Не только чёрно-фиолетовые тона: 10 альбомов, с которых нужно начинать слушать эмо

Давно хотел написать какой-нибудь лонг, но не знал о чём. Решил, что будет лучше, если это будет тема, которая мне изначально близка — эмо-музыка. В данной подборке собрал самые общепринято важные альбомы жанра, пропустив их ещё через своё восприятие того, почему с ними нужно ознакомиться. Приятного чтения и прослушивания!

На самом деле, этот вопрос несколько сложнее, чем может показаться на первый взгляд. Конечно, когда большинство людей слышат слово «эмо» (или в английском произношении «имо»), первое, что приходит на ум: грустные подростки, которые слушают печальную музыку, обязательно одеты в чёрно-фиолетовое, увешаны значками и пробуют вскрыться каждую пятницу после школы. В общем, пытаются казаться «не такими, как все». Но данное представление сложилось уже спустя двадцать лет существования жанра как такового и основано лишь на субкультуре, которая появилась у нас в середине двухтысячных.

Эмо — прежде всего один из поджанров панк-музыки. Корни его лежат в хардкоре — движении очень агрессивном, можно так сказать, противостоящем всему миру, с шумными гитарными риффами и кричащим вокалом. Появился хардкор как ответ «продавшейся» в тот момент панк-сцене. Формула его: играй быстро, жёстко и громко. Более ничего не требуется.

Постхардкор же позаимствовал от «старшего брата» тяжёлое музыкальное сопровождение, однако ввёл в сочинение песен большую вдумчивость: нередко вокалист переходил с крика на свой обычный голос, ведущий рассказ, (т. н. «споукен ворд») или даже шёпот, построение композиций усложнилось, их длительность увеличилась, наконец появилась мелодия, которую в какофонии хардкора было невозможно различить. В текстах же появилось больше саморефлексии: предлагался более поэтичный и драматичный взгляд на жизнь. Да и вообще многое было заимствовано из раннего пост-панка — исконно британского жанра.

Эмо-музыка позаимствовала из постхардкора мелодичность гитарных партий, сочетание скриминга и обычного вокала, но вот тексты стали более открытыми к слушателю: вокалисты не стеснялись ругать себя и, грубо говоря, ныть о своих проблемах. Причём это «нытьё» выражается не только в стихах, но и в самой манере пения: нередко можно услышать на записях, будто у вокалиста простуда: голос мало того, что надрывный, так он и уходит «в нос» (как сказал бы преподаватель по вокалу). Однако музыкально эмо крайне неоднородно: в зависимости от коллектива, можно услышать влияние пост-панка, блюза, метала, джаза, пост-рока и других, вроде не связанных с панк-сценой жанров.

Эмо — прежде всего эмоциональный (уж извините за тавтологию) порыв, выплеск своих чувств на слушателя, что роднит его с панком: но если в последнем чаще всего высказывалась ненависть ко всему миру, то в эмо-музыке высказывается ненависть (ну или хотя бы нелюбовь/критика) к самому к себе, к своей слабости, неспособности что-либо сделать в сложившихся обстоятельствах, эта музыка, можно так сказать, самокритична.

Вообще эмо звучит по-разному в зависимости от эпохи, поэтому традиционно выделяют три волны эмо:

Также стоит отметить ревайвал-сцену, которая появилась чуть позже третьей волны как ответ на коммерциализацию жанра. В этой сцене произошло развитие идей первой и второй волны, их смешение, экспериментирование с жанром (в том числе развитие элементов мат-рока, у истоков которого также стояли некоторые исполнители мидвеста).

Ну и, конечно же, скримо-сцена, которая вроде как эмо, но и не эмо одновременно, поэтому в данной статье я не буду уделять внимание скримо-альбомам, а просто закину в упоминания в конце списка (да и имхо скримо — просто техника вокала, так что в отдельный поджанр с характерными чертами я очень с натяжкой его могу отнести).

В этой статье я не буду останавливаться на третьей волне (а просто закину её в упоминания) , так как
а) считаю, что исполнители этого периода достаточно известны сами по себе (ибо сложно найти человека, который хотя бы раз не слышал о Fall Out Boy, Panic! At The Disco, Paramore и My Chemical Romance);
б) не сильно разбираюсь конкретно в этой эпохе, потому что звучание мне не близко;
в) хотел бы показать эмо именно с необычной для многих стороны, а не как музыку для «депрессивных», крашенных в чёрный девочек.

к оглавлению

Начало начал, величайший альбом в истории жанра, основоположник всего... который как эмо не звучит, исполнители которого ненавидят эмо и вообще ни разу не эмо-альбом. Странная ситуация.

Rites of Spring - точно не эмо-группа в её современном понимании. Никакой меланхоличности, никакой загадочности, всё очень прямо: я - ничтожество, как же меня все бесят. Энергичный, злой, панковский заряд подростковой агрессии почему-то произвёл на свет абсолютно непохожий на себя жанр, который знают и любят тысячи людей по всему свету.

Мощно врывающийся опенер «Spring» музыкально будто бы воплощает в себе "традиционный" американский хардкор, но так сильно контрастирует с текстом, переполненным тоской по ушедшим дням. Такой сбивающий с толку момент...

Когда в первый раз прослушиваешь альбом, не обращая внимания на текст, не читая его, а слушая только шумный панк-рок, ты не понимаешь, а что же такого нашли в этой стандартной по звуку, в общем-то, для того времени записи. Но лишь услышав слова, услышав рассказ Ги Пиччотто, вокалиста группы, можно понять, насколько открыт к тебе вокалист, что позволяет заглянуть в такие глубины души, которые люди обычно не выставляют напоказ.

Протест, если позволите так выразиться, группы заключается в отсутствии границ между слушателем и исполнителем. Автор считает, что имеет право высказать то, что он думает о своей жизни, а мысли его тяжелы и самоуничижительны.

Но, к сожалению, музыкальная форма тут никак не помогает выразиться. Она не подчёркивает текст, на который явно делался упор, она лишь отвлекает, отводит внимание в абсолютно другую сторону, будто бы в последний момент Rites of Spring передумали делать революцию и решили, что их высказывание останется не замеченным никем.

Но его заметили.

И понеслось: Embrace, Fugazi, One Last Wish, Rain - это те группы, которые находились под влиянием RoS или состояли из её участников. Некоторые пытались подражать, некоторые пытались быть противоположны звучанию команды Пиччотто, но важно именно то, что началось образование и развитие сцены.

Тут я немного слукавил: ну нельзя отнести Slint к эмокору полностью, но всё же я не мог не включить Spiderland в этот список. Долго сомневался (настолько, что сначала хотел делать лонг лишь про девять альбомов) , но потом переслушал эту запись и решился.

Slint — буквально одна из самых влиятельных андерграунд-групп девяностых. Именно они служат предтечами и второй волны эмо, и мат-рока, и пост-рока, и современного постхардкора.

Звук записи очень мрачный, очень грузный (если можно так вообще описывать звук). Мне сам альбом чем-то напоминает работы Эдгара По: тоже чувствуется безнадёжность и некая мистичность происходящего. Особенно это достигается с помощью текстов, напоминающих больше полноценные короткие рассказы.

Репетативные риффы будто бы затягивают тебя в какую-то реальность кошмарного сна, где ты лишь пассивный наблюдатель событий, безразличный ко всему происходящему. В то время как «коллеги» пытаются вытащить эмоции из слушателя, Slint являются именно рассказчиками истории: тёмной, страшной. И непонятны причины этого страха — слушателю ничего не угрожает — но всё равно пробирает до каких-то мурашек.

Slint стали проводником для многих групп жанра из-за своей экспериментальности при общей минималистичности звучания. Они показали, что панк-музыка может быть сложной, что лирика эмокора вполне уживается с математическими риффами и эмбиентом.

Самый странный альбом в истории жанра. Он, внезапно, больше мне напоминает… блэк метал?

Это состояние транса, в которое вводит запись, двенадцатиминутная молитва (?) какому-то неизвестному богу, занимающая центральное место в альбоме, очень мощное и агрессивное начало так напоминают мне «Filosofem» Burzum, что я не мог отделаться от этого ощущения всё время прослушивания.

Только это было за три года до культового альбома Варга, да и думаю, что любые совпадения с этим происходят исключительно у меня из головы.

Как будто бы продолжая тему кошмара Slint, Moss Icon создают дистопичную картину безысходности, в которой человек сам себя не контролирует. В «Mirror» — первом треке альбома — прямо говорит о том, что ненавидит самого себя за слабость, которую он проявляет, потом напряжение всё более и более нарастает, чтобы затем вылиться в соимённую альбому композицию, наполненную пространными размышлениями о смерти и Боге. В финале же он остаётся счастлив, так как уносится от этой психоделичной по своей сути реальности, отрекаясь от себя, от своего прошлого и Бога. Скорее всего, главный герой совершает "sui caedere" и настоящее предстаёт перед ним ничем.

Этот странный в рамках жанра комментарий, который будто бы пронизан поэзией уже упомянутого По и образами жуткой современности, изображаемой на обложке альбома в виде некого идола. Да и сама группа создаёт вокруг себя ореол абсолютной таинственности: они пришли почти что из неоткуда и ушли в никуда, выбросив на свет только один полноценный лонгплей и пару епшников и синглов. Ещё и это непонятное, загадочное слово Lyburnum, ставшее заглавным для альбома. Что бы оно могло значить?

к оглавлению

Если Rites of Spring можно полноправно назвать «отцами» жанра, то Sunny Day Real Estate — это уже иконы. И дело тут не только в коммерческом успехе их дебютника, но и в том, что «Diary» звучит как настоящий, каноничный эмо-альбом.

Вообще всё началось с выхода «Nevermind» в 1991. До недавнего времени я не осознавал даже, насколько влиятельна запись Нирваны, но, по сути, именно она «вытащила на свет» андерграундную сцену США (да и не только США), которая долгое время томилась в колледжных тусовках и местных группах, не стремившихся создавать альбомы, нацеленные на большие массы людей. Именно успех альбома Нирваны подтолкнул продюсеров к поиску новых талантов, среди которых и оказались Sunny Day Real Estate.

SDRE началась невероятно обыденно: по сути, два друга-соседа по кампусу Вашингтонского университета — гитарист Дэн Хорнери и басист Нэд Мендель (он позже попадёт в Foo Fighters) - как-то раз поджемовали вместе. Потом подключили барабанщика Уилла Голдсмита (он потом тоже будет играть в команде у Грола) и вокалиста/гитариста Джереми Энигка, который стал фронтменом (кстати, группа развалится после выхода второго альбома отчасти из-за того, что Энигк сильно ударится в религию).

«Diary» был выпущен инди-лейблом Sub Pop в 1994. Я не зря уточнил, что лейбл был нацелен на выпуск инди-музыки: в звучании группа сильно отошла от своих хардкорных корней. Во-первых, звонкий и мелодичный голос Энигка не давал того нужного "крика", который был принят в эмокоре, а, во-вторых, сами музыканты склонялись в сторону более медленных грувовых композиций. От этого альбом звучит всё ещё очень эмоционально и достаточно тяжело (для инди) .

Вообще один из весомых плюсов альбома для меня — наиканоничнейшие тексты. Тот же опенер «Seven» рассказывает историю человека, попавшего в автомобильную аварию и отказывающегося принять факт того, что он теперь изуродован. Фронтмен грозит слушателю в припеве: "You'll taste it!" ("Ты и сам узнаешь, каково это!").

А вот музыкально хоть меня ничего и не впечатлило, но зато явно видно, откуда растут «ноги» у третьей волны с её вроде простыми для прослушивания, но бодренькими треками. Нельзя сказать, что музыканты проделали какую-то невероятную техническую работу, но музыка явно работает на создание правильного настроения нервного срыва. Песни прежде всего по-хорошему впечатляют и уже вошли в культурный код жанра (даже спустя почти двадцать лет после выпуска альбома именно SDRE удостоились «камео» в «Южном парке» (s17е4)) .

Да, можно обвинить группу в начале «опопсевания» эмо-музыки, она стала предвестником ухода эмо в мейнстрим, но нельзя и отрицать влияние звука и стиля, которые для жанра стали каноничным.

Вообще оригинальное название альбома звучит именно как «Burritos, Inspiration Point, Fork Balloon Sports, Cards In The Spokes, Automatic Biographies, Kites, Kung Fu, Trophies, Banana Peels We've Slipped On, And Egg Shells We've Tippy Toed Over». Просто нормальный человек это не выговорит.

Cap'n Jazz вообще поразительная группа: в то время как прошёл всего год с релиза Diary, вокалист Тим Кинселла (вокалист группы) не стал ворчать о том, как испортилась панк-музыка, и не начал подражать другим командам, начавшим творить в стиле SDRE, а пошёл по своему, уникальному пути.

Музыка Cap'n Jazz абсолютно беспорядочна и хаотична. При первом прослушивании сразу на песне «Little League» кажется, что ты попал в голову какого шизофреника: инструменты почти что не стыкуются друг с другом, ритм хаотичен, ну и что-то там визжит на фоне Тим. Абсолютная асинергия. И именно через этот бардак и достигается понимание группы.

Cap'n Jazz представляет из себя группу подростков с гиперактивностью, настоящих панков: они взяли и разрушили всё, что делали в жанре до них, послав куда подальше и традиционный американский хардкор, и прилизанную поп-панковую стилистику групп новой волны. Cap'n Jazz прекрасна в своём уродстве, и только преданный слушатель, у которого хватило силы воли не выключить альбом на первом же треке, сможет понять вообще-то красоту данной музыки, её комплексность и выразительность.

А про влияние группы вообще говорить и смысла особо нет. Его буквально описывает мем:

Сначала я хотел поставить сюда именно их первый альбом «Power of Failing» (неплохая запись, кстати), но всё же склонился именно к последнему релизу группы, просто потому что она гораздо сильнее и качественнее дебютника.

«EndSerenading» — очень искренняя, очень душевная работа группы, которая явно выражает её особенный стиль. По сути, каждая песня в альбоме — послание к очень близкому человеку (скорее всего, конечно, возлюбленной) , та самая «серенада», вынесенная в название. И да, эти послания не очень многословны, некоторые песни вообще состоят из пары четверостиший на пять минут хронометража, но тут важно то, как эти мысли посылаются к человеку.

Представьте, будто бы вы читаете письмо: допустим, оно небольшое, но вы, видя почерк человека, замечая дрожание ручки в его руках по неровно выведенным буквам, можете считать его эмоции в тот момент, даже не зная всей картины. В «EndSerenading» слова не имеют сильного значения — важна именно атмосфера, именно чувство, с которым музыка посылается к слушателю. И музыка здесь говорит намного больше, чем в первом альбоме.

«Power of Failing» звучит мощно, немного грубо и истерично (особенно это заметно в финальном треке «Parking Lot», где в конце песни вокалист Крис Симпсон буквально срывается и призывает смеяться над самим собой за совершённую ошибку), тема «провала» задаётся прямо с названия самого лонгплея.

Второй же альбом стал звучать мягче, намного нежнее и осторожнее, с такой любовью к своему адресату, с таким поэтическим воздыханием, что ассоциации со средневековыми песнями-посланиями возникают сами собой.

Не могу сказать, что все технические решения альбома мне нравятся (некоторые из них доработает группа, о которой поговорим чуть ниже) , но прослушивание доставляет невероятное удовольствие. А последняя песня в альбоме «TheLastWordIsRejoice», ставшая, к сожалению, последней в творчестве группы на много лет, является логичным завершением пути самого коллектива: последнее слово, последнее мгновение, что мы уловили с группой, всё равно было радостным, несмотря на горечь будущего расставания.

Группа, которая стала, по сути, символом и главным мемом мидвест-движения, но бывшая абсолютно неизвестной в момент выпуска своего первого альбома, немного уже «замылилась» в глазах фанатов второй волны. American Football не были так же успешны, как SDRE, сильно отличались от других групп сцены своим минималистичным звуком, в особенности от «старшего брата» Cap’n Jazz (причём буквально «старшего», так как Майк Кинселла (один из основателей American Football) был барабанщиком в Cap'n Jazz и младшим братом Тима Кинселлы, который являлся вокалистом и гитаристом в Cap'n Jazz).

Майк вместе со своим соседом по комнате Стивом Холмсом и барабанщиком Стивом Ламосом основали группу, фактически, от нечего делать. Сайд-проект, который находился под влиянием, с одной стороны, хардкора и инди-рока (за что отвечали Кинселла и Холмс), а с другой стороны — джаза (его очень любил Ламос), принял необычную для того времени форму: длинные, почти полностью инструментальные композиции со странными размерами и нестандартными решениями (в особенностии для эмо-жанра) . Ориентирами группы служили одновременно и The Cure, и композитор-авангардист Стив Райх.

Сам альбом, уж извините за выражение, шедеврален. Невероятная техническая работа, тягучая атмосфера позднего лета и ожидания перемен в жизни, которые романтически мыслящим сознанием уже не подростка, но ещё и не взрослого, воспринимаются особенно чутко. Запись очень тихая, очень интимная и очень чувственная. Всё время прослушивания сидишь, затаив дыхание, будто бы боясь спугнуть такую хрупкую музыку.

Кинселла почти шёпотом доносит всю нужную информацию до слушателя, при этом текста — это не философские размышления, а именно что обрывки каких-то мыслей, которые витают в воздухе, но не могут быть высказаны напрямую. Альбом очень честный, он не пытается строить из себя что-то великое или претенциозное, он очень прост, и в этой простоте скрывается чистота души.

Риффы шикарны, хотя, по сути, такого сложного в них ничего нет. Но чтобы написать такую легендарную тему, как в «Never Meant», нужно быть просто гением. Потому что все треки на альбоме невероятно узнаваемы и оригинальны, будь это хоть восьмиминутная «Stay Home» или же приджазованный медлячок (мой любимчик) «The One with Wurlitzer», с замечательной партией трубы, добавляющей светлой, доброй меланхолии ко всей работе.

Это просто маст-хэв, который нужно услышать каждому. И тут я не говорю ещё про культурное влияние группы буквально на всю мат-рок и эмо сцены. Просто лучшая запись во второй волне точно, если не во всём жанре. Да, поначалу может быть сложно привыкнуть к странной структуре песен, к постоянным, гипнотизирующим повторениям «математических» риффов, но эта пластинка стоит того, чтобы с ней познакомиться. Поздние работы группы, какими бы хорошими они не были, не идут ни в какое сравнение с их дебютником.

к оглавлению

По сути, «What It Takes To Move Forward» может служить прекрасным примером того, как нужно грамотно перерабатывать материал предшественников, создавая на его основе отличную музыку. Если вслушаться в альбом, то можно сразу же различить влияние уже упомянутых Mineral: схожий микс, схожая стилистика.

Но Кит Латинен явно ведёт свою команду в другом направлении: там, где у Mineral возникала «стена» звука, в которой сложно различаются партии инструментов, у Empire! всё разложено максимально чётко, структура выверена, баланс соблюдён.

Тем самым ещё пронзительнее оказывается музыкальная составляющая: вступительный рифф «How To Make Love Stay» пробирает до дрожи. В сочитании с одним из самых противных, но при этом и эмоциональных голосов в жанре (при всей моей любви к группе, у Кита Латинена — один из худших вокалов на лайвах, который я слышал), создаётся непохожий на других саунд.

Долгие проигрыши с повторяющимися фразами (тут уже отдаётся дань American Football) создают интригу и ожидание развития музыкальной части, которое происходит в нужный момент: слушателю уже начинает надоедать песня, но тут она меняется в самом неожиданном направлении. Альбом не даёт скучать, он крайне интересен, несмотря на всю простоту технической реализации.

Ещё нельзя не оценить повествование в альбоме: по сути, вся запись — это анализ из разряда "Что и когда пошло не так?". Лирический герой пытается разобраться в своих чувствах к бывшей любви, при этом проходя через все стадии принятия «неизбежного». История завершена и полноценна, что позволяет получить ощущение продуманной работы. Ну а переход к бонусным трекам в японской версии альбома, которые начинаются буквально с песни «Archive Footage» (то есть «Материалы из архива»), я считаю очень изобретательным. Имхо, бонусный «Actually, I'm Just Wearing Your Glasses» — это непризнанный шедевр.

А Кит Латинен — вообще очень важная фигура в жанре и до сих пор. Его лейбл «Count Your Lucky Stars Records» дал возможность открыть новых артистов инди-сектора и до сих пор стремится поддерживать интерес в исполнителях эмо-музыки.

В то время как Empire! склонялись к звучанию второй волны, Kidcrash явно объединяют шумовую стилистику первой волны и групп типа Cap'n Jazz с мат-роковым направлением второй. Их альбом Jokes является, наверное, самой точной современной передачей эмокора — жёсткий, грубый звук, скриминг. При этом вместо брейкдаунов стоят быстрые утяжелённые мидвест-риффы.

Начинается альбом с какого-то абсурдного «Turtlelephant» (буквально «Черепахослон»), который служит "эссенцией" звука группы. Неотёсанный, злой, быстрый, хардкорный. Этим запись сильно отличается от других, более популярных исполнителей ревайвала.

Но этот неповторимый драйв служит для именно для выражения эмоционального взрыва, служит для того, чтобы вбить прямо в мозг слушателю послание: текст не важен. Имеет значение только то, что слушатель захотел услышать в этой записи. Некий посыл в духе "автор умер". Настолько же бессмысленная запись, насколько и энергичная.

Kidcrash - это именно тот "отрыв", который даёт панк-музыка. Она показывает, что мидвест может отлично сочетаться и с каким-то полублюзом-полуметалом, создавая эклектичность и делая акцент именно на стиле исполнения, на его узнаваемости. Вот сколько групп я не переслушал, а Kidcrash всё равно кажутся одними из самых оригинальных исполнителей. Думаю, это лучший альбом, чтобы войти в жанр, для людей, любящих именно тяжёлую музыку.

Внезапно (по крайней мере, для этого списка) TTNG — британцы. Хотя они играют скорее мат-рок, но вот первый альбом коллектива можно однозначно отнести к эмо-ревайвалу: уж слишком много в нём элементов жанра.

Альбом Animals, несмотря на название, с концепцией животного мира почти не заигрывает. Просто во время записи в студии песням дали «клички» в честь разных представителей фауны, а потом уж вокалист Стьюарт Смит набросал какой-никакой текст, причём далеко не всегда связанный с выбранным животным.

Но, вне зависимости от моего разочарования из-за отсутствия развития некоторых идей, альбом просто невероятен. Вот правда, говорю честно: это один из моих любимейших альбомов вообще.

Настолько изящный подход к сочинению и технике мало где можно увидеть. Риффы очень странные, но в то же время такие стильные и узнаваемые, да и сыграть так, как это делает Тим Коллис, сможет далеко не каждый. То, что на первый взгляд кажется каким-то «комком» из нот, на самом деле по ходу прослушивания становится невероятно увлекательным экспериментом.

Замечательный вокал Стьюи с теми самыми оттенками эмокора, отличные ударные Криса Коллиса и простой, но от этого такой необходимый в этом хаосе, бас Дэна Адамса — все элементы стоят там, где нужно, и делают то, что нужно. Ну и без музыкальных отсылок к American Football в треке «Elk» не обошлось (классика, куда уж денешься).

Просто поразительный альбом.

Вот так мы пронеслись с вами по истории жанра. Надеюсь, что смог заинтересовать хотя бы кого-нибудь в таком нишевом развлечении.

Вообще не могу не сказать, что эмо для меня — это прежде всего что-то очень близкое, очень юное и слегка наивное. Но всё же это замечательный жанр со своими собственными взлётами и падениями.

Статья, если кто не понял, - жесткий ИМХО (хоть я и старался объективно подбирать группы из списка), поэтому можете покидать свои любимые группы жанра в комментарии, буду рад ознакомиться с новыми исполнителями.

Ниже прикрепляю плейлист с некоторыми другими исполнителями, которые в статью не поместились, в том числе и отечественные, ну и всяческим околоэмо.

Спасибо за то, что прочитали этот лонг!

#emo #emocore #midwestemo #music #screamo #punk #indie