«Excelsior!»: как команда художников построила Marvel Cinematic Universe

Особенности и секреты творческого процесса Marvel Studios.

Ещё 15 лет назад идею общей киновселенной по мотивам комиксов мало кто воспринимал всерьёз. Даже само издательство Marvel относилось к задумке скептически и долго не решалось профинансировать производство собственных фильмов. Сейчас же Marvel Cinematic Universe — крупнейшая кинофраншиза в мире.

Киновселенная — результат коллективного труда многих людей. Правда, в то время как режиссёры Marvel обрели огромную любовь и поддержку фанатов, актёры получили хороший разгон для карьеры, а продюсер Кевин Файги стал одним из самых влиятельных людей в Голливуде, большая часть команды так и осталась в тени. В особенности Marvel Visual Department — художники, придумавшие то, что мы увидели на экране.

В Marvel Studios художники определяют как будут выглядеть герои, культовые сцены и инопланетные миры, нередко ещё до прихода режиссёра в проект. Мы изучили многочисленные интервью и книги серии «Art of Marvel’s» и теперь рассказываем вам, как создаются фильмы MCU.

Прежде всего, необходимо упомянуть человека, чей колоссальный труд послужил основой, отправной точкой киновселенной. Речь идёт о Джеке Кёрби — художнике, который вместе с писателями Стэном Ли, Ларри Либером и колегами-иллюстраторами Доном Хеком и Стивом Дитко создал вселенную комиксов Marvel. Именно воображение Кёрби подарило миру образы таких культовых персонажей, как Железный человек, Капитан Америка, Тор, Халк, Люди Икс и Фантастическая четверка.

Несомненно, влияние самих историй про героев сложно переоценить, но, ещё до того, как читатель прочитает хоть пару страниц комикса, его внимание привлечёт обложка с героем, с моментом, застывшим во времени, с символом. Именно Кёрби вместе с товарищами смог создать настолько яркие, самобытные образы персонажей, что они прошли более чем полувековую проверку временем.

При помощи всего нескольких цветов и пары незамысловатых линий Джек Кёрби смог рассказать о героях, их характерах, достоинствах и недостатках. Искусство комиксов во многом изобразительное, и высший его пилотаж — рассказать историю в нескольких иллюстрациях, передать сложные эмоции через несколько символов и метафор. Кёрби можно справедливо считать таким же отцом Marvel Comics, как и легендарного Стэна Ли.

При создании киновселенной команда художников во многом унаследовала обязанности Джека Кёрби. Именно на их плечи легла задача заново вообразить, осовременить старых героев, сделать их близкими и понятными новому поколению.

Получилось это всё, конечно, не сразу. Это сейчас успех кинокомиксов Marvel выглядит бесспорным, но десять лет назад всё было иначе. Несмотря на успешные экранизации Людей Икс и Человека-паука сама Marvel никогда непосредственно не занималась адаптацией комиксов. Несомненно, зрители бы не приняли прямое перенесение старых историй на экран, как это было с кинокомиксами ХХ века. Нужно было изобрести новый киноязык, но никто не знал, каким именно образом. В «The Art of Iron Man» режиссёр Джон Фавро даже сравнивает суматоху во время сьёмок первого «Железного человека» с историей создания «Звёздных войн».

Именно тогда руководство Marvel приняло ряд стратегически правильных решений, одно из которых — сбор собственной команды профессиональных художников. Вместо ситуативной проработки каждого отдельного фильма, продюсеры студии учредили Visual Department.

Началось всё с того, что Джон Фавро и Кевин Фейги пригласили в команду Райана Мейнердинга, который возглавил новоиспечённый отдел.

Но Marvel не ограничилась созданием такого отдела — она ещё и выдала ему небывалые полномочия. Художники свободно участвовали в обсуждении будущей истории, предлагая собственные идеи продюсерам и режиссёрам.

Зачастую, арт-отдел начинал трудиться над концептом фильма задолго до того, как проект получал «зелёный свет» от руководства и обзаводился режиссёром. А неиспользованные или отброшенные идеи не исчезали зря, а оставались на рабочем столе — на будущее.

Отдельного упоминания в цитате Мейнердинга достойно сравнение арт-отдела с мостом между реальным и вымышленным. Много кто из сотрудников студии может описать костюм злодея словами «продуманный», «реалистичный» и «футуристичный», но именно от художников зависит то, каким будет результат.

Можно много рассказать о том, как команда смогла заставить нас поверить, что герои в разноцветных костюмах могут быть частью нашего мира, но результат работы художников ярче всего подчеркнул режиссёр Джон Уоттс:

И ещё один ключевой фактор успеха MCU — принцип, что каждый художник продолжает вести своего героя в следующих фильмах.

Сейчас над MCU работает намного больше художников, чем во время её зарождения, но руководящие должности занимают всё те же люди, что и десять лет назад.

Возможно, именно эти несколько простых принципов обеспечили киновселенной Marvel стабильность и успех, сохранив её вид и тон на протяжении 22 фильмов.

Само же создание фильмов Marvel, вопреки распространённому мнению, сложный и трудоёмкий процесс, полный своих особенностей. Разберём его поэтапно и выясним, какой вклад в него вносит арт-отдел.

Взять из истории несколько ярких сцен, улучшить их современной компьютерной графикой и украсить парочкой трендовых образов — такой рецепт вполне годится для среднебюджетного летнего блокбастера.

Marvel же собиралась строить целую киновселенную, для которой нужен был более прочный фундамент. Так что самым логичным решением было начать создание фильмов с истоков — знакомства с комиксами. Прежде чем приступить к работе, команде нужно было понять смысл, заложенный в более чем полувековых историях.

За популярностью Железного человека и Капитана Америка всё же стоит нечто большее, чем просто яркий полёт фантазии. Каждый из героев был порождён своей эпохой, и Стэн Ли с Джеком Кёрби своими историями попадали в важные для общества темы.

Marvel Comics всегда старалось писать о таких же простых людях, как и их читатели, а значит проблемы у них должны быть соответствующие.

Взять к примеру Тони Старка. В самых первых комиксах он так же попадал во вражеский плен, но не на Ближнем Востоке, а во Вьетнаме. Это был разгар Холодной войны, так что сражаться ему приходилось не с арабскими фундаменталистами, а с вьетконговцами, которых поддерживал СССР.

Для многих американцев Железный человек стал не просто гениальным изобретателем, а символом того, как американский капитализм при сравнительно меньших ресурсах способен обхитрить, обогнать и переиграть неповоротливую советскую военную машину.

Сейчас бы такая история смотрелась архаично, и ориджин Железного человека пришлось адаптировать к реалиям двадцать первого века. Результатом творческих поисков арт-отдела стала зарисовка, которую можно увидеть ниже.

И в то же время далеко не все истории можно было осовременить. Комикс о Капитане Америка создавался исключительно в контексте Второй мировой войны. На обложке первого выпуска, вышедшего ещё в 1941 году, Кэп не просто сражался с солдатами Третьего рейха, он бил по лицу самого Гитлера.

Это было красноречивое социальное заявление художников о том, что Америка не должна оставаться в стороне от катастрофы, постигшей Европу, что она обязана вмешаться и защитить свои ценности перед агрессором.

Да, это была откровенная пропаганда, и в тоже время авторы Marvel посчитали своим долгом не просто развлекать публику, а твёрдо высказаться на столь важную тему.

Студия долго не могла придумать, как же сейчас рассказать подобную историю, и в итоге решила перенести её на экран без изменений, сделав акцент на том, что Кэп символизирует для общества.

«Первый мститель» многим показался чересчур наивным и полным бравады, но именно такими были первые комиксы о кэпе, и Marvel умышленно сделала всё, чтобы передать дух того времени.

Возможно самый яркий пример того, насколько важен в фильмах Marvel контекст — «Чёрная пантера». Для многих незнакомых с особенностями американского менталитета остаётся непонятным, почему фильм 2018 года настолько важен. Режиссёр Куглер даёт исчерпывающий ответ на этот вопрос.

В «Чёрной пантере» Marvel вышла далеко за пределы классических историй о добре и зле и воспользовалась уникальной возможностью рассказать поколению афроамериканцев об утраченной родине.

У студии был всего один шанс на подобный фильм, и они хотели вставить настолько много обычаев и культурных символов, насколько можно. Поэтому арт-отдел ориентировался вместо привычных комиксов на настоящую культуру Африки.

Практически все маски, наряды, тотемы и символы в фильме имеют реальный прообраз и исторические корни.

Ярче всего это видно по одежде, которую носят племена Ваканды. Каждая из пяти групп основана на определённом этносе, и за каждой деталью одежды скрывается своя история.

В итоге, вместе с режиссёром и сценаристами отдел художников должен не просто бездумно адаптировать комиксный образ, а прочувствовать контекст, который скрывается за ним, понять вложенные в него идеи, осознать, почему и для кого это важно. Только после этого можно приступать к разработке фильма.

Все авторы, работавшие над фильмами MCU, сходятся в одном: истории Marvel, прежде всего, о человеческих характерах.

Так что неудивительно, что создание любой картины начинается с героя. Пусть образ протагониста и кажется несущественной деталью на фоне остального разнообразия на экране, это самая тяжёлая часть работы.

Создавая имидж, художники должны учесть не только особенности стилистики истории, но и рассказать визуально, что за человек на экране, чем он занимается, какой у него характер, какие его сильные качества и недостатки. Вплоть до эмоций, которые он сейчас переживает. Так что работа начинается с центральных элементов костюма.

Следует учесть, что внешний вид героев Marvel за прошедшие годы стал культовым, и в новых фильмах нужно было не просто придумать запоминающийся костюм, а осовременить образ, сделать его приземлённым и реальным.

Рассказать о профессии героя при помощи одежды просто, гораздо сложнее передать характер. Взять к примеру Тони Старка и Джеймса Роуди — оба героя сражаются в механических экзоскелетах, нередко плечом к плечу против общего врага. Но эксцентричный миллиардер совершенно не похож характером на сдержанного и непоколебимого военного. Все эти нюансы также нужно передать через образ, чтобы зрители интуитивно понимали, кто перед ними на экране.

Кроме того, многие могли заметить, как меняются костюмы героев от фильма к фильму. Дело вовсе не в том, что старые теряются или приходят в негодность. На самом деле, сами герои проходят путь в киновселенной, меняются их характеры и мировоззрение. И зачастую костюм должен отображать, какие эмоции преобладают у персонажа в нынешний момент.

Взять к примеру Капитана Америка. Его костюм сменился с яркой сине-красной парадной формы на практически однотонную в «Зимнем солдате», потому что у самого героя пошатнулась вера в былые идеалы США. И костюм передаёт это выразительнее любых зачитанных вслух монологов.

Одной из сложных задач был новый образ Человека-паука. Питер Паркер — один из тех героев, которые постоянно взрослеют, а «Возвращение домой» должно было показать начало его пути — последнее время в школе. И если Тому Холланду удалось умело сыграть школьника в свободное время, «на работе» показать юность паука сложнее. Всё-таки сложно определить возраст по классическому костюму. Впрочем, у команды нашлось несколько идей.

Конечно, во время разработки костюмов множество идей остаётся «за бортом». Для Капитана Марвел, например, придумали несколько десятков концептов футуристичной брони для периода, когда она была солдатом Крии. К сожалению, продюсеры так и не нашли ни один из них достаточно интересным, так что в итоге в фильм попала перекрашенная версия основной формы.

А альтернативные образы Соколиного глаза даже появились в виде детских игрушек, не дотянув всего чуть-чуть до финального монтажа.

Впрочем, у команды никогда не было «генеральной линии» того, как должны создаваться образы героев. В то время как Кэпу и Тони придали реалистичности, Тора создавали нарочито фэнтезийным рыцарем.

Отдельного упоминания заслуживает Танос с его приспешниками. Концепты Безумного титана рисовали с самого начала киновселенной, но несколько раз дизайн меняли. Всему виной фигура антагониста — Танос был больше и выше всех героев, но при этом он не должен был выглядеть громоздким. Наоборот, злодей поражал своей проворностью и точными, уверенными движениями.

Таносу не к лицу было захватить все миры в одиночку, поэтому вдобавок к его дочерям и армии Читаури Титану подчинялся Чёрный орден. Элитных бойцов задумывали как «альтернативных Мстителей» — достаточно сильных, чтобы оказать ощутимое сопротивление, но уступающих по могуществу Таносу.

Первые «Мстители» смогли убедить большинство зрителей, что такая разномастная команда может существовать. После того, как правила внутренней логики MCU закрепились в коллективном сознании, студия позволила себе более фантастических героев. Апогеем этого стал Вижн, чей образ и внешний вид наиболее близок к классическому супергерою.

В дальнейшем студия свободно экспериментировала с внешним видом своих фильмов. Ведь разные жанры, будь то политический триллер, фэнтези или космоопера, требовали своего визуального стиля. В будущем в киновселенной появится даже несколько хорроров.

Несомненно, руководство студии и отдел сценаристов тщательно следит за тем, чтобы события в разных фильмах не противоречили друг другу. Но художники тоже не должны забывать, что события истории обязаны вписываться в общую вселенную, выглядеть логично и естественно.

Но эти задачи второстепенны, важнее всего — создать хороший фильм.

«Теперь у Тони Старка есть сердце. Давайте построим всё остальное!» Именно эту фразу произнёс Джон Фавро, когда команда закончила работу над костюмом Тони Старка. Дальше их ждал долгий путь проработки всех остальных элементов фильма: локаций, битв, сцен.

Несмотря на то, что события всех фильмов MCU происходят в одной вселенной, каждая картина концентрируется на взгляде на мир своего протагониста.

Мир Тони Старка — это мир военных контрактов, футурологических выставок, вечеринок и высоких технологий. Это то, с чем он чаще всего сталкивается в жизни, а значит создатели должны изобразить как можно больше таких вещей на экране.

Поэтому в фильме нет ничего случайного или лишнего. К примеру, его особняк. Это не мог быть простой, взятый в аренду особняк миллионера. Это дом Тони Старка, а значит сногсшибательная роскошь должна соседствовать с хайтеком, а кажущаяся простота — с функциональностью.

Художникам нужно было создать дом, который мог бы придумать гений-миллиардер, так что пришлось изрядно помучиться, чтобы всё выглядело убедительно. Но в итоге особняк и подземный гараж без слов нам рассказали почти всё о герое фильма.

И так случилось не только с Тони, индивидуального подхода требовали все герои.

Бывало такое, что взгляд героя на мир должен был раскрыться в определённой сцене, моменте, движении. Например, переосмысление жизни прагматичным Стивеном Стрэнджем. Попав из Нью Йорка в Катманду, герой открыл для себя совершенно новый мир спиритизма. Мало было впечатлить персонажа — зритель должен был ощутить этот момент.

Точно такой же подход был к самой сложной сцене фильма — духовном путешествии сквозь мироздание.

На этом фоне приключения Человека-паука в первой сольной картине кажутся чем-то обыденным, детским. Так и задумывалось.

Для Паука имеет значение школьный бал, а не подпольные нарколаборатории картелей, поэтому ничего мрачного мы в фильме не видим, хотя действие происходит в том же городе, что и в полуофициальном «Сорвиголове» от Netflix. Продиктовано такое решение тем, что зритель должен видеть то же, что и герой.

Само собой, художникам помогают и все остальные члены съёмочной группы. Так, арт-отдел не знал, как нарисовать Милано Звёдного Лорда. Режиссёр Джеймс Ганн настоял, что корабль должен эдаким космическим маслкаром.

Интересный факт — для начала, художники нарисовали множество концептов кораблей, первых, что пришли в голову. Все их руководство отклонило, сказало думать дальше, и только тогда появились оригинальные идеи.

Не остались в стороне и актёры. К примеру, Том Хиддлстон очень помог команде сформировать окончательный вид Локи, подсказывая, что характерно, а что нет антигерою. В награду он получил фирменный рогатый шлем, с которым после не расставался.

А вот с его «братом» Тором произошёл курьёзный случай — Крис Хемсворт оказался слишком здоровым для кольчуги, и её пришлось быстро переделывать.

Бывало и такое, что художникам приходилось сразу создавать арты под конкретных актёров. К примеру, им пришлось нарисовать костюм Обадайи Стейна так, чтобы из него было хорошо видно Джеффа Бриджеса. Только так они уговорили актёра сниматься в фильме.

После создания ключевых рисунков костюмы воплощает в жизнь уже отдел дизайнеров. Впрочем, последние нередко присылают назад свои замечания и просьбы переделать дизайн. Всё же создание фильма — командный процесс, и Marvel Studios удалось настроить коммуникацию между разными специалистами.

В предисловии к фильму «Первый мститель: Другая война» братья Руссо вспоминают цитату Вальтера Хилла «Я люблю комедии, мюзиклы и триллеры как и все, но я убежден что именно экшены — основной жанр кинематографа» Режиссёры уточняют, что в 80-х под экшенами начали понимать попкорновые боевики вроде «Крепкого орешка», но это слишком узкий взгляд. В своей сущности экшен, действие — процесс достижения цели.

Несмотря на то, что это больше область ответственности режиссёра, художникам часто приходится делать раскадровки сцен и продумывать экшен в фильмах. Для этого требуется умение чувствовать ритм и рассказывать истории парой кадров. Это может быть как зарисовка битвы на мосту из «Другой войныд», так и мирная сцена в музее истории из того же фильма. Хотя зрители не увидят эти наброски, такая работа больше всего напоминает будни иллюстраторов комиксов.

Сцена должна не просто передвигать героя в нужное место, а иметь собственную историю, микронарратив. Много труда и времени забрала культовая сцена обгона Железным человеком сверхзвукового истребителя. Но она важна для фильма, потому как демонстрирует не только физические возможности брони, а ещё и целеустремлённость, перфекционизм Тони Старка. Таким образом Marvel за два часа удаётся рассказать намного больше о своих персонажах, чем записано в сценарии.

Такой подход применим и к злодеям. Их поведение, их действия должны дополнять историю. Одни из самых креативных в этом плане образов врагов — тёмные эльфы из «Тор 2».

Чтобы передать всю их чужеродность и враждебность, художники обратили внимание на внешность насекомых, а неровные, органические стены корабля отделали материалом, похожим на обожжённое дерево. Враг самим своим поведением, движением, способом жизни должен был вызывать дискомфорт. Не нужно было слов — зритель ощущал исходящую угрозу от таинственных пришельцев на уровне чувств.

Будь это обыкновенный фильм, после создания дизайна героев и интерьеров, а также проработки сцен работу художников можно было бы считать завершённой. Но в Кинематографической вселенной Marvel всё сложнее. Фильмы нужно создавать так, чтобы они учитывали наработки и идеи предыдущих, а вместе с этим оставляли несколько заготовок на будущее. Поэтому в арт-отделе есть несколько неочевидных принципов, которых необходимо придерживаться.

«Заходят как-то зелёный монстр, ветеран Второй мировой и миллиардер в бар за шаурмой» — довольно сложно принять такую завязку истории серьёзно. У создателей фильмов Marvel, впрочем, выбора было немного. Основу супергеройских историй поменять невозможно, так что команде нужно было сделать правдоподобным всё остальное.

Сценаристы и продюсеры нашли свои методы заземлить историю при помощи иронии, но и у художников работы хватало. Начало стиля заложил ещё Райан Мейнердинг в первом «Железном человеке», когда вместо бластеров и ярких футуристических устройств нам показали в основном реальную военную технику и оружие. Это было относительно нетрудно, и первого «Железного человека» самого по по себе можно воспринимать как обычную научную фантастику.

А вот со следующими проектами сложность возросла. Так, «Тор» — с самого начала был фэнтезийной историей про скандинавских богов. Многие отмечали, что сцены с профессором Селвигом и Джейн Фостер никак историю бога грома не дополняют, а только добавляют ей ненужных разговоров в духе «То, что вы зовёте магией, для нас наука». На самом деле, все эти разговоры нужны, чтобы история космических богов уместно смотрелась в практичном мире Тони Старка.

Художники, в свою очередь, создали множество концептов футуристического города. Асгард должен был выглядеть нарочито минималистично, с изящными башнями, словно сделанными из хай-тек материалов.

Другой пример — технологии Гидры из «Первого мстителя». Художникам нужно было придумать множество концептов нацистской техники — от автомобилей до стратегических бомбардировщиков. Команда нашла изящное решение: чтобы техника выглядела одновременно правдоподобно и футуристично, художники взяли за основу машины не 40-х, а 50-х годов.

В то же время дизайнеры Marvel Studios стараются избегать ярких, но ненужных деталей. У каждого элемента костюма или техники должен быть смысл, практическое применение. Руководство отдела настаивало на том, чтобы можно было объяснить предназначение всего, что мы видим на экране.

Со временем, правда, задача художников значительно усложнилась. Сейчас дизайн фильмов MCU должен базироваться не только на современных технологиях, но и на предыдущих картинах вселенной. Всё чаще авторам приходиться сдерживать свою фантазию и придавать предыдущим событиям больше значения.

Яркий пример взаимосвязи фильмов — «Человек-муравей». Фильм задумывался как история о гении, создавшем футуристический костюм для спасения мира. Всё бы ничего, но в киновселенной Marvel уже есть такой герой — Железный человек. Нельзя было создавать технологии Пима с чистого листа, ведь всему миру уже были доступны достижения Говарда и Тони Старков. Художники выкрутились из ситуации, добавив известным нам технологиям ретро-стиль.

Другая фишка линейки фильмов о Человеке-муравье — квантовое измерение. Совершенно новая область вселенной со своими законами. Но до этого зрители уже успели увидеть просторы космоса «Стражей галактики», а в будущем их ждала Мультивселенная «Доктора Стрэнджа». Так что квантовое пространство должно было выглядеть самобытно, и в тоже время узнаваемо.

В общих чертах, именно так создавалась фантастика во всех последующих фильмах. Хайтек «Мстителей» и «Капитана Америка» должен был гармонировать с разработками Тони Старка, а магия «Стрэнджа» и космос «Стражей галактики» не должны были выбиваться из тона «Тора».

Связь между фильмами прослеживается в самых незначительных деталях. Например, дизайн корабля Ронана в «Капитане Марвел» должен был напоминать о его крейсере из «Стражей галактики». И в тоже время в чём-то он выглядел более грубым, «неотёсанным». Зрители интуитивно понимали, что это более ранняя модель флагмана Кри.

В «Торе 2», наоборот, решили более подробно показать Асгард, и основные события в фильме происходили уже не в тронном зале и не на Радужном мосту, а в покоях, барах, подземельях и на улицах города. В сиквеле команда получила шанс воплотить в жизнь множество наработок, оставшихся неиспользованными в первом фильме.

Это же касается и собственной вселенной фильма. В MCU не северяне выдумали богов, а сами асгардцы послужили прообразом для легенд Севера, и все орнаменты, образы и символы нужно было передать в фильме.

«Целестиалы дали начало роду Одина. Скандинавские мифы в свою очередь повлияли на мировоззрение Гидры, а технологии нацисткой организации унаследовал Щ.И.Т., который также помогал в работе Говарду Старку… Подобные нити соединяют множество разрозненных фильмов в единую историю».

Зачастую нет времени передать все взаимосвязи сюжетно — история фильма концентрируется на арках героев, а не строительстве вселенной. Так что часто единственная возможность связать всё воедино — визуально, при помощи общих образов, символов и стилей.

А в особых случаях художникам приходилось думать ещё и о будущих фильмах. Например, в «Капитане Марвел», где мы первый раз сталкиваемся со Скруллами. У них в фильме эпизодическая роль, но значение расы обманщиков для вселенной Marvel сложно переоценить. Возможно, они сыграют ключевую роль в истории, которая ждёт нас в следующие 10 лет. А значит и вид у них должен быть особенный, продуманный.

В конце-концов Marvel Studios поставила перед собой действительно грандиозную задачу — не просто рассказать несколько историй, а перенести на экраны целую комиксную вселенную, которая непрерывно развивалась и дополнялась почти 60 лет.

«Мстители» 2012 года были самой тяжёлой в производстве и рискованной частью MCU. Если к сольным фильмам можно было подобрать тот или иной стиль, то в краеугольном фильме вселенной известные правила не работали. Во многом первые «Мстители» были испытанием веры для всех в Marvel Studios.

Несомненно, вся команда выложилась по полной — и режиссёр Джосс Уидон, и сценаристы, и актёры, и продюсеры. Художникам же нужно было объединить очень разных героев в одну команду так, чтобы вместе они выглядели естественно и правдоподобно.

Арт-отдел предусмотрительно «заземлил» внешний вид каждого из мстителей в сольных фильмах, а также оставил много визуальных подсказок и общих элементов, которые должны были появиться вновь. Но этого было мало. Тогда художники решили сделать акцент на красном цвете — общем для всех героев.

Символично, что 7 лет спустя, в трейлере «Финала» о красном цвете снова напомнили.

Приём сработал, Мстители как команда состоялись, а киновселенную ждал феноменальный успех. Последующие части лишь закрепили его, всё выше поднимая планку. Если первые фильмы киновселенной были революцией, то сейчас мы видим совершенствование идей, заложенных в неё с самого начала.

Таким вот образом, уже больше десяти лет Marvel Visual Department строит шаг за шагом всеми известную киновселенную, находя всё новые способы рассказать без слов историю о героях.

Конечно, по наработкам и гайдлайнам арт-отдела работают дальше другие команды, включая аутсорсные студии компьютерной графики. А работа над внешним видом картины заканчивается только после монтажа и специального ретуширования, о котором выпущено много видео.

Но между яркой, красивой задумкой режиссёра или продюсера и аккуратной, дословной её реализацией лежит очень много творческой работы, о которой мало кто задумывается.

В итоге остаётся только процитировать слова Джосса Уидона о Райане Мейнердинге и его команде:

«Райан необычайный творец. Выдающийся художник. Но прежде всего, он переводчик. Не просто между комиксами и фильмами, но также между настоящим и вымышленным, фантастическим и обыденным.

Так ходить между двумя видами искусства даровано немногим. Его бесчисленные концепты запечатляют в одном кадре целый момент — если не целый фильм. Его дизайны костюмов включают всё, что мы любим в герое с такой детализацией, что можно разглядеть ткань и швы. Я должен ему больше, чем могу сказать.

В конце-концов, он такой же фанбой, как и я сам. И его работы напоминают мне, почему».

#мстители #long #истории