[Anime 2018] Devilman: Crybaby

1. Netflix и его аниме

2. Режиссер Масааки Юаса и его фильмы

3. Мангака Го Нагай и его произведения

4. Devilman Crybaby и его экранизация

5 января 2018, когда год еще толком не разогнался, когда в России еще даже государственные каникулы не кончились, на Netflix ко всеобщему удивлению вывалился сериал Devilman Crybabу. По традиции сервиса, все 10 серий оказались собраны под одной упаковкой. Ждать не нужно было ни секунды. Сериал можно было посмотреть за несколько часов от начала до конца. Время релиза оказалось подобрано идеально. Осенний сезон '17 закруглился, а зимний сезон '18 еще не успел толком начаться. Фанаты анимэ, отойдя кое-как от праздников, начали лазать по интернету и потихоньку составлять себе списки сериалов, за которыми будут следить ближайшие три месяца. Тренды еще не оформились. Любимцы публики и/или критиков не успели заявить о себе. Люди были открыты ко всему новому, готовы экспериментировать и очень голодны до качественного контента. В этот самый момент на них обрушился Devilman. У сообщества просто не было другого выбора, кроме как его посмотреть, восхититься и полюбить. Ну и объявить спасителем всего анимэ, как это принято делать.

Правда, в этот раз новомодным спасителем индустрии стал не только сам сериал, но и его прокатчик. Netflix и анимэ связывают сложные и интересные отношения, про которые написано огромное количество статей, а будет написано еще больше. На западе Netflix уже давно совершил бескровную революцию, сбросив телевидение с его насеста и воцарившись, как один из главных поставщиков развлекательной продукции. «N» скупает права на фильмы, хорошие и плохие, фестивальные хиты и блокбастеры. «N» спонсирует производство самых модных сериалов, дает добро на запуск смелых концепций и воскрешает культовую классику. «N» рекламирует интернет, как замену кинотеатра и телевизора. И с каждым годом все больше кажется, что за подобными сервисами будущее. В самом деле, это выгодно зрителям, потому что они смотрят что хотят, как хотят и когда хотят. И это выгодно создателям и продюсерам, потому что они не обязаны беспокоиться о формате, количестве и длине серий. Они могут сделать полнометражный фильм или альманах короткометражек. Сериал на несколько сезонов или короткий мини-сериал. Одна серия может длиться сорок минут, другая – час. Как им будет удобно!

Но самое главное – это разница в подходах к формированию контента. Телеканал или кинотеатр заполняют фильмами, сериалами, программами определенные отрезки времени. Они должны выбрать для себя определенную аудиторию и постараться удовлетворить её запросы наилучшим образом. Он-лайн сервис ничего не выбирает. Ему нужны Все зрители. Все возрастные группы. Мужчины и женщины. Дети и старики. Университетские профессора и подростки-бездельники. Нет такой ниши, которая была бы сервису не интересна. Нет такой субкультуры, на которой он не хотел бы заработать. Всё, что можно где-то кому-то показать представляет острейший интерес. Поэтому большая «N» никак не могла пройти мимо анимэ и легиона его преданных фанатов.

Сначала Netflix просто начал хватать на рынке всё подряд. Он скупил и продолжает скупать многие классические сериалы, постепенно раздувая свою фильмотеку. Но еще важнее, он начал перехватывать права на свежие телевизионные хиты. Причем эти горячие новинки сервис убирает в долгий ящик, а потом выкладывает через несколько месяцев, когда ажиотаж успевает улечься, а народ переключается на новую диковинку. «N» считает модель единовременного релиза всех серий одним из ключей к своему успеху. Но если сериал транслируется в Японии по ТВ, его можно выложить разом только после того, как показ будет закончен.

Конечно, релизы «N» прекрасно дублированы, переведены на десяток языков. Они, может, и стоят ожидания. Но не для любителей анимэ, которые за последние 20 лет приучились измерять свою жизнь сезонами. У многих из них нет никакого желания получать всё и сразу. Люди хотят смотреть любимое анимэ по одной серии в неделю. А потом бесконечно спекулировать о том, что будет дальше. Вести обсуждения на форумах, в социальный сетях, на redditе, в discord. Может, даже лицом к лицу! Главное, поддерживать этот прекрасный круг жизни. Шоу рождается, вокруг него поднимается хайп. Оно проживает яркую жизнь, полную взлетов и падений общественного мнения. А потом уходит на покой, торжественно или с позором. Нельзя просто так взять и посмотреть анимэ. А «N» предлагает зрителям именно это.

Рано или поздно, сезонная структура в производстве анимэ-сериалов должна пойти трещинами и разрушиться. Схожий подход существовал на американском телевидении десятилетиями. Сезон начинался осенью и заканчивался весной, а летом люди отдыхали от телевизора (или должны были отдыхать). Отчасти эта система сохранилась и сегодня, но платные каналы и сервисы размыли границы и не обращают внимания на старые формальности. Когда-то не так давно, в 80е и 90е, одной из опор анимэ-индустрии были OVA – короткие сериалы и многосерийный фильмы, выходившие сразу на видео. Их не беспокоила цензура. Они могли позволить себе более высокие производственные стандарты. Конечно, мусора на этих кассетах было как на городской свалке. Но и польза от них была несомненной. Очень скоро нас ожидает нашествие их наследников – ONA (Original Net Animation).

Тем временем, последние годы «N» продолжал покупать сериалы и портить фанатам удовольствием от просмотра. Фраза «Да его же купил Netflix» стала звучать как приговор. Little Witch Academia, Kakegurui, Fate/Apocrypha, Kujira no Kora wa Sajou ni Utau – это далеко не полный список тех сериалов, которым не повезло оказаться в списке избранных. Активность «N» даже вдохнула новые силы в движение фанатских субтитров. С распространением стриминга на Западе эта практика почти сошла на нет. Но теперь благородные переводчики снова берутся за словари и благословляют массы своими пиратскими переводами.

Долго ли, коротко ли, продюсеры «N» решили, что так больше жить нельзя. То есть, можно и нужно, конечно. Но надо сделать что-то еще. Надо делать собственное анимэ. Некоторые люди могут подумать, что Netflix теперь будут рисовать анимэ сами. Чуть ли не своими руками. Но всё совсем не так радикально. Какие-то сериалы они будут покупать в готовом виде, только как прокатчики. А в какие-то проекты будут вмешиваться на ранних стадиях, вступая в традиционные японские продюсерские комитеты или просто заменяя их. В таком случае они смогут получить свои заветные эксклюзивные права и подавать свежеиспеченное анимэ с пылу с жару.

Конечно, американская компания, скорее всего, будет поддерживать большими деньгами те проекты, которые имеют наибольший международный потенциал. То есть, мы можем снова вернуться в 2000е годы, когда успешный западный рынок DVD заставил анимэ-индустрию обратить внимание на заокеанские вкусы и интересы. Потом рынок благополучно рухнул благодаря все тем же благородным фанатам-переводчикам и их пиратским раздачам. Но теперь может возникнуть новый.

И там мы подходим, наконец, к самому Devilman Crybaby. Сериалу, который в его нынешнем виде не пустили бы на японское телевидение ни за что и никогда. Секс! Насилие! И рок-н-ролл… нет, извините, другой популярный музыкальный жанр. Японский рэп! Только вдумайтесь. Масааки Юаса, экранизирующий мангу Го Нагая! Такое сочетание вряд ли кто-нибудь когда-нибудь ожидал увидеть.

Юаса – очень интересный и самобытный режиссер. Его произведения с огромной натяжкой можно назвать анимэ. Ну разве только по географическому принципу. В анимэ, как субкультуру, он точно не вписывается. Визуальная сторона работ Юасы черпает вдохновение из такого огромного количества источников, что их просто невозможно пересчитать. По сути, вся история мировой анимации – его игровая площадка. Нет такой техники или приема, которые бы его не интересовали. Хотя собственную стилистику режиссера ни с чем не спутаешь.

Масааки Юаса не только режиссер, но и превосходный аниматор. Его рисунки отличаются почти детской непосредственностью, простотой и прямолинейность. Иногда эта простота кажется переходит в грубость, неотесанность. Но в небрежности или неумелости Юасу можно упрекнуть с тем же успехом, как и какого-нибудь знаменитого художника-сюрреалиста. Его стиль – это осознанный выбор. И кажущаяся простота всегда оказывается обманчивой. Её подкрепляет утонченная постановка сцен, изощренные переходы от одного кадра к другому и наметанный глаз. Юаса умеет разглядеть фантазийный потенциал любой сцены и вытащить его на всеобщее обозрение.

По традиции, анимэ делает большой акцент на детализации внешности своих персонажей. Лица, важные детали одежды, тени, прически. Чем больше деталей, тем сложнее анимировать эти модели. Особенно с небольшим бюджетом и сжатыми производственными сроками. Это вынуждает аниматоров срезать углы, экономить время и производить одну статичную сцену за другой.

Юасу подобный обмен совершенно не устраивает. Он не знает что такое экономия. И не дает своей команде передышку в «спокойные» моменты, чтобы приберечь силы для большого финала или драматичного момента. Первым делом, Юаса сводит количество деталей к минимуму, оставляя только те, которые действительно имеют значение. И вы удивитесь, но когда в кадре нет ничего лишнего, когда всё привлекает внимание и служит какой-то цели, то у зрителя не остается времени на жалобы. Он слишком занят считыванием информации и получением эстетического удовольствия от движущихся картинок. По правилам Юасы аниматорам не нужно тщательно придерживаться и без того упрощенных дизайнов персонажей. Герои всё равно будут преувеличенно выражать эмоции. Трансформироваться, как будто они сделаны из того же пластилина, что мультфильмы Александра Татарского. Следуя западным канонам анимации, персонажи могут сжиматься, растягиваться, деформироваться ради того, чтобы сделать их движения максимально выразительными и запоминающимися.

Лично меня влюбляет в фильмы и сериалы Юасы конкретно работа с движением. Которого у него нехарактерно много для японской анимации. Не только персонажей, но и целиком каждый кадр он заставляет двигаться без остановки. Картинка будто живет своей жизнью. Одна сцена перетекает в другую. Монтажные склейки перестаешь замечать. Фильм начинает казаться не набором сцен, а один большим полотном, где все взаимосвязано. Таким образом визуальная составляющая становится неотделима от повествовательной. И влияет на восприятие сюжета самым активным образом. Не следует игнорировать и его работу с ритмом. Именно благодаря хорошо выдержанному ритму зритель теряет ощущение времени и утопает в экране. Его подхватывает поток сюжета и несет вперед без остановок. Напротив, перебои ритма выбрасывают зрителя обратно наружу, в его кресло. Заставляют вспомнить, что не кормлен кот и не вытащено белье из стиральной машины. Юаса синхронизирует музыку со сменой изображений, с движениями внутри кадра и между кадрами. Человек явно работает по метроному.

Юаса постоянно играет со своей картинкой. С элементами дизайна, ракурсами и изображением движения. Если нужно выкрутить динамику эпизода до одиннадцати, он готов анимировать задники, создать движущийся фон. А бОльшей головной боли для аниматора сложно придумать. Он обожает менять перспективу. Точку зрения персонажей на происходящие события и точку зрения зрителей. Иногда эти взгляды совпадают, иногда намеренно контрастируют. Зависит от задачи.

Стилистику Юасы часто называют психоделической. И это, несомненно, сущая правда. Он говорил о влиянии, оказанном на него художником, графиком и мастером поп-арта Питером Максом. Но как я уже упоминал, проще назвать людей, которые не повлияли на становление стиля Юасы. В общем и целом, Юаса – это уникальный случай, когда независимая японская анимация каким-то чудом умудрилась просочиться в мэйнстрим и добиться там успеха и признания. Его работы – как окно в другой мир. Ведь в Японии всегда была, есть и будет неформальная, глубоко индивидуальная анимация. Но ниша это настолько крохотная, что заглянуть в нее можно только на каком-нибудь специализированном кинофестивале. Масааки Юасу же можно увидеть повсюду. Даже на Netflix.

Он начинал работу в индустрии еще в начале 90х. Трудился в качестве аниматора над несколькими детскими долгоиграющими сериалами, имеющими обыкновение не сходить с эфира годами, и фильмами, дополняющими эти самые сериалы. На самом деле, подобная среда может быть очень полезна для созревания талантов и оттачивания мастерства. Именно детская анимация часто становится полем для самых безумных экспериментов. Во-первых, потому что продюсеры порой смотрят сквозь пальцы, заботясь о количестве, а не о качестве. Во-вторых, потому что дети – самая открытая и непредвзятая аудитория, которую только можно представить. Главное для творческого человека вовремя уйти из этой области индустрии, а то можно застрять там надолго.

Что касается дальнейшей деятельности Юасы, мне придется прибегнуть к беглому перечислению, потому что если я начну вдаваться в подробности, то умру от истощения прежде чем успею добраться до середины. Юаса – невероятно плодовитый и разноплановый режиссер. С одной стороны – это настоящий комок неистощимой энергии. Волшебный горшочек с кашей, который всё варит и варит, разливая тарелку за тарелкой. С другой стороны – это совершенно всеядный человек, готовый браться за любую тему, любую историю, любых персонажей. Он пишет сценарии сам, охотно берет чужие, экранизирует литературу. Он до сих пор готов подрабатывать аниматором для друзей и знакомых. Он выступает приглашенным режиссером в интересных проектах. Он вездесущ.

Отправной точкой его авторской карьеры можно считать (а можно и не считать) полнометражный фильм Mind Game от 2004 года. Которому, конечно же, больше подошло бы название Mind Fuck. Чего стоит одно только использование фотографий актеров для избранных крупных планов героев! Да, просто взяли фото, вырезали лица и вклеили в нарисованные кадры. Почему бы собственно и нет? Чего не сделаешь для достижения желаемого эффекта и максимальной выразительности! Перекошенные углы камеры, подглядывания за событиями со странных точек, мутирующие формы, всплески ярких цветов, нырки в подсознание за чудными образами… Собственно, Mind Game стала визитной карточкой режиссера, каталогом любимых приемов и… хочется сказать манифестом, но для Юасы это было бы слишком пафосно. Человек просто получает удовольствие от работы. Переходя к сюжету, должен заметить, что это экранизация манги Роберта Ниши, в которой главного героя тоже зовут Ниши, он тоже мангака и пишет мангу про самого себя. Но не подумайте только, что это какая-то невероятно заумная, вычурная концепция. Предельно простая история о том, что жить надо не вхолостую, а здесь и сейчас. Собраться, подняться и не бояться. Правда, на 20 минуте главный герой умирает. А на 32 возвращается из загробного мира. Но чего не бывает в жизни.

Главное, что нужно понять: фильмы Юасы, какими бы странными и фантастичными они ни казались, в основу повествования всегда кладут простейшие человеческие проблемы и недостатки, о которых можно говорить бесконечно. Вслед за полнометражным дебютом Юаса принялся методично укреплять свою репутацию на телевидении. Плодотворное сотрудничество с рисковой студией Madhouse подарило зрителям романтическую чернуху под названием Kemonozume о любви монстра-каннибала и охотника на монстров. Затем жестокую и мрачную антиутопию Kaiba, стилизованную под старые детские мультики и работы Осаму Тезуки. И, наконец, знаменитую Tatami Galaxy в 2010 году. Это была первая экранизация книг Томихико Морими, и с тех этот остроумный мастер магического реализма стал для японских аниматоров постоянным источником вдохновения. Еще четыре его книги пережили успешные превращения в фильмы и сериалы. И только один из них сделал Юаса. Если же совершить маленькое преступление и попытаться высказаться о Tatami Galaxy в двух словах… это «День Сурка» по-японски. Про то, как безымянный протагонист снова и снова переживает свое поступление в университет и пытается найти в волшебном Киото свою заветную «студенческую жизнь в розовом цвете». Но, конечно, не находит. Потому что искать её надо у себя в сердце и в голове, а он ищет хрен знает где. И находит хрен знает что. Чем доставляет зрителям массу удовольствия. К этому времени стиль Юасы выкристаллизовался окончательно. Из кадров исчез бардак и лишний выпендреж (которых в ранних работах было очень много). Но ни о каком обуздании творческих импульсов речи, конечно, не идет. Tatami Galaxy не был бы так знаменит, если бы не был так безумен и фееричен в своей презентации.

В 2013-м Масааки Юаса первым в анимэ-индустрии опробовал краудфандинг, насобирав денег на короткометражку Kick-Heart. А затем, наконец, сделал то, что напрашивалось давным-давно – организовал собственную студию, Science Saru. Первым делом Юаса, выступая в роли приглашенной рок-звезды, написал и снял для американского сериала Adventure Time серию под названием «Food Chain». Затем удружил своему старому знакомому Синитиро Ватанабе, добавив свой эпизод к его амбициозно бестолковой антологии «Space dandy» (3 эпизод 2 сезона). Ужасный на лицо мультфильм Юасы про пинг-понг масса критиков не без оснований нарекла чуть ли не лучшим спортивным сериалов всех времен. А в прошлом, 2017 году режиссер нанес по умам и кошелькам зрителей беспрецедентный двойной удар, выпустив два полнометражных фильма с разницей в месяц! Причем, один из них был той самой второй экранизацией Томихико Морими. Более того, своеобразным духовным наследником, непрямым продолжением и второй частью дилогии, начатой Tatami Galaxy. Неудивительно, что я посмотрел этот фильм два раза подряд, сделал около пяти сотен скриншотов и начал страстно расхваливать всем, включая людей в магазинных очередях.

Прошло немногим более полугода. И 5 января 2018 на стриминговом сервисе Netflix появилась следующая крупная работа Масааки Юасы. И так мы подходим, наконец, к самому Devilman Crybaby. Сериалу, который…

Минуточку! Сериалу придется подождать еще какое-то время, потому что сначала надо поговорить о первоисточнике и его замечательном авторе. Но теперь до «Человека-дьявола Плаксы» действительно осталось совсем немного. Честное слово.

Не думаю, что такой отвязный хулиган, как Го Нагай мог представить себе пятьдесят лет назад, что когда-нибудь его будут считать живым классиком и петь ему дифирамбы со всех сторон света. Дабы представить себе, что это за человек такой, для начала можно взглянуть на его первый большой хит – Harenchi gakuen («Бесстыдная школа»).В 1968м молодой и бесцеремонный Го Нагай, начитавшись Playboy и насмотревшись на свободные нравы Запада, решил как следует встряхнуть глубоко укорененную японскую культуру стыда. Одновременно эксплуатировать её в комедийных целях и активно расшатывать своими нахальными историями про озабоченных школьников. Этот комикс, печатавшийся в только что открытом журнале для подростков Сенен Джамп, своротил на бок строгие моральные нормы того времени, совершил своего рода сексуальную революцию и проложил эротике дорогу в мир манги. Родительские комитеты показательно сжигали произведения Нагая, тиражи журнала росли как на дрожжах. А сам автор кроме денег и славы заработал себе звание великого пионера жанра этти.

С тех пор имя Го Нагай и слово «скандал» шли друг с другом рука об руку. Нагай все больше прославлял себя, как радикальный новатор, сомнительный тип и враг порядочности. Каким-то невообразимым способом этот человек умудрился стать отцом-основателем сразу двух монументальных жанров манги и анимэ – супер роботов и девочек-волшебниц!

Mazinger Z совершил переворот в фантастических комиксах про могучих механических машин. А все потому что здешний супер робот на самом деле был не роботом, как Astro Boy и даже не радиоуправляемой машиной смерти, как Tetsujin №28. Это была такая штуковина, в которую ты залезаешь сам и управляешь ею изнутри. Иначе говоря «меха». За подобными аппаратами было будущее японской анимации и индустрии детских игрушек. Сам же Нагай утверждает, что идея пришла ему в голову, когда он наблюдал за автомобильной пробкой и подумал, что многие водители наверняка мечтали бы получить возможность обогнать все эти машины одним махом. Не могу не согласиться! Когда я стою в пробке, мне приходят в голову самые разнообразные идеи по поводу того что бы я сделал с окружающими меня автомобилями. Дайте мне только одного из механических монстров доктора Хелла, и из меня вышел бы отменный антагонист для могучего Мазингера.

Манга Cutey Honey была посвящена девушке-андроиду, которая сражается с многочисленными злодеями и негодяями, в том числе со зловещей организацией «Коготь пантеры». Несмотря на научно-фантастический жанр и типичную приключенческую структуру это произведение в конце 80х задним числом было классифицировано, как ранний пример жанра «махо-сёдзё». Одной из ключевых особенностей сериала были боевые превращения главной героини, которая из просто красивой девушки на ходу превращалась в яркую красноволосую героиню. Чаще всего непрактично и крайне нескромно одетую. Конечно, в какой-то момент этого необыкновенного зрелища она оставалась совсем голой, и читателям/зрителям эти моменты были очень дороги. В общем, если вы когда-нибудь, глядя очередное шоу про девочек-волшебниц, наблюдали получасовой стриптиз, замаскированный под «превращение», и спрашивали себя: «Какой скабрезник до всего этого додумался?!», теперь у вас есть ответ. Го Нагай. Конечно, это была его идея. И, кстати, у него еще хватило наглости похвалить себя за первый сенен-сериал с женщиной в главной роли. Очаровательный человек.

Манга Devilman публиковалась в течение года с лета 1972го по лето 1973го. И это было совершенно безбашенное произведение даже по самым свободным и радикальным меркам. Он как будто впитал в себя всю злость, страсть, весь надрыв молодого 27-летнего мангаки. На первый взгляд, всё выглядело относительно просто. Девилмэн. Человек-дьявол. Стильный, модный, молодежный супергерой. Вернее, антигерой. Жестокий и кровожадный монстр, за которого аудитория вынуждена болеть, потому что кроме него некому защитить слабых от еще большего зла – истинных демонов. Мрачный тон, натуралистичное насилие, небрежное богохульство, попрание канонов, концепция борьбы зла против зла. Да еще и внедрение элементов хоррора в сюжетную структуру героического сенена. Блестящий рецепт для очередного скандального хита, дико популярного у молодежи и подростков.

Только вот этот самый хоррор… он как вирус начал пожирать героический сюжет изнутри. Мрачные, жестокие элементы быстро перестали быть косметическими и дотянулись до самого сердца истории. Дотянулись и разорвали его в клочья. Честное слово, это совершенно удивительный опыт – читать мангу Devilman и видеть как она с каждой страницей матереет, ожесточается, наполняется социальной и нравственной критикой, слепо жалящей всех и все на своем пути.

В последних нескольких томах Го Нагай принялся бушевать с новой силой. Как Иероним Босх, рисующий сцены Страшного Суда, он утопил страницы своей манги в крови. И человеческие жизни разлетались по ветру, как опавшие листья. Небесная и авторская кара была слепа и беспощадна. Потоп пожирал праведников вместе с грешниками. Ни слезы и мольбы, ни отчаянный героизм не могли всего этого остановить. Devilman завершился, как классическая высокая трагедия. Приносящая аудитории катарсис своим ошеломляюще мрачным и жестоким финалом.

В течение следующих десятилетий Нагай делал со своей интеллектуальной собственностью всё, что только можно и нельзя. Прямого продолжения у человека-дьявола быть не могло. По понятным причинам – в оригинале автор сжег все мосты и оставил после себя просоленную землю. Но это не помешало ему эксплуатировать свой странный франчайз по полной программе. Перезапускать его, перерабатывать, исследовать ответвления. Персонажи манги поучаствовали во множестве литературных и анимационных кроссоверах. Девилмэн встречался лицом к лицу и с Мазингером, и с Милашкой Хани. В 91 году вышла комедийная OVA под названием «CB Chara Nagai Go World», где герои Девилмэна, Мазингера, Грендайзера и других сериалов, превращенные с кавайных большеголовых чиби, занимались всякой ерундой. А в 97 году Нагай додумался до манги Devil Lady. В основу повествования, как несложно догадаться, была положена гениальная идея: «А что если бы человек-дьявол был сногсшибательной красоткой с большой грудью?»

Неизбежно последовали и экранизации. Но что интересно, ни одной из них до сих пор не удавалось перенести оригинал на экран полностью, от начала до конца, без смягчений и изменений. Первой постановкой был анимэ-сериал из 39 серий, который выходил одновременно с публикацией самой манги. Вы спросите: «Каким же образом сценаристы и аниматоры умудрялись следовать резким поворотам первоисточника?» А они, собственно, и не пытались. Студии Toei понравился демонический герой, которого разрабатывал Нагай, и они быстро ударили с ним по рукам. Мангака пошел своим путем , аниматоры – своим. Они, конечно, знали как выглядит главный герой в человеческом и дьявольском обличиях. Они знали, что у него есть девушка, в которую он влюблен. Ну и пару идей для злодеев они у Нагая подглядели. А больше им ничего и не требовалось! Особенно всякие высокохудожественные замашки. Герой – есть. Девушка-мотивация – есть. Можно делать типичный подростковый сериал 70х с эпизодической структурой и новым монстром каждую неделю. Сделать только это все немного помрачнее, добавить человеческие жертвы и немного излишней жестокости, и торговая марка Нагая соблюдена. Нельзя сделать плохую экранизацию, если даже не пытаешься.

В 1987 и 1990 годах вышли два 50-минутных OVA фильма, которые, в отличие от прошлого раза, действительно прилагали серьезные усилия, чтобы адаптировать мангу наилучшим образом. Проблема только в том, что 100 минут было недостаточно для полноценной экранизации. И, конечно, не надо забывать о том, как манга кончается. Вы, наверное, заметили, что у меня просто руки чешутся взять и рассказать обо всех тех ужасах, которые отпечатались в моей памяти. А вот у студий и продюсеров никогда не было особого желания связываться с этой неперевариваемой катастрофой. До тех пор, пока за дело не взялся Масааки Юаса!

Вы будете смеяться, но теперь, после всех этих предысторий и подготовки мне, в общем-то, особо нечего рассказывать про сам Devilman Crybaby. По крайней мере, если я хочу сохранить в тайне его сюжетные повороты и эмоциональные потрясения. Для Го Нагая данное произведение стало особенным. В эту историю о потере человечности и мучительном поиске угасающего гуманизма он вложил всего себя, а заодно излил всю накопившуюся желчь. Ну а Масааки Юаса прекрасно подошел для того, чтобы пересказать историю кинематографическим языком и для нового поколения. Разумеется, он не стал мелочиться и принялся писать свое новое полотно могучими, размашистыми мазками. Никакого пиетета к первоисточнику. Ничего похожего на попытки сохранить видение автора в неприкосновенности.

Если Юаса берется за сюжет, тот отныне всецело находится в его власти. Ну и еще сценариста, с которым он сотрудничает в данном случае. Говоря о новом Девилмэне, не надо забывать и об авторе сценария – Итиро Окоути. У этого человека, наверное, столько же ярых противников, сколько и почитателей. Он написал и адаптировал множество историй, которые люди обожают, и несколько, которые терпеть не могут. Не отличается сдержанностью и Киётака Осияма, режиссер совершенно сумасшедшего анимэ Flip Flappers, который для этого сериала создавал дизайны персонажей и работал над несколькими эпизодами. Юаса собрал под своим командованием бригаду ярчайших личностей, которые готовы идти на риск. Даже если этот риск далеко не всегда окупается.

Первым делом, Юаса перенес историю из 70х в наше время, подключив к сюжету интернет и социальные медиа. В первоисточнике имелась банда стереотипных школьных хулиганов, больше похожих на профессиональных преступников. По ходу истории они проходили через некоторое подобие искупительной трансформации. Их в экранизации заменила группа миролюбивых рэперов, чью горячность, страсть и энергию окружающие принимают за агрессию и враждебность. Рэперы делают то, что им полагается – изливают в своей лирике душу и громят пороки общества. Их выступления работают примерно так же, как хор в классических трагедиях. В рифмованные слова заложены мрачные темы и идеи сериала. Выполняя роль рассказчиков и кураторов, они ведут нас сквозь сюжет. Но при этом у юноши живут своими собственными жизнями, страдают от своих собственных проблем. И ничем хорошим их мучения кончиться не могут. Анимационных рэперов озвучивают рэперы настоящие. Так что консенсус среди людей, разбирающихся во всем этом гораздо лучше меня – рэп в сериале не только сюжетно значим, но и хорош сам по себе.

Огромным изменениям подвергся характер главной героини – Мики Макимуры. Хотя, можно ли говорить об изменениях, если в оригинале у неё характера не было в принципе. Мики – это типичная героиня 70х. Дева в беде, которую вечно надо спасать и выпутывать из неприятностей. По ходу дела Нагай пытался пару раз дать ей какую-нибудь характеристику или запоминающуюся черту, но лучше бы он даже не пытался. В конечном счете, Мики работала исключительно как сюжетная функция. И функция эта несколько отличалась от традиционной. Героиня не была закрыта доблестью своего героя, как непробиваемым щитом. И читатели волновались за неё хотя бы потому, что у нее не было сюжетной брони. Она могла погибнуть в любой момент. У Юасы девушка перестала быть реквизитом, который автор таскает за героем по сцене. Она получила независимый характер, интересы, хобби, идеалы, стремления. И четко очерченную роль в сюжете. В драматичные моменты она выступает, как некая общечеловеческая совесть. А в бытовых сценах сводит главного героя с ума своей привлекательностью.

Кстати говоря, по сравнению с мангой история в сериале стала гораздо менее пошлой. Но гораздо более чувственной и эротичной. Потому что пошлость и вульгарность идут от невежества и комплексов. А когда люди спокойно, уверенно, со знанием дела обсуждают секс и сексуальность, их интересно и приятно послушать. Нормальный взрослый разговор. С равными долями юношеского максимализма и зрелого цинизма. Хотя я сейчас представил, как вы включаете сериал на случайном эпизоде, и вам в лицо сразу начинают тыкать задами и грудями. Многие зрители после такого зрелища с моими заявлениями вряд ли бы согласились. Но для них я приведу еще одну аксиому пошлости: это не пошлость, если тебе не стыдно.

Еще одна распространенная претензия к Девилмэну – качество анимации. Даже если сравнивать с другими работами Юасы, немалой части аудитории она кажется слишком уж расхлябанной и разболтанной. Могу засвидетельствовать, что у Юасы с анимацией все бывало намного хуже. Может быть, его команда слишком уж увлеклась возней в Adobe Flash, который они с гордостью используют для ускорения рабочего процесса? Во время второго просмотра сериала лично я был очарован его визуальной составляющей. Но я слишком большой фанат Юасы и его стиля, чтобы мои восторги можно было воспринимать хоть сколько-нибудь серьезно.

Подводя итоги, я не хочу сказать, что трагедия Го Нагая в руках Масааки Юасы стала лучше. Он «исправил» многие вещи, которые можно было считать недочетами оригинала. Он развил и расширил многие сюжетные линии, даже добавил новые. Но увеличив плотность сюжета, он оставил неизменным его объем. Из-за этого многие его наработки остались незавершенными, а идеи – не раскрытыми до конца. Чужое произведение – это что-то вроде закрытой системы, работающей по неведомым для тебя правилам. Чем больше ты вмешиваешься в его работу, тем больше рискуешь обрушить все сооружение себе на голову. Но Юаса этого не испугался. Что-то от оригинала он потерял, а что-то приобрел. Он решил вести с ним активный диалог, и благодаря этому у нас теперь есть еще одна интересная версия классической истории. Не уступая Нагаю в чувстве юмора, Юаса и Окоути наполнили свой сериал отличными шутками. Иногда саркастичными. Иногда сексапильными. Иногда тонкой иронией. Иногда дурацкими гэгами.

Изобретательность Юасы в изображении насилия и кровопролития оставила мангу далеко позади. Всё-таки, мы имеем здесь дело с редким визионером. Психологическая и эмоциональная жестокость тоже вышли на качественно новый уровень. Ведь анимэ позаботилось о том, чтобы как следует представить нам всех персонажей, которых оно потом будет безжалостно истязать.

Но если юмор в этой экранизации с перегибом, анимация – с перехлестом, а страдания – с надрывом, то и тихая человеческая драма становится чуть погромче. Не зря же сериал называется «Плакса». Акира Фудо, будь он в облике демона Амона или обычного человека, заражает своей истовой любовью к человечеству, пронзительной эмпатией и душераздирающим состраданием. Возможно, оригинал более аккуратно и последовательно выражал свои мысли. А вот ремейк Юасы ярче выражает свои чувства. Какой вариант лучше – решать только вам.

Ах да, тот замечательный сериал Devilman, который крутили по ТВ в 72-73 годах, существует во вселенной сериала Devilman Crybaby. Персонажи не только его хорошо знают, но еще и помнят, как смотрели по телевизору в детстве. И конечно, он стал один из элементов, которые сформировали их представления об окружающем мире. Это сам по себе забавный маленький мета-анекдот. Но беда в том, что к нему прилагается убийственная современная перепевка классической темы Девилмэна! И эту проклятую песню я прослушал, наверное, уже несколько тысяч раз. Из них десять или двадцать только пока писал этот текст. Помогите кто-нибудь! Как песня может быть настолько навязчивой!

#long #devilmancrybaby