звука, а не его механические свойства.

Британский синти-поп был отличительным за счет сочетания механических ритмов и интереса к драм машинам вместе с использованием синтезаторов для создания атмосферных звуков.

Ситуация в Японии напоминала Германию. В 60-х годах наблюдался подъем молодежного активизма, направленного против схожих поствоенных отрицаний и культурной капитуляции перед США. Синтезаторы дали возможность группам, таким как Yellow Magic Orchestra (YMO), присоединиться к звучанию и идеям Kraftwerk в сопротивлении влиянию «штатов», но они охватили более широкий спектр, используя более яркую и эмоциональную мелодическую палитру. Главная ирония заключается в том, что расширение электронной музыки в значительной степени осуществлялось японскими корпорациями, такими как Yamaha, которые массово производили более доступные модули по сравнению с ранними американскими производителями синтезаторов, такими как Moog.

========================================================

Одной из самых ярких особенностей британского синти-попа является его увлечение автомобильными авариями, бетонными структурами и общими фантазиями о нео-бруталистской архитектуре в период, когда послевоенный модернизм был в кризисе, а постмодернизм находился в подъеме.

"Down in the park where the Machmen

meet the machines and play kill by numbers

down in the park with a friend called five.

I was in a car crash or was it the war

well I’ve never been quite the same."

Tubeway Army, Down in the Park (Replicas, 1979)

Автомобильная авария выступала в качестве символического знака глубокой личной связи с машинами в период, когда коллективное чувство надежды на машины и их способность преобразить жизнь было в кризисе.

К концу 1970-х годов эти беспокойства стали культурным парадигмой. В кинематографе научно-фантастические фильмы, такие как "Молчаливый бег", "THX 1138", "Бегущий по лезвию", "Роллербол" основывались на парадигме механизированного мира как тюрьмы, из которой человеку нужно сбежать, так как эта среда враждебна к нему

В литературе книги Балларда и Филипа К. Дика освещают фантазии, желания и потребности, возникающие в результате интеграции машин в быт простых людей. Дик исследует границу между человеком и машиной. Главный вопрос: что остается человеческим, а что становится машиной ("Мечтают ли андроиды об электроовцах?"). В "Убике" мы получаем предчувствие цифровой тоталитарности, где машины захватывают наше жизненное пространство, например в виде говорящих дверей, которые требуют платежа перед открытием.

В "Бетонном острове" Балларда эта тревога человека, где главный герой оказывается запертым на острове, когда его автомобиль съезжает с бетонной эстакады, запертый между автострадами, он борется за свое освобождение

Все эти страхи переживания быстро находят отклики в жанре. Даже изменения политики застроек и архитектуры находит отзыв в творчестве.

Вместо отвержения новых проектов, они заняли двусмысленную позицию. Футуристические цели современной архитектуры и строительства дорог были воплощены в музыку посредством усиления чувства изоляции.

John Foxx. Как студент дизайнер, он изучал передовые движения начала 20-го века, и мы можем видеть, как его альбом "Metamaric" является данью этим движениям. Тексты к открывающему треку "Plaza" создают связь между обещанием современного пространства и реальностью форм, дизайнерской катастрофы.

Гэри Ньюман и Human League также сосредоточились на механизации жизни. Ньюман принимал образ андроида на сцене, олицетворяя пересечение человека и машины. Human League обнажили черты общества, которое было изменено машинами, используя пародию и иронию создавая тем самым дискомфорт в своих образах. Именно этот эпатаж был заимствован в панке.

"Так вот мы идем в студию, чтобы записать наш дебютный альбом, и в углу комнаты стоял Minimoog. Я никогда раньше не видел такого. Я довольно увлечен техникой, поэтому меня завораживало это устройство. Я не знал, как его настроить, поэтому я просто нажал на клавишу, чтобы услышать его звук, который стал известным звуком Moog, этим глубоким рычанием, и комната задрожала. Это было самое мощное ощущение. Это было как землетрясение, и я просто полюбил его. И прежде чем группа даже успела закончить установку оборудования, я уже погрузился в работу над изменением наших песен в псевдо-электронные."

Одно из интервью Гэри Ньюмана.

1970-е и начало 1980-х годов ознаменовали переход от аналоговых к цифровым технологиям. В течение 1970-х годов возникло явление, связанное с миниатюризацией, вызванное конкуренцией между США, Германией и Японией. За очень короткий период новые технологии преобразили производство и потребление, техника стала более персонализирована: видеомагнитофоны, фотоаппараты Polaroid, плееры Walkman, радио магнитолы, персональные компьютеры, игровые автоматы и беспроводные телефоны. Все это перестало ассоциироваться с коммерческой техникой, а стало плотно проникать в наши дома и карманы. И все это толкало прогресс к следующему шагу: оцифровке. Главной революцией было уменьшение размеров магнитной ленты. Магнитные ленты, разработанные в середине 20-го века, требовали громоздкого оборудования. С ее уменьшением стало возможным уместить фильм на видеокассету и слушать музыку с помощью кассет, которые можно было поместить в карман.

Все это также начало отображаться на Британской синти-поп сцене. Камера Polaroid находила отражение в названиях альбомов и текстах японских групп, а также использовалась в качестве шаблона для оформления обложек (например, обложка альбома "Systems of Romance" группы Ultravox, 1978 года).

С 1980 года в британском синти-попе и смежных группах, таких как Visage, начали активно использовать видеоклипы для интеграции звука через изображения, в то время такие группы как например Human League, открыто выступали с магнитофонами, демонстрируя, что является живым исполнением, а что заранее записанным

На обложке альбома "Art of Parties" группы Japan 1981 года Дэвид Сильвиан позирует с портативным плеером Sony Walkman, в то время как Heaven 17 (отделившись от Human League) используют беспроводные телефоны в своих вымышленных изображениях лондонской фондовой биржи на обложке альбома "Penthouse and Pavement" (1981)

Нигде влияние технологий не было столь значительным как в музыке, синтезатор превратил музыку в продукт прогресса, стерев связи между звуком и инструментами.

До появления электроники, музыка ассоциировалась с акустическими инструментами, звуки рождались из материала и конструкции или способах игры на инструменте. Духовые и струнные инструменты были визитной карточкой классического оркестра, а различие между щипковым и смычковым звуком показывало, как звук зависит от способа его извлечения. Электронная музыка разрушила эти взаимосвязи.

В послевоенный период были попытки создания электронной музыки, в основном через манипуляцию магнитными лентами. Эта музыка оставалась маргинальной так как технологии того времени не позволяли извлечь широкий спектр звуков. Эту проблему решил в 1960-х годах Роберту Мугу, который связал звуковой процессор с клавиатурой. Таким образом, он создал возможность исполнять синтетический звук с использованием темперированной системы. К концу 1970-х годов появились первые относительно дешевые модели синтезаторов.

В то время, когда молодые артисты открыли для себя синтезаторы, знакомство с новым способом создания звука полностью отличным от привычного, придало музыке ощущение "футуризма", аналогичное футуризму раннего 20-го века. Звук первых аналоговых синтезаторов нельзя спутать не с чем, характерные тембры, глухой барабанный стук, изящное струнное звучание - все это теперь стало символом той эпохи. Они звучали чуждо для обычного слушателя, особенно для тех у кого музицирование было связано с акустическими инструментами. Технология в то время была "грубой", и именно эти качества выделяют раннюю британскую синти-поп сцену.

Для своего первого преимущественно электронного альбома "The Pleasure Principle" (1979) Гэри Ньюман разработал сильно ограниченную палитру звуков. Это был глубокий гудящий базовый звук. Он использовал этот звук в начале песен "Films" и "Cars", где он плавно входит, создавая зловещую атмосферу. Во-вторых, это были его характерные струнные звуки, которым он использовал для создания разреженных и торжественных мелодий. В "Cars" он поддерживает этот звук на одной ноте до 20 секунд, а в "Films" использует его сильный эффект. Это был максимально минималистичный звук! Далее перкуссии - резкий и неустойчивый звук и с медленным затуханием и быстрым окончанием. Как будто кто-то бросил штангу на пол в пустом зале.

Опять же, это широко использовалось Джоном Фоксом в "Metamatic" и позднее сэмплировалось Depeche Mode в их период 1983-1987 и с тех пор стало неотъемлемым для индастриал-музыки и электронной танцевальной музыки.

Human League имели более широкую звуковую палитру. В их ранних демо-записях (неопубликованных до 2002 года) и первых двух альбомах они концентрировались на создании звуков, которые жужжат и отличаются особой грубостью. "A Bird and Baby", звук грубый, но при этом полон электричества. В большой степени ударные инструменты исполняются на синтезаторах, а не на драм машине (это изменится кардинально в их альбоме 1981 года "Dare"). Это придает перкуссии более широкое звуковое разнообразие, чем обычно бывает у электронной барабанной партии.

Звуковая палитра в альбоме "Metamatic" Джона Фокса представляла собой следующую стадию сложности. Он использовал те же базовые звуки, что и Гэри Ньюман, но с большей тонкостью и изменениями между треками. что было показателем более глубокой работы с синтезатором. Он также использовал подобное разнообразие перкуссионных звуков, производимых на синтезаторах, как Human League, но дополнительно он черпал вдохновение из эмбиента созданного Tangerine Dream и Brian Eno. Знаковым отличием был созданным Фоксом “длинный волновидный звук, производимый синусоидой с низкой атакой, но очень высоким поддержанием”. Он играл его на одну октаву ниже звука струн Ньюмана. В отличие от последнего, у него есть более успокаивающее и релаксирующее качество, которое он использовал с большим эффектом в "Touch and Go", дополняя его утопическими модернистскими текстами дополняя тем самым основу ритм-секции Motorik.

Синтезаторы могут создавать звуковые атмосферы, которые внушают ощущение ужаса . Их способность производить неестественные, мистические и пронзительные звуки может вызывать чувство неприятной реальности. Звуки, особенно те, которые приподнимаются с низов или имеют необычный тембр, могут создавать ощущение загадочности и запутанности. Ужас неотделим от ощущения внешнего - то, что выходит за границы привычного и знакомого. Такие пространства, где человеческое присутствие отсутствует частично или полностью.

“Ужас в основном связано с внешней средой... Чувство ужасного редко охватывает закрытые и заселенные домашние пространства: мы чаще встречаем его в пейзажах, частично освобожденных от присутствия людей. Что произошло, чтобы привести к этим руинам, этому исчезновению? Какая сущность была вовлечена? Какое это было создание, издавшее такой ужасный крик?... Ужасное неразрывно связано с вопросами субъектности... Они также применимы к силам, управляющим капиталистическим обществом.”

Марк Фишер (2016)

“Когда я впервые приехал в Лондон, он казался очень похожим на Ланкашир, откуда я приехал. Но Ланкашир уже был разорен. Заводы закрылись, экономика начала сдавать позиции. Мы чувствовали себя словно инки после прохода испанцев. Беззащитными, дикарями, бродящими по руинам. Я вырос, играя в пустых фабриках, в огромных местах, поглощенных растительностью. Я помню деревья, вырастающие из зданий, я помню смотря на все это и задавался вопросом, каким это было, когда все работало. Вся моя семья работала на фабриках и в шахтах. И все это медленно уходило в небытие"

Марк Фишер (2014)

Listening to the music that the night makes,

I felt the floor change into an ocean

We’ll never leave here never

We’ll stay in here forever

And when the streets are quiet

We’ll walk out in the silence.

Ultravox, Just for a Moment (Systems of Romance, 1978)

Для ранних британских исполнителей синти-попа ужас стал выражением их отчужденности от Великобритании. Эти музыканты не чувствуют себя как дома у себя родине. Часто они сосредотачиваются на внешних пространствах - городах, автомагистралях, зданиях. Когда они оказываются внутри зданий, часто они изображают себя в одиночестве, стоя в пустой комнате или смотрящими на экран, словно их преследует что-то снаружи и что-то что мы не можем увидеть.

Standing in the dark

Watching you glow

Lifting a receiver Its nobody

I know

John Foxx, Underpass (Metamatic, 1980)

When the room is quiet

The daylight almost goneI feel there’s something I should know

Well I ought to leave but

The rain it never stops.

Japan, Ghosts (Tin Drum, 1981)

========================================================

Here I am European son

Sometimes a passenger

European son

Japan, European Son (1979)

Уже в 1975 году песня "Autobahn" группы Kraftwerk поднялась на 11-е место в британском чарте синглов, а примерно в то же время альбом Tangerine Dream "Phaedra" попал на 15-ую строчку в чарте.

Вангелис и японский композитор Томита также выпустили электронные альбомы, которые пользовались спросом в 1970-х годах. Один из наиболее известных и успешных альбомов Вангелис - "Heaven and Hell" (1975), показывает его мастерство в создании эмоциональных и величественных композиций. Еще одним значимым альбомом является "Albedo 0.39" (1976), который отличается глубокой атмосферой и экспериментами с различными электронными звуками.

У Tomita также было несколько важных электронных альбомов в 1970-х годах. Его самый известный альбом - "Snowflakes Are Dancing" (1974), в котором он переосмыслил музыку Клода Дебюсси, используя электронную аранжировку и звуки синтезаторов. Вторым заметным альбомом является "The Bermuda Triangle" (1978), в котором Tomita создал атмосферу таинственности и загадочности, вдохновленную известным феноменом Бермудского треугольника.

После расставания с группой Roxy Music, Брайан Ино провел много времени в Германии. Он установил контакт с продюсером Конни Планком и сотрудничал с немецкой группой Cluster. Известно, что он затем работал с Боуи над альбомами периода Берлина, что существенно приблизило связь между европейскими музыкальными традициями и синтезаторами.

Альбомы Дэвида Боуи, записанные в период его пребывания в Берлине, имеют особое значение и пользуются большой популярностью. Совместно с Брайаном Ино, а также с продюсером Тони Висконти, Боуи выпустил иконическиt альбомы: "Low" (1977), "Heroes" (1977)

Альбом "Low" отличается экспериментальным звучанием и включает в себя как электронные, так и инструментальные композиции. "Heroes" также является инновационным альбомом с использованием новаторских техник, включая синтезаторы и гитарные эффекты. "Lodger" закрывает этот период с более эклектичным звучанием, объединяющим различные жанры и экспериментальные элементы

Альбомы периода Берлина Боуи приобрели статус культовых, они повлияли на многих музыкантов и стали важным вехой в истории музыки. Некоторые из их наиболее известных треков, включая "Heroes" и "Sound and Vision", по сей день остаются классикой.

Во время работы над альбомом Боуи, Эно также сотрудничал с новой группой Ultravox, а Конни Планк в свою очередь продюсировал несколько их альбомов. В 1981 году вторым по продажам синглом был "Vienna" группы Ultravox. В случае с “Japan”, помимо названия группы, мы можем увидеть это и в названиях их песен: A Foreign Place; Life in Tokyo; European Son; Canton; Cantonese Boy; Visions of China; Suburban Berlin; Taking Islands in Africa; Rhodesia; Communist China. Увлеченность группы фотоаппаратами Polaroid передавала ощущение, что они являются туристами, вдали от дома, и многие из их песен передавали атмосферу, что каждая их песня это фотоснимок, кусочек их памяти. История их жизни.

Ultravox, до ухода Джона Фокса и во время работы с Миджем Юром, а также на альбоме "The Garden" Джона Фокса, выпущенном в 1981 году, играли с европейской эстетикой - выходя за рамки немецкой синт-музыки, объединяя в себе неоклассику и классические музыкальные мотивы. Обложка альбома "Systems of Romance" из 1978 года показывает кадры в стиле полароидных снимков европейских достопримечательностей.

Воображаемые "чужие места" Гэри Ньюмэна в основном возникали благодаря его научно-фантастическим мирам бунтующих машин, который он создавал избетонных эстакады и пригорода около аэропорта Хитроу. Миры “созданные” Японией и Ультравокс были желанными, воображаемые миры Ньюмэна были мирами которые не несли ничего кроме угрозы. Из этого выходила две тематики: утопия и отрицание происходящего.

Отрицания дополняла панк тематику, показывая, что то, что мы считаем существующим, на самом деле отсутствует. Другие группы, существующие в то же время, такие как Joy Division, акцентировали свое творчество на депрессии распространяющейся по городам. Независимо от стиля, тематика отрицания была популярна в те годы в Британии, но синти-поп своим звучанием и новизной, выводил эти темы в более широкие массы

========================================================

Синти-поп развивался на протяжении четырех фаз: расцвет (1977-1979), прорыв (1979-1980), доминирование (1981-1982) и упадок (после 1982 года).

1977-1979

В этот период стиль только формировался. Би-сайды Боуи к альбомам "Low" и "Heroes" принадлежали к этому периоду, в то время как группы, такие как Ultravox, Tubeway Army и Japan, все еще опиралась на гитары и только начинали заменять их синтезаторами.

Группа Human League того периода стала первой полностью электронной группой. Более чем у других групп их демки 1977 года (впервые выпущенные только в 2002 году) и первые альбомы "Reproduction" (1978) и "Travelogue" (1980) пошли самым дальним путем исследования электронной поп-музыки, но даже так они сумели в выйти из рядов авангарда. Хотя "Travelogue" относился уже к следующему периоду, стилистически он оставался еще в прошлом. Особенно это проявлялось в песне "The Black Hit of Space", которая иронично предсказывает подъем и падение их собственной музыки. Вся композиция является отсылкой к пластинке с футуристической обложкой и ее деструктивном влиянии на музыкальный мир. Футуристические звуки возникали и затихали, дрожащий синтезаторный бас в миноре, ,медленный механическим ритм барабанов, создавал тьму, противопоставленную ироническому тону текста песни. Слушатель оказывается перед когнитивным диссонансом – "очень серьезная музыка" и текст, который смеется над самой музыкой, которую она создает.

Так же мы забыли упомянуть группу The Normal, у них был один уникальный сингл. Он был создан Даниэлем Миллером, основателем лейбла Mute Records. В 1978 году он выпустил сингл - "TVOD" и "Warm Letherette". В этих композициях сочетается городская тревога с чистым "Motorik"-ритмом, который конкурировал с Kraftwerk. В то время ни одна другая запись не демонстрировала полный потенциал синтезаторов в пост-панке.

1979-80

Прорыв произошел с выходом “Are Friends Electric?” группы Tubeway Army. Эта песня стала первой песней Tubeway Army, попавшей в чарты и занимавшей первое место целый месяц. Она отметила переход Нюмана от панк-звучания к своему собственному варианту синти-рока.

В тот период Джон Фокс покинул Ultravox и записал свой первый сольный альбом Metamatic. Выпущенный в январе 1980 года, вместе с синглами Underpass и No-one Driving. Этот альбом стал высшей точкой развития нового стиля и остается наиболее четким и полным выражением всех его тенденций.

1981

К 1981 году синт-поп стал доминирующим стилем. Хотя многие группы происходили из пригородов и промышленных районов, это был стиль центрального Лондона.

В 1980 году Стив Стрэйндж и диджей Расти Иган основали Club for Heroes в Сохо. Стрэйндж отбирал модные стили, а Иган занимался музыкой, с целью привлечь искусствоведов, журналистов и модников в единственный ночной клуб Великобритании, где практически весь плейлист состоял из немецкой и британской электронной музыки того времени. Быстро получив поддержку музыкальной прессы, а затем и телевидения, синти-поп начал становиться монолитом нового романтизма.

В этом году появились в рейтингах новые синт-группы, которые не возникли из панка, особенно Depeche Mode и Soft Cell (чей дебютный сингл "Tainted Love" стал самым продаваемым синглом года, вторым по популярности была песня "Vienna" Ultravox).

В этом и следующем году Human League стали самой популярной британской группой и ненадолго заявили о себе в американских чартах, при том что группа распалась в 1980 году, синтезаторные музыканты ушли, чтобы создать Heaven 17, тогда как Оки пригласил двух со-вокалисток Джоанн Кэтеролл и Сьюзан Энн Салли, и со временем Human League преобразился в этих трех певиц и их сессионных музыкантов. Их стиль начал перемещаться в сторону большего влияния соула, в то время как в 1981 году альбом Dare продался более миллионом копий.

В 1981 году Япония создала свой шедевр - альбом "Tin Drum". Во многом Япония меньше соответствует "футуризму" раннего синти-попа, чем другие группы. Однако в произведениях, таких как "Ghosts", они раскрыли амбиент возможности синтезаторов раньше всех в то время.

"Тin Drum" - это уникальный альбом, единственное кто с ним схож это наверное "Night of Hunter" Скотта Уокера, вышедший в 1984 году.

Эволюция Японии была уникальной в том, что они постепенно убирали соло-гитару, но тем самым создали звучание, давшее равные возможности живому ударному барабану, безладовому басу и синтезаторам, каждый инструмент был чем то индивидуальным. Ритмическая секция начиналась с того, что создавали начальную линию барабанов, на которую создавали линию безладового баса,дальше на нее накладывали новые барабаны и так хоть до бесконечности пока не добивались нужного результата, эффект был такой что в конечном итоге все эти наложения заменяли соло гитару.

Другие музыканты собрали сотни программных звуков и нашли способы придать аналоговым синтезаторам звучание цифровых, еще до того момента, когда появились последние. Многие из звуков, которые они создали, не были типичны для того времени, звучали скорее так, словно донеслись с другой планеты.

"Sons of Pioneers" является ярким примером этого результата. У этой композиции какой то широкий и необъятный звук, барабаны общаются с басом на огромном расстоянии, а пространство между ними связывают звуки синтезатора,при этом вокал также становится инструментом, но при этом не доминирующим, а гармонично сочетающийся со всем остальным. Эффект гармонии был прост, лидирующая гитара была исключена и все остальное в музыке звучит на равных правах как в классических оркестрах. И это уже больше не рок-группа, а что то более серьезное и новаторское. Этот сложный баланс, пожалуй, является наиболее значимым достижением того периода и во многих отношениях воплощает общую цель ранних практиков синтезаторов — разработать музыкальный микрокосмос.

1982-1984

К 1984 году эти группы пошли на спад. Japan распалась к концу 1982 года. Гэри Ньюман вошел в завершающую стадию в которой его музыке не хватало направленности и она растеряла целостность. Джон Фокс полностью бросил музыку в 1985 году, и его работы после "Metamatic" продемонстрировали постепенный спад в европейскую поп-музыку.

В то же время электронная музыка продолжила свой взлет, этмоу способствовала замена аналоговых синтезаторов цифровыми с 1982 года. К середине 80-х годов аналоговые синтезаторы прекратили производство, и вместе с цифровой технологией появились сэмплеры и компьютеры. Это лишило музыку тех случайных исследовательских звуковых созданий, которые отличали эти ранние группы.

Синти-группы, появившиеся в середине 80-х годов (Art of Noise, Pet Shop Boys, Erasure), имели более предсказуемый звук и полагались на заводские настройки инструментов.

После затишья в середине и конце 80-х годов, танцевальная сцена оживила электронику, но на этот раз влияние в основном исходило от Kraftwerk и американского техно. Depeche Mode также повлияли на некоторые британские стили драм-н-басс, как и Gary Numan, но в целом эта музыка была более приземленная,в ней не осталось какой то космической глубины. Жанр стал другим.