Зачем анализировать стиль другого CG-художника и как это делать правильно

Как утверждает Феликс Шайнбергер в книге «Рождение иллюстратора», лет пятьсот назад индивидуальный стиль не был в приоритете. В школах живописи учили рисовать методом копирования. Тяжело определить, кому принадлежит работа — мастеру или его ученику, но быть похожим на кого-то было признаком профессионализма.

Сейчас многие начинающие художники наоборот стремятся к новаторству, а поиск собственного стиля становится для них ключевым вопросом. Стиль работает как визитка: выделяет среди конкурентов, выражает индивидуальность автора и становится потенциальным источником прибыли, ведь даже в эпоху искусственного интеллекта заказчики готовы платить иллюстраторам за авторский стиль.

Но нельзя забывать, что стиль — это инструмент. Зацикливаясь на индивидуальности, автор рискует ограничить развитие своих профессиональных способностей. Работа со стилем — это полноценный навык, обязательный для работы в индустрии, где важны гибкость, умение анализировать чужие работы и подстраиваться под них.

В этой статье вместе с преподавателем курса «Анимационный рисунок» Animation School Аллой Филипович разбираемся, зачем анализировать чужие работы и как это делать правильно.

В рисовании действует формула, похожая на писательскую. Стиль нашего письма формируется из нашего опыта, любимой книги и последней прочитанной книги. Так, в нашем художественном стиле отражаются весь бэкграунд и текущее окружение. Часто это что-то, чем мы восхищались в детстве вроде того же аниме, комиксов или мультфильмов, к которым добавляются работы классических и современных художников.

Например, Loish отмечает влияние ее любимого художника Альфонса Мухи. Ей нравится его работа с органическими формами и композицией, портреты женщин в окружении природных элементов, в которых они сами будто бы становятся частью природы. Зная этот контекст, мы прослеживаем этот бэкграунд в ее иллюстрациях.

Стиль под влиянием формируется неосознанно для самого художника. Например, иллюстратор Ahmed Aldoori, который записывает обучающие видео по рисованию на YouTube, в самом начале своей карьеры не искал свой стиль. Он досконально изучал любимых художников и учился рисовать так же, как они. Спустя годы его аудитория стала отмечать его манеру рисования, но когда он сам смотрел на свои работы, то видел только части чужих авторских стилей.

Stan Prokopenko и Marshall Vandruff называют это явление art parents («арт-родители»), говоря о том, что каждый художник вырастает из других художников, но при этом выбирать таких «родителей» можно и нужно осознанно, чтобы заимствовать сильные стороны от нескольких иллюстраторов или художественных направлений. Так можно не стать чьей-то копией и получить следующие преимущества:

Стиль — это набор ограничений и правил, и этого не стоит бояться. Чем яснее рамки, тем более предсказуем и стабилен результат. Каждый элемент стиля — это способ решения определенной проблемы, который можно копировать. Это не плохо, ведь часто перед нами стоят базовые задачи, для решения которых не нужна творческая революция.

Развивая насмотренность и осваивая разные подходы к рисованию, художник не тратит много времени на поиск референсов, чтобы решить, в какую позу поставить персонажа, как отделить его от фона или как показать его характер через движение. Можно собрать целую базу приемов, которые будут работать в разных контекстах.

Привычка рисовать в одной манере не идет на пользу. Отказываясь от чужого опыта, художник ограничивает себя собственными ошибками и видением. Даже профессионалы пробуют новые методы работы, чтобы обогатить свое творчество.

Например, Loish в одном из видео рассказывает, что она экспериментирует с новыми инструментами. Художница открыла для себя лассо, градиенты и кисти, благодаря которым создает глитч-эффекты без фильтров, контролируя блюр. Ее работы уже самодостаточны и узнаваемы, но благодаря экспериментам за Loish не скучно наблюдать.

При трудоустройстве важно уметь рисовать в стиле команды или проекта. Этот навык настолько важен, что его проверяют в тестовых заданиях, а в портфолио часто просят иллюстрации, близкие стилю студии.

Чем больше стилей знает художник, тем проще ему будет подстраиваться и выбирать инструменты. Здесь можно было бы сказать, что с этим хорошо справляются нейросети, но они копируют визуал без понимания контекста — культурных визуальных кодов или причин, почему ранее были приняты те или иные решения.

По словам Аллы Филипович, «у художника в принципе может и не быть своего собственного стиля, и особенно это относится к анимации, потому что в некоторых командах нужны хорошие художники-исполнители. Для работы в команде в первую очередь важно уметь быть частью корабля, а индивидуальность хорошо работает для другого».

Можно бесконечно писать конспекты и заметки, но в памяти и механике работы это отложено не будет, если художник не будете ничего отрабатывать. Весь процесс обучения строится только на практике и осмысленном анализе. Проработайте следующие моменты:

Мы часто слышим: «чтобы нарушать правила, нужно их знать». Многих раздражает такое утверждение, но в основе хорошего стиля всегда лежит крепкая академическая база.

— Без знания анатомии будет тяжело работать с построением фигуры, объемами мышц и движением. Если вы рисуете монстров — не пренебрегайте классической анатомии людей и животных, ведь она позволит решить любую задачу, даже если у персонажа шесть ног, а не две.

— Композиция — это скелет любой работы. Посмотрите, как размещены элементы, соблюдается ли правило третей, какие направляющие линии есть в работе и как обыгрывается негативное пространство, за счет чего выстраивается глубина? Разберите работу на объекты и покажите их схематически с учетом «веса». Рекомендуем ознакомиться с книгами Маркоса Матеу-Местре Framed Ink и Framed Perspective.

— Свет и тень — без них работа будет плоской и неестественной. Разберите источники освещения. Если у вас сложности с понимаем распределения света по объему, можно изучить 3D объекты и настроить освещение — это легко сделать в базовых программах Blender или Nomad Sculpt. Используйте простые низкополигональные фигуры, чтобы понять, на какие плоскости можно разбивать сложные объекты и как на них будет влиять окружение. На начальных этапах для практики можно отказаться от проработки цветов.

— У многих художников есть цветовая палитра, которой они придерживаются. Проверять можно через пипетку, наблюдая за тем, как оттенки двигаются по цветовому кругу. Уделите внимание тому, как они работают друг с другом, иногда на проверке серый цвет оказывается голубым, а выглядит серым только из-за окружения. В авторском стиле допускается любое сочетание цветов, но в целом лучше работать по цветовому кругу и соблюдать тональность.

Когда основы изучены, стилизация также будет более удачной. Вы поймете механику действий и выборов художников, которых пытаетесь копировать, и будете говорить с ними на одном языке. Это нелегко и требует времени. «Копирование стиля требует изобразительной грамотности — знания художественных приемов, умения разбираться в особенностях стиля, уравновешенность характера и умение справляться с монотонной работой», — говорит Алла Филипович.

База — это непросто, но не используйте это как оправдание, чтобы не начинать, ведь все можно делать параллельно. Начинайте с простого, прорабатывайте тренировочные зарисовки, разделяя сессию на работу в реализме и стилизацию отдельных элементов референса, например, освещения или анатомии.

При сборе референсов важно понимать задачи. Если работаете с мерчем — изучайте иллюстрации, которые обычно используют для мерча. Если хотите продавать портреты — ориентируйтесь на то, что популярно у целевой аудитории. Хотите работать в студии — разбирайте ее работы. Четкая цель позволит сосредоточиться на стилеобразующих элементах, из которых можно собирать библиотеку. Под отдельные проекты можно создавать целые реф-борды в инструментах вроде Pinterest, FigJam, Miro, Eagle, PureRef. Важно отличать сбор референсов от сохранения понравившихся работ. Подписывайте, почему подошло то или иное изображение и какие приемы из него можно выделить и переиспользовать.

Важно разбираться, как работают инструменты и техники, которые вы используете. Это могут быть текстурные кисти, лассо, работа от пятна, маски или эффекты на пост-обработке — от зернистости до глитча.

Хорошо помогает изучение пайплайнов художников по таймлапсам и разбор исходников по слоям, которые некоторые авторы иногда публикуют. Можно записать свой процесс работы и сравнить с оригиналом, чтобы выявить различия в подходах.

Для развития аналитического мышления смотрите видео, где художники рисуют в стиле другого автора или сами детально разбирают чужие работы. Например, такие видео публикуют Matthew Passaro, ModerndayJames, Draftsmen, tppo, Marc Brunet. Сами художники в своих блогах часто раскрывают детали своих иллюстраций и объясняют, как они пришли к тому или иному решению.

Когда стилеобразующие элементы выбраны , начинайте отрабатывать их отдельно, двигаясь от простого к сложному. Можно делать серии набросков и мини-этюдов, а после рисовать полноценные работы и попробовать создать свою работу в стиле другого автора. Во время учебы можно копировать чужие работы «от и до», главное уважать авторское право. Публикуя такие иллюстрации, обязательно указывать источник, и не использовать их в коммерческих целях.

Для усложнения можно работать на скорость или объединять несколько стилей. Если практика наскучит, перенесите ее в формат челленджа. Например, отрисуйте своего персонажа в стилях известных проектов.

Результаты также важно анализировать, отвечая на вопросы, что получилось сделать, а что нет. Запросите обратную связь от преподавателей, коллег и друзей — со стороны комментарии могут быть более объективны. И, конечно, не переживайте из-за ошибок, они неизбежны на этапе обучения.

Копируя чужой стиль, многие художники бояться потерять свой почерк, но на самом деле он просто становится богаче от заимствований и практики. Не нужно делать большой акцент на том, чтобы прийти к своему стилю, он появится сам, а так это слишком переоцененный элемент. Тем более что стиль — это не конечная точка, а постоянное развитие, ведь опыт набирается всю жизнь и мы всегда испытываем на себе чье-то влияние.

Художнику для карьеры важнее и ценнее изучать и анализировать чужое и практиковаться. Учитывайте значение стиля и его составляющие, решая рабочие задачи.

Статью подготовила Ксения Косарева специально для Animation Club

#иллюстрация #стиль #рисование #пайплайн #визуал