Эй, Лютик, сыграй ту самую! (эссе о саундтреке The Witcher 3: Wild Hunt)

Третья часть серии игр, посвящённой приключениям ведьмака Геральта из Ривии после возвращения с Острова Яблонь (метафорического мира мёртвых, где он успел прожить ещё одну жизнь, гораздо более спокойную и приятную, нежели то, что происходило с ним на просторах Темерии и не только), получилась одной из лучших игр в истории. Конечно, по поводу The Witcher 3: Wild Hunt, особенно на выходе, были в том числе и споры, что в целом неудивительно. Я с трудом могу вспомнить за последние несколько лет настолько громкие проекты, которые сразу же со старта оказывались идеальными со всех точек зрения. Были и баги (они, справедливости ради, есть до сих пор), была и не самая лучшая оптимизация, но всё это быстро исправили.

За исключением, разве что, очень топорной боёвки, в которой, кажется, смешались вообще все проблемы, которые обычно присущи RPG-боёвке (почти полное отсутствие импакта из-за того, что враги могут поглотить очень большое количество ударов, слишком долгие бои по той же причине, явное преимущество некоторых врагов за счёт всё того же искусственно раздутого здоровья и так далее). Хотя, как минимум набор анимаций, особенно если прокачивать красную ветку навыков, гораздо разнообразнее, чем в других фэнтезийных RPG, например, серии The Elder Scrolls. Однако в остальном третья часть похождений Белого Волка до сих пор многими считается одной из лучших RPG. Именно она возвысила CD Projekt Red, сделав её едва ли не самой народно любимой игровой студией в мире. В том числе из-за неё в сочетании с раздутым маркетингом у игроков и появились настолько невероятные ожидания от Cyberpunk 2077, которая по итогу оказалась просто весьма неплохой игрой, но сейчас не об этом.

Не в последнюю очередь культовость третьей части игр о Геральте объясняется тем, насколько хороша там музыкальная составляющая. Для The Witcher 3: Wild Hunt написали не просто хорошие темы, которые дополняют атмосферу игры и приятно слушаются в отрыве от неё. Как минимум основные боевые композиции, колыбельная вампирши, песня Присциллы, тема Каэр-Морхена – все эти музыкальные произведения получили завидно активную жизнь за пределами игры. При этом, что важно, не стали мемами – это именно любовь аудитории, признание того, что эта музыка действительно заслуживает того, чтобы существовать вне игры.

Люди записывают каверы на них на самых разных инструментах, делают разборы и создают расширенные версии на несколько часов. И раз уж у нас недавно были целых две знаменательные даты для франшизы: день рождения Анджея Сапковского, автора оригинальной саги, и двадцатилетний юбилей CD Projekt Red, – предлагаю немного покопаться в основном саундтреке The Witcher 3: Wild Hunt (без двух дополнений, хотя в них музыка ничуть не менее шикарна) и разобраться в том, почему он так хорошо работает на уровне чуть более глубоком, нежели простое утверждение, что «это отличная музыка».

Написали музыку для игры Марцин Пшибылович и Миколай Строинский, а в записи некоторых треков им помогала фолк-группа Percival. Для них всех The Witcher 3: Wild Hunt – главная работа, наверное, до сих пор, хотя для Пшибыловича Cyberpunk 2077 если не по народной любви, то степени амибициозности проекта точно стоит выше. При этом нельзя сказать, что до этого композиторы были особенно известны в игровых кругах. Пшибылович успел отличиться только мастерским звуковым дизайном и звукорежиссурой для Vanishing of Ethan Carter, а также несколькими треками из саундтрека The Witcher 2. Послужной список его коллеги Строинского был лишь слегка внушительнее – помимо той же Vanishing of Ethan Carter, при работе над которой композиторы и познакомились, он попадал в поле зрения геймеров разве что как автор композиции для трейлера Dark Souls 2 (про другие проекты в духе Bee Simulator и Mouse Craft я тактично промолчу).

При этом как минимум Пшибылович, казалось бы, не очень подходил для написания фолкового саундтрека, ведь его образование джазового дирижёра подразумевает несколько иное. Однако его желание работать в сфере видеоигр, а также предыдущие опыты сотрудничества с CD Projekt Red не только убедили польскую студию назначить его своим основным композитором, но и прислушаться к его словам о том, что им буквально необходим Миколай Строинский. Как показывает время, студия не ошиблась – оба композитора показали, что они не просто профессионалы и мастера своего дела, но и прекрасно умеют уловить настроение игры, её суть и дух, чтобы потом передать их игрокам, создав таким образом один из лучших саундтреков среди AAA-проектов.

Что немаловажно, это точно не было случайным попаданием. Пшибылович и Строинский совместно работали и над саундтреком к дополнению Blood And Wine, который также очень понравился игрокам. После такого успеха было закономерно, что для обоих композиторов путь в мир игровых саундтреков открыт. Строинский после этого написал ещё весьма неплохие композиции для Ghost Sniper Warrior 3 и Age Of Empires IV (опускаю саундтрек для Gwent, поскольку это тоже часть ведьмачьей музыки). Пшибылович, помимо того, что окончательно закрепился в качестве основного композитора CD Projekt Red и вместе с П. Т. Адамчиком и Полом Леонардом-Морганом записал отличнейший саундтрек для Cyberpunk 2077, успел выступить основным создателем музыки ещё для нескольких игровых и киношных проектов.

Причём если последнее закрепляло за ним статус композитора, которой якобы может писать только вот эту всем понятную и хорошо знакомую фэнтезийную музыку, пусть и с очень явным авторским почерком, то вот Cyberpunk 2077 позволил ему выйти из тени Ведьмака и доказать, что он и с электронной музыкой тоже умеет неплохо работать.

К чему вся эта история? К тому, что саундтрек The Witcher 3: Wild Hunt это, с одной стороны, счастливое стечение обстоятельств, ведь шанс того, что не самый опытный молодой композитор и более опытный его коллега, который до этого в основном писал музыку для фильмов и сериалов, смогут написать крутую и по-настоящему запоминающуюся музыку для очень амбициозной игры довольно мал. С другой стороны, это всё же закономерно качественный итог, поскольку в своих будущих проектах оба композитора доказали, что они не просто пишут хорошую музыку, но прекрасно понимают, как делать саундтреки именно для игр.

Получается, что польская студия буквально вытянула козырную карту: и раскрыли новые таланты для мира видеоигр, и получила шикарный саундтрек. Хотя, как видится со стороны, выбор этот был сделан с большего вслепую – несмотря на то, что у игр серии уже сложился свой определённый и узнаваемый стиль звучания, всё же ни Пшибылович, ни Строинский не могли похвастаться солидным резюме в области видеоигр, а музыка для них, как известно, пишется всё же по немного другим правилам, нежели музыка для фильмов.

Лично я делю игровой саундтрек на несколько типов композиций. Делаю я это не только для того, чтобы легче было сортировать у себя в голове все музыкальные произведения, ведь их в некоторых больших проектов набирается на несколько часов, но и потому, что в действительности разные внутриигровые темы пишутся с разными целями. Соответственно, они используют разные приёмы для достижения этих целей и по-разному работают на игрока.

Для себя я придумал следующее деление: темы персонажей (чаще всего этими треками нас знакомят с персонажем, крайне редко бывает так, что эти треки звучат в игре часто), темы значимых мест или мест, в которых игрок часто бывает (например, тема Маджулы из Dark Souls 2, которая, если судить по статистике Spotify, является самым популярным треком из этой игры), сюжетные темы (они звучат в кат-сценах или просто связаны с какими-то конкретными сюжетными и побочными квестами) и геймплейные темы (они звучат в игре очень часто, например, это боевые треки или темы для мини-игр).

Конечно, это деление далеко не железобетонное, потому что многие композиции из саундтрека можно с лёгкостью растасовать по двум, а то и трём категориям. В той же серии Souls почти весь саундтрек состоит исключительно из тем боссов. Это одновременно и сюжетные темы, ведь в соулсах, фактически, весь сюжет для большинства игроков состоит в том, что надо убить очередных королей или богов по очень сомнительным причинам, и темы персонажей, поскольку боссы уникальны и, если покопаться в сюжете, являются полноценными личностями (вспомнить только, насколько хорошо передаёт трагедию случившегося тема Гвина из Dark Souls), и геймплейные темы, поскольку игрок слышит эту музыку в самые напряжённые моменты прохождения.

Однако в The Witcher 3: Wild Hunt всё же это деление плюс-минус работает, поскольку структура у игры более плавная, там, в отличие от Cyberpunk 2077 есть поставленные сцены как на движке игры, так и в виде красивых пререндеренных роликов, есть и постоянно повторяющиеся бои, и большое количество знаменательных мест, которые запоминаются игроку не только благодаря внешнему виду и связанным сюжетным событиям, но и благодаря музыке.

Да и в целом, как ни странно, третья часть серии игр про Геральта ощущается гораздо более комплексной, нежели похождения наёмника Ви в Найт-Сити, а потому не удивительно, что и саундтрек там работает лучше. Да и в целом вряд ли кто-то будет спорить с тем, что людям гораздо приятнее слушать более классические пафосные оркестровые аранжировки и средневековый фолк, нежели суровый электронный даб ещё и смешанный с роком и металом. Но это уже небольшой отход от темы, давайте вернёмся непосредственно к саундтреку.

Очарование саундтрека третьей части серии The Witcher складывается из нескольких элементов, которые Пшибылович и Строинский умело сочетают между собой, чтобы добиться уникального звукового ландшафта. Это один из лучших примеров того, как писать музыку к интерактивным развлечениям.

Первый и самый заметный для большинства людей ингредиент этого музыкального блюда (особенно для западной аудитории, ведь там это считается экзотикой) – элементы славянской народной музыки. Для этого Пшибылович пригласил польскую фолк-группу Percival – именно этот коллектив мы слышим в самых узнаваемых фолковых композициях саундтрека. Однако это не только узнаваемая музыка с использованием свирели, цимбал, домры и византийской лиры, но и характерное пение – в мире аутентичная музыка славянских народов в первую очередь ассоциируется именно с различными вокальными жанрами, начиная от колядок (например, одна из украинских колядовых песен стала основой для популярнейшей в Америке рождественской мелодии, которую мы могли слышать в «Один дома»), заканчивая различными плясовыми обрядными песнями.

Пшибылович это также прекрасно понимал, поэтому во многих самых запоминающихся треках мы слышим и вокальные партии на польском языке. Сам текст мало связан с событиями игры, однако пение нужного эффекта повышения напряжения добивается, тем более большая часть игроков не знают польского, поэтому можно предположить, что Пшибылович изначально рассматривал вокальные партии исключительно как ещё один музыкальный инструмент, а не как некий дополнительный элемент для помощи повествованию. И это в целом абсолютно закономерно, ведь зачастую музыка для игр начинает писаться задолго до того, как появляется некий конкретный сценарий – часто композиторам приходится довольствоваться исключительно общим концептом и сеттингом.

Второй элемент саундтрека, который также сильно цепляет людей – магическая средневековая атмосфера, которую создают многие треки, поскольку в них используются аутентичные старинные инструменты, а в качестве референса композиторы часто выбирают реально существующую музыку Средневековья, дошедшую до нас благодаря историкам музыки, реставраторам и просто разного рода энтузиастам. Людям нравится такая музыка – не просто так на ютубе существуют сотни, а то и тысячи часовых подборок с названиями в духе Fantasy Music From Medieval Tavern, а также каверы на современные песни в medieval style.

В ней есть своё особенное очарование, потому что она действительно звучит так, будто бы она была написана где-то не здесь, в другом мире с магией и драконами. Я не музыковед, моя область специализации – литература, однако всё же рискну предположить, что, скорее всего это связано с особенностями композиции, свойственным светской музыке Средневековья, а также тембром инструментов (различных флейт, всевозможных вариаций мандолины и лютни), который современному человеку кажется довольно экзотическим, а потому привлекает.

Два этих элемента делают саундтрек третьего Ведьмака не просто очередной чисто проходной музыкой для какого-нибудь фэнтези-боевика, а интересным для разбора целостным и многожанровым произведением искусства. Но, разумеется, саундтрек состоит не только из средневековой народной музыки. Довольно часто здесь можно услышать и более классические примеры score-композиций с использованием современного струнного оркестра. Зачастую такие композиции также работают весьма неплохо, потому что в основном звучат в тех моментах, где пафос такого оркестра весьма уместен. Но всё же, как показывает статистика прослушиваний на спотифае, людям больше нравятся или чисто medieval folk или хотя бы его сочетание с оркестром – таких примеров в The Witcher 3: Wild Hunt тоже предостаточно.

Сразу скажу: лично мне кажется, что самой слабой частью саундтрека являются темы персонажей, поэтому начнём с них, чтобы потом разбираться с более интересными композициями саундтрека. Это не значит, что треки плохие, вовсе нет, они исполнены и записаны на стабильно высоком профессиональном уровне, который мы слышим на протяжении всего саундтрека. Однако, на мой вкус, персональные темы лишены того особенного очарования, которым могут похвастаться всем известные боевые треки из этой игры или, например, темы Каэр Морхена и островов Скеллиге. Не в последнюю очередь это моё мнение основано на том, что во многих персональных темах композиторы отдали предпочтение более форматной score-музыке с использование струнного камерного оркестра.

Для примера возьмём три композиции: Geralt Of Rivia; Eredin, King Of The Hunt и Emhyr var Emreis. Все три персоналии, которые презентуют нам эти треки – крайне важны не только для игры, но и для мира, придуманного Сапковским, в целом, несмотря на то, что непосредственно на страницах книг Эредин и Эмгыр появляются довольно редко, а в играх и того реже. Все три персонажа являются представителями трёх явно противоборствующих сил, которые не могут ужиться вместе, но и не сталкиваться между собой тоже не могут.

Геральт – человек, который обладает талантом, умом и силой, но при этом занимает низкую ступень в социальной иерархии, из-за чего не может претендовать хоть на какую-то власть. При этом, нельзя сказать, чтобы у Геральта притязания на власть были – он наоборот старается держаться как можно дальше от королей и их интриг. Однако правители, такие как властолюбивый и расчётливый Эмгыр, всё же постоянно пытаются использовать способности и полулегендарный статус Геральта в каких-то своих целях. Эредин же в данном случае представляет собой антагонистичную силу, которая противостоит абсолютно всему, преследуя при этом с большего свои собственные корыстные и низменные интересы.

Тема Геральта в целом довольно неплохо подходит его характеру. Тем более это как раз отличный пример сочетания средневековых мотивов с привычными для всех любителей масштабных игр и фильмов музыкальными приёмами в духе Циммера. Начинается эта тема довольно спокойно, постепенно набирая обороты, чтобы в третьей части, затихнув буквально на секунду, взорваться уже полноценным оркестром с использованием самых разных инструментов. Но вот как раз из-за этой последней части у меня музыка совершенно расходится с тем, каким нам был представлен Белый Волк как в книгах, так и в играх.

Этот персонаж абсолютно лишён пафоса типичных героев фэнтезийных саг, даже от рыцарского титула он в своё время буквально сбежал. Его путь – не громогласные победы, а постоянные лишения, неверные решения, борьба с собственным сложным характером. Излишний оркестровый пафос финальной части композиции мне кажется совсем неуместным в теме Геральта, тем более в ней совершенно нет напряжения, а ведь именно это чувство, как я помню, сопровождало меня на протяжении всего чтения саги и плотно ассоциируется с беловолосым ведьмаком.

В противовес этому тема Эредина, Короля Дикой Охоты и, фактически, главного злодея во всех многочисленных мирах вселенной Ведьмака, наоборот кажется слишком тихой и спокойной для завоевателя миров. Существа, которое одним своим появлением внушает ужас. Эредин сеет смерть, он убил собственного короля, а его амбиции простираются невероятно далеко. Да, в Eredin, King Of The Hunt определённо чувствуется угроза благодаря шипящей металлической перкуссии в начале и нервной скрипке. Также отличной находкой является и то, что темы Геральта и Эредина явно перекликаются мелодически – два этих персонажа связаны Предназначением, судьбой, именно в их бою решится судьба мира Геральта. Можно сказать, после знакомства Геральта с Цири, Эредин и ведьмак идут по одной дороге судьбы, рано или поздно там должно было стать тесно, собственно, этот момент мы и видим в игре.

Однако Эредин, которому как раз свойственен пафос и агрессия, что прекрасно можно было бы передать при помощи оркестра, в своей теме предстаёт опасным интриганом, действующим из тени. Это, скорее, похоже на Аваллак’ха, ему бы эта музыка подошла идеально. Эредин, как мне кажется, гораздо лучше описывается музыкой более агрессивной и маршевой – такие композиции в саундтреке тоже есть, так что она бы точно не выбилась из общего фона.

Зато вот тема Эмгыра прекрасно передаёт всю суть этого персонажа. Все инструменты там звучат так, как будто музыка исполняется в величественном каменном зале, барабаны тихие, но уверенные, а нарастающая мелодия, проводимая струнными, вместе с эффектами прекрасно подходит Белому Пламени, Пляшущему На Курганах Врагов. В этой композиции чувствуется сдержанность, расчётливость и холодность императора Нильфгаарда, но при этом музыка хорошо справляется и с тем, чтобы передать величественность этого человека, скрытую в нём действительно впечатляющую силу. Да, возможно, её нельзя назвать суперзапоминающейся, потому что всё же она довольно типична для фэнтезийных игр, но, тем не менее, свою задачу презентации персонажа она выполняет превосходно.

Зачастую, на самом деле, именно темы персонажей являются самой слабой частью любого саундтрека, ведь обычно они звучат всего один раз за игру, презентуют нам персонажа, который или довольно быстро отойдёт на второй план, или будет участвовать в событиях, где музыка нам запомнится гораздо больше. Но иногда бывает и наоборот.

В качестве примера можно взять, например, тему Ви из Cyberpunk 2077, которая и о характере нам много рассказывает, и звучит отлично, и даже немного спойлерит сюжет, если понимать, каким именно образом развивается мелодия. Или песня, которая не является собственно темой персонажа, но очень запоминается игрокам и хорошо характеризует как персонажа, так и печальную судьбу всей его расы. Помните момент The Witcher 2: Assasins of Kings, когда нам впервые показывают Йорвета? Он, сидя на дереве, играет на флейте очень запоминающуюся мелодию, в которой, кажется, заключена вся суть народа аэн сэйдхе, прекрасного, сильного, но жестокого и слишком гордого, чтобы выжить в мире, где правят люди, не терпящие пренебрежения.

У сюжетных тем задача несколько другая, чем у тем персонажей, но схожая. Эти композиции должны достаточно сильно выделяться на общем музыкальном фоне саундтрека, чтобы запоминаться, но при этом и вписываться в общий контекст, чтобы не выглядеть отдельно созданными музыкальными кусками, которые не вписываются в общий ландшафт. В отличие от тем персонажей, сюжетные композиции не рассказывают нам некую самостоятельную историю, не раскрывают нам конкретных персонажей, они менее самостоятельны.

В ключевые моменты сюжета игрок должен быть полностью сосредоточен на игре, поэтому музыка должна хорошо подчёркивать момент, но не перетягивать на себя внимание. Именно сочетание отличной музыки, важности момента и хорошей режиссуры в сцене создаёт действительно незабываемые игровые моменты, о которых потом хочется рассказывать друзьям. В то же время темы персонажей в основном презентуют нам нового героя, они если и не выходят на первый план, то играют такую же по значимости роль, как и наши впечатления от встречи с, например, Эмгыром в бывшей столице Темерии.

Сюжетные темы в The Witcher 3: Wild Hunt со своей задачей справляются прекрасно. Они действительно запоминаются и их легко можно слушать в отрыве от игры, но внутри проекта, в связке с повествованием и постановкой они раскрываются и демонстрируют сильные стороны как музыкального сопровождения, так и сюжета с режиссурой.

The Trail – композиция, которая вбирает всё лучшее, что есть в сюжетном саундтреке третьей части игр про Геральта. Она начинается с довольно медленного, двенадцатисекундного вступления, где мы слышим сначала одну женщину, поющую в характерной для славянского народного песнопения манере, а потом и целый хор. При этом вступление довольно медленное, но при этом нагнетающее, с небольшим затуханием перед вступлением хора и последующим перетеканием вокальной партии в партию инструментальную, которая больше всего похожа на боевую тему. Однако потом снова идёт несколько секунд тишины, после чего начинает играть куда более спокойная основная мелодия, которая в свою очередь взрывается мощнейшей оркестровкой в сочетании с хоровым пением.

Этот трек, который мы слышим самым первым в игре, сразу демонстрирует нам все сильные стороны саундтрека. Во-первых, это, конечно, прекрасное использование вокальных партий, которые, в отличие, например, от многих композиций в серии Souls, где композиторы также часто используют хор, играют здесь роль не просто заполнителя музыкального пространства, но важного инструмента. Более того, я бы даже сказал, что вокал в этой композиции – инструмент основной, именно он, совместно со струнными, проводит основную мелодию, которая и запоминается в этой композиции лучше всего. Но если струнные дают мелодии основной характер, то хор отлично подчёркивает самые эмоциональные моменты, создаёт напряжение и в нужные моменты помогает мелодии достигнуть пика.

Во-вторых, струнный оркестр, который сегодня является едва ли не основным инструментом для решения самых разных творческих задач у всех композиторов score-музыки, начиная от признанных мастеров жанра Ханса Циммера и Эннио Морриконе, заканчивая более локально известными авторами, в этой композиции хорошо сочетается с фолковыми мотивами. Таким образом микс из классической и народной музыки даёт нам, с одной стороны, нужное ощущение масштабности разворачивающегося перед нами действия, с другой же стороны несколько заземляет композицию, добавляет ей вариации темы, а также меняет настроение с просто пафосного (что обычно сочетается с некой общей эмоциональной пассивностью) на боевое, маршевое и напряжённое (соответственно, более активное).

В-третьих, я ещё не раз буду говорить об этом в отношении геймплейных тем, здесь во всей красе раскрывается умение Марцина Пшибыловича пользоваться ударными. Ритм – основное оружие любого композитора наравне с мелодией, и Пшибылович, учившийся на джазового дирижёра (в джазе ритм это основа всего, базированная база, так сказать), прекрасно это понимает.

Именно поэтому в The Trail такой явный упор делается на партии ударных и её сочетании с акцентами, которые расставляет хор. В следующем своём проекте Пшибылович также отдаст главенство почти во всех композициях ритму, пригласив для записи сэмплов ударных барабанщика Nine Inch Nails. Однако в игре с фэнтезийным сеттингом жёсткие индастриальные ударные не подошли бы. Пшибылоавич здесь предпочитает большие барабаны, использование которых характерно для многих народов мира в различных ритуальных песнях, а также различные небольшие перкуссионные инструменты, например, бубны. В The Trail магический ритм обрядовых мотивов сменяется более стремительным маршевым.

Ну и, наконец, в-четвёртых, The Trail – многочастная композиция, где части не просто сменяются одна одной без каких-либо плавных переходов, как это иногда бывает у современных мат-коровых и постметальных групп, а плавно перетекают друг в друга, давая нам возможность за одну композицию испытать довольно широкий спектр эмоций.

Благодаря совокупности этих четырёх факторов я могу смело говорить, что The Trail сочетает в себе всё лучшее, что вообще есть в саундтреке третьей части игры про Геральта. Это и боевой настрой, и талантливое использование фолковой музыки, в особенности характерной вокальной манеры, и шикарные ударные, позволяющие композиции разгоняться и достигать кульминации. The Trail сразу задаёт настроение всей игре – это будет далеко не лёгкая прогулка. В нашем игровом путешествии будет хватать как напряжённых моментов, так и спокойных, как взлётов, так и падений, как восторженного пафоса, так и низменной грязи. The Trail – буквально небольшой музыкальный экскурс в то, что нас будет ждать, приоткрытая дверь во вселенную Сапковского.

Однако не только боевиками может похвастаться сюжетная часть саундтрека The Witcher 3: Wild Hunt. Лирические композиции тут тоже есть, причём их немало, и они точно не уступают в качестве более грандиозным и бойким произведениям. В качестве примера возьмём меланхоличные лирические композиции King Bran's Final Voyage и Farewell, Old Friend. Обе эти композиции мы слышим в похожем контексте – Геральт в присутствии других героев прощается с одним из персонажей вселенной Сапковского. Однако персонажи эти и для игрока, и для Геральта, и для мира имеют совсем разное значение.

Король Бран важен для островов Скеллиге, ведь именно он является тем лидером, кому почти удалось полностью искоренить междоусобную вражду кланов и объединить большую часть из них для процветания народа архипелага. Это видная политическая фигура не только среди кланов, явно вдохновлённых викингами, но и во всём мире, ведь именно благодаря его стараниям континенту теперь стоит опасаться могущества Скеллиге. Однако для самого Геральта Бран не был ни другом, ни даже близким товарищем. Да, Геральт уважал его за силу и свойственную жителям островов искренность, но вряд ли мог бы сказать, что хорошо его знает. Для ведьмака Бран был, скорее, достойным уважения королём, за которым, как и за другими коронованными особами, лучше следить издалека.

Именно это и подчёркивает King Bran's Final Voyage. Это очень спокойная, размеренная, но величественная мелодия, которая прекрасно соответствует настроению сцены, в которой она звучит. Да, Бран умер, к сожалению, ведь мог бы ещё много сделать для народа островов Скеллиге, он был лучшим королём за всю историю. Однако в этой мелодии почти нет места для грусти. В этой композиции воплощено уважение народа, которое заслужил Бран. Да, King Bran's Final Voyage довольно типовая: струнные навевают печаль, смешанную с торжественностью, однако здесь этот пафос не давит, ведь кульминации так и не наступает.

Это спокойное прощание, наполненное достоинством и верой в будущее с опорой на прошлое. Прошлое, которое не хочется забывать и от которого не хочется открещиваться, однако это не прошлое Геральта. Он здесь уважаемый воин, но всё-таки не свой. Прошлое и будущее народа Скеллиге не связано с ним, именно поэтому King Bran's Final Voyage звучит как бы немного отстранённо и издалека.

Весемир же, напротив, был для Геральта отцом, наставником и другом, одним из самых близких людей, к которому он раз за разом возвращался на зимовки в Каэр Морхен и всё время находил там самый тёплый приём. Смерть Весемира – личная трагедия Геральта, тем более он понимает, что частично тоже в ней виноват, ведь, не будь его, Дикой Охоте бы не было нужды нападать на Каэр Морхен. Именно поэтому в оркестровку, очень похожую на то, что мы слышали King Bran's Final Voyage, сразу же вмешивается скрипка, которая и будет проводить основную мелодию на протяжении всей композиции.

Именно скрипка и делает Farewell, Old Friend гораздо более эмоциональной, мы чувствуем, что здесь преобладает именно грусть, тоска. Причём это настроение тоже развивается – сначала это зарождающееся осознание того, что все ведьмаки Школы Волка теперь осиротели. Все, кто присутствует на проводах Весемира, видели в нём не просто старого ведьмака, но наставника, друга, отца или дедушку. И чем лучше все это осознают, тем более печальной становится скрипка, на пятидесятой секунде переходя на рыдание.

Однако после того, как этот скрипичный плач достигает своего пика, фоновая музыка оркестра начинает меняться, в ней появляются более светлые мажорные нотки. В самом конце композиции скрипка замолкает, остаётся только оркестр, благодаря чему финал получается довольно жизнеутверждающим – несмотря на значительную для Геральта потерю, он должен жить дальше. Тем более Весемир погиб так, как хотел, в бою с монстрами. Всё равно ещё ни один ведьмак не умирал в своей постели.

Теперь перейдём к темам значимых мест. У них тоже весьма своеобразная задача, вытекающая из того, что звучат они, в отличие от сюжетных тем или тем персонажей, не только в определённые моменты игры, а почти постоянно во время путешествия игрока по той или иной локации. Соответственно, в более общем плане их специфика заключается в том, что он не должны быть слишком яркими – в таком случае игроку довольно быстро надоест их слушать, а это в свою очередь может довольно плохо сказаться на его общих впечатлениях от игры.

Но в то же время их не стоит делать и слишком серыми, потому что из-за этого многие локации могут смазаться, ведь, кто бы что ни говорил, а звуки играют в восприятии игр ничуть не менее важную роль, чем визуальная составляющая. Композиторам приходится соблюдать баланс между тем, чтобы музыка была красивой, приятной, а также хорошо передавала «характер» локации, и тем, чтобы она не выходила на первый план и не слишком отвлекала игрока от происходящего на экране. Проще говоря, это должен быть приятный, но не очень разговорчивый спутник в вашем путешествии.

Как мне кажется, этот баланс оба композитора соблюли идеально. Все музыкальные темы одновременно и запоминаются, и хорошо сочетаются с той локацией, в которой они звучат, но при этом не раздражают тебя во время долгих забегов по улицам Новиграда или болотам Велена. Они становятся очень важной частью нашего путешествия в мире Ведьмака, наделяют каждую локацию особенной атмосферой и уникальным характером, благодаря этому острова Скеллиге от Велена отличаются не только визуальной атмосферой, что логично, но и аудиальной.

«Высокий и зелёный Спикероог, горы и вершины которого тонули в облаках» – один из островов Скеллиге. Он средних размеров, но один из самых немноголюдных в архипелаге, потому что даже островитяне не настолько суровы, чтобы селиться в горах Спикероога. Это слишком опасно, а почва здесь не настолько плодородна, чтобы нашлось достаточно смелых людей, чтобы поселиться на острове. Но при этом Спикероог, как и другие острова архипелага Скеллиге, не лишён своего сурового очарования северной природы.

Именно это и постарался передать Строинский в прекрасном сочетании струнных, которые создают обволакивающий мерцающий музыкальный фон, и флейты с волынкой, проводящих основную, довольно лирическую мелодию. При этом композиция развивается, сначала нас встречает флейта, словно мы впервые подходим к Спикероогу и его вершины начинают едва видимыми силуэтами выступать из рассветного тумана. В середине же мелодия достигает своего пика – остров открывается для нас во всей красе, после чего с небольшими затуханиями и всплесками мелодия продолжает развиваться, ведь мы, как и метафорический мореплаватель, наслаждаемся красотой этого места.

Это одновременно и очень «хрупкая» музыка, подчёркивающая тонкую красоту северной природы, магическую таинственность островов Скеллиге, и величественная, ведь Спикероог находится в море дольше, чем любая империя, и будет встречать море каменной грудью ещё вечность. Строинский идеально соблюл этот баланс благодаря оркестровой фоновой аранжировке и такому лирическому инструменту как флейта. Также он очень грамотно несколько раз за композицию использует и вокальные вставки, которые, словно хор предков грозных жителей Спикероога, напоминают нам о великом прошлом и, хочется верить, не менее великом будущем этого гордого народа.

Похожим очарованием обладает и The Fields Of Ard Skellig. Но если Spikeroog был в первую очередь, как мне кажется, про красоту и простоту природы, про первозданное величие островов, то The Fields Of Ard Skellige больше про то, как живут люди на этих островах. Эта композиция один из самых лучших примеров использования реверберации, эха и гула. Они создают ощущение, что песня летит над безлюдными просторами Ард Скеллиге, чтобы вырваться в море к рыбаку, при этом перед глазами слушателя проносятся красивейшие панорамы. Это, наверное, самая красивая композиция из всего саундтрека. Слушаешь её и как будто сам становишься одним из островитян архипелага Скеллиге. Да, эта композиция входит в альбом только в том случае, если вы предзаказали игру, на спотифае её нет, но всё равно послушайте её, она очень красивая.

Здесь хорошо работает не только основная мелодия, сыгранная на скрипке или виолончели, но и женский голос, который поёт о рыбаке. The Fields Of Ard Skellig это интерпретация песни «Fhir a' bhàta», шотландской гэльской песни конца 18 века. В версии Мартина Пшибыловича это стало песней о любви не только к человеку, но и к традиции, к родному берегу и морю. Эта композиция в сочетании со Spikeroog прекрасно передаёт всю суть островов – таких суровых и неприступных, полных людей, которые готовы при любой возможности схватиться за боевые топоры. Но при этом от красоты архипелага захватывает дух, а люди эти, несмотря на свою жестокость и вспыльчивость, умеют быть благодарными, они ценят свои традиции и культуру, что в каком-то смысле их делает даже более цивилизованными, чем народы континента.

Ну и конечно, говоря о темах значимых мест, нельзя вспомнить и абсолютно прекрасную тему Каэр Морхена – старого полуразрушенного замка, который уже много лет является оплотом Школы Волка. Ощущения от мелодии лютни, флейты и фоновых проигрышей струнного оркестра такие, какие и должны быть от прослушивания композиции, посвящённой дому главного героя. Спокойствие и умиротворение царят в затерянном в горах Каэр Морхене, куда не попасть без ведома ведьмаков, это место, где благодаря Весемиру, ведьмаки могут найти приют после своих опасных будней, состоящих из схваток с монстрами и путешествий из деревни в деревню без гроша в кармане.

Но при этом музыка настолько лёгкая, прозрачная и ускользающая, в отличие от красивой, но в определённом смысле фундаментальной The Fields Of Ard Skellig, что понимаешь: Каэр Морхен – лишь временное пристанище, укрытие от непогоды, которая всё равно рано или поздно настигнет. После смерти Весемира уже не факт, что хоть кто-нибудь из них захочет сюда вернуться. Возможно, скоро Каэр Морхен совсем обветшает и останется лишь тенью памяти в сознании всего нескольких людей. Но пока это тёплое место, наполненное приятными воспоминаниями и уютом родного дома, Геральт наслаждается этим, пока есть возможность, что и передаёт композиция Kaer Morhen.

Почти полной противоположностью является The Hunter’s Path, тема Велена. В отличие от очень конкретных в своих выразительных средствах Spikeroog и Kaer Morhen, где при помощи довольно небольшого количества инструментов, композиторы добиваются превосходного эффекта вырисовывания пейзажа перед глазами игрока исключительно благодаря музыке, The Hunter’s Path идёт несколько иным путём.

Здесь мы наоборот слышим много инструментов: и скрипка, и виолончели, и лютня или гитара, и много видов перкуссионных инструментов, каждый из которых издаёт какие-то свои уникальные звуки. Как и сам Велен, его тема полнится различными шорохами, всплесками, а основная мелодия явно своими медленными завываниями должна наталкивать нас на ассоциации с болотами и опасными лесами, в которых на каждом шагу таится опасность. Здесь ты буквально из окна собственной хаты можешь видеть, как по болотам ходят утопцы, или слышать, как в соседних эльфских руинах завывают призраки.

The Hunter’s Path – очень мрачная, медленная композиция, от которой становится неуютно, но как раз поэтому она и подходит настолько хорошо такому месту, как Велен. Композиторы окончательно доказали, что могут справиться с любыми задачами, начиная от создания уютной атмосферы убежища, заканчивая созданием композицией для самых враждебных к игроку мест мира The Witcher 3: Wild Hunt.

Выходим на финишную прямую – внутриигровые, геймплейные темы. В первую очередь, конечно же, это темы, которые звучат во время сражений с противниками – подобное будет происходить довольно часто, причём как в рамках сюжета, так и в рамках обычного исследования мира, ведь вокруг Геральта всегда полно опасностей, начиная от обыкновенных бандитов и враждебно настроенных дезертиров из темерской армии, заканчивая самыми опасными монстрами, среди которых мелкие накеры – одни из самых безобидных.

Задача боевых композиций схожа с задачей музыки для локаций, но всё же для геймплейных, особенно боевых композиций, крайне важно заполнять собой больше пространства. Они расставляют акценты в битве, заставляя игрока действовать или более плавно и размеренно, как, например, темы многих боссов в серии Souls, или наоборот бежать напролом и уничтожать всё, что попадает в поле зрения, как это делает, скажем, Cyberpunk 2077.

Они не просто передают ту или иную атмосферу, их задача куда менее тривиальная – пассивно и как бы незаметно подталкивать игрока к выбору определённой стратегии поведения, при этом не выбивая его из общего ритма сражения и не перетягивая на себя слишком много внимания. В принципе, примерно к этому же сводится и задача других геймплейных тем – подчёркивать то или иное настроение, помогать настроиться, но не быть слишком настойчивыми, чтобы не надоесть игроку во время второй или третьей попытки пройти какой-нибудь квест, связанный с мини-играми или ареной.

Ну и, конечно, говоря о боевых темах в The Witcher 3: Wild Hunt, мы так или иначе обращаем своё внимание на один из лучших дуэтов боевых тем в истории: Silver For Monsters... и ...Steel For Humans. Первая звучит во время сражений со многими чудовищами в открытом мире, в то время как вторая, как не трудно догадаться, во время сражений с людьми. И, несмотря на то, что в принципе две эти композиции довольно похожи, даже используют плюс-минус одинаковый набор инструментов, каждая из них идеально подчёркивает именно особенности поединков Геральта с людьми и чудовищами

Silver For Monsters... начинается довольно плавно, там нет ударных, нужный напряжённый ритм создаёт некий гитароподобный инструмент, а также виолончельный фон. Геральт никогда не сражается с монстрами с наскока, ведь каждый из них сильнее и опаснее любого даже самого подготовленного человека. Тем более сильные чудовища прячутся, создают себе логова в труднодоступных и скрытых от человеческого глаза местах. Прежде, чем отправиться на заказ, нужно выяснить, с кем предстоит столкнуться, найти логово, понять, как выманить чудовище оттуда, создать эликсиры, которые помогут в бою. Только потом – в бой. Именно эту охоту и символизируют первые пятьдесят секунд композиции.

Потом Геральт всё-таки находит чудовище – вступает вокал, который нарастает вместе с остальными инструментами буквально несколько секунд, чтобы потом взорваться в бесконечной кульминации с периодическими затуханиями и вспышками. Бой с чудовищем – это всегда вопрос жизни и смерти, безумный танец, где ведьмак выкладывается на полную, показывает все знания и умения, которые приобрёл за долгие годы занятия своим ремеслом, ведь если окажется, что чего-то ему не хватает, то срезанным кошельком с монетами дело точно не ограничится.

В Silver For Monsters... довольно рваный темп, ведь монстры непредсказуемы. Охота не похожа на поединок на мечах так же, как схватка с диким зверем в лесу не похожа на дуэль – человек предсказуем, его действия довольно легко предугадать, тем более для мутанта, который во всём превосходит обычного человека, а вот чудовище не учило трактатов по фехтованию. Ими руководят инстинкты и рефлексы, которые порой заставляют их совершать неожиданные действия, и если ведьмак не сможет на них вовремя среагировать, то удобрит землю. Именно поэтому, несмотря на то, что большая часть композиции – кульминация с рваным темпом, музыку нельзя назвать слишком резкой, в ней присутствует некий первобытный темп битвы между природой и человеком. Благодаря чувству этого ритма Геральт и побеждает чудовищ.

В то же время ...Steel For Humans наоборот буквально врывается с ноги. Здесь сразу и ударные, и быстрый танцевальный темп, который уже не кажется таким рваным и непостоянным, что постоянно повторяющиеся фразы песни только подчёркивают. Поединки с людьми обычно происходят гораздо более внезапно, чем сражения с монстрами, ведь, как известно, ведьмаки не охотятся на людей. Во всяком случае, большинство из них. Обычно драки завязываются внезапно – слово за слово в таверне, кто-то кого-то толкнул, горячие парни похватались за мечи, а через минуту ведьмак уже стоит весь в крови.

В таких вот боях нет никакого испытания, нет ничего на самом деле опасного, ведь Геральт уже не раз и не два выбирался из серьёзных передряг, где ему приходилось в одиночку сражаться с десятком гораздо более серьёзных противников, чем люди барона или преступники Новиграда. Даже подготовленные рыцари, военные и охотники за колдуньями не могут ничего противопоставить ведьмаку, который зарабатывает на жизнь мечом больше, чем любому из них лет.

...Steel For Humans напряжённая, быстрая, этого у неё не отнять, но это напряжение профессионального боксёра перед боем, где он уверен в победе. Здесь нет и капли той неопределённости, которая есть в Silver For Monsters..., ведь, сколько бы гулей ты ни убил, один из них всегда может легко достать тебя со спины. Монстры – дикие и необузданные, их не получится обмануть финтом, а их когти зачастую нельзя отклонить мечом. С людьми проще, это танец, где Геральт всегда, без исключений, является ведущим.

Две эти композиции прекрасно показывают, что и Пшибылович, и Строинский очень хорошо понимают, как писать музыку для игр, ведь, как минимум, где ни остановишь любую из них, всё равно будет казаться, что прослушал полноценный трек. Они идеально передают настроение, при этом пользуются ровно тем же набором музыкальных инструментов и прочих художественных средств, что и другие композиции саундтрека.

Ничуть не хуже работает и The Nightingale, звучащая во время гвинта и хорошо передающая атмосферу посиделок в корчме за очередной партеечкой благодаря очень размеренному ритму и бодрой мелодии, а также акцентом, расставленным, судя по всему, домрой. Cloak And Dagger стремительным ритмом и намеренно медленной мелодией флейты, которая постепенно ускоряется, сразу ассоциируются с неким азартным спортом, коим и являются скачки, где эта композиция звучит.

Марцин Пшибылович и Миколай Строинский проделали действительно впечатляющую работу. Они создали гигантское музыкальное полотно, где продемонстрировали не только возможности собственного композиторского таланта, но и в целом потенциал игровых саундтреков как не просто сопровождения к любимому многим развлечению, а самостоятельных, цельных проектов.

Здесь хватает и пафосных тем, которые впечатляют своим величием. Есть и лирические композиции, настраивающие на меланхоличный лад, ведь даже в жестоком мире Ведьмака есть время, чтобы остановиться, задуматься о вечном и немного погрустить. Ну и, конечно, большое количество быстрых, боевых композиций, которые раскрывают все прелести этой музыки на максимум. Саундтрек The Witcher 3: Wild Hunt – один из лучших примеров того, как может и должна звучать музыка в играх до сих пор.