Как передать масштаб и глубину в картине: разбираемся в перспективе и плановости

Какими способами можно показать перспективу? Как изобразить глубину с помощью тона? Как показать величину объекта, если он не весь поместился на холст? Об этом и других трюках перспективы — в статье.

У себя на YouTube-канале художник-иллюстратор Марко Буччи поделился несколькими способами показать перспективу в рисунке и придать работе визуальную глубину.

Около 600 лет назад великие художники Ренессанса оказали нам большую услугу — изобрели линейную перспективу. Они решили, что на картину всегда должен смотреть условный зритель, и уровень его глаз должен проектироваться бесконечно далеко в глубь холста. Так появилась линия горизонта. На ней мастера договорились отмечать точку схода, и, отталкиваясь от этой точки, чертить на полотне сетку, согласно которой будут расставлять объекты:

Если всё делалось правильно, то в картине появлялось революционное по тем временам качество — глубина.

Только что мы описали перспективу с одной точкой схода. Но если нам хочется посмотреть на те же объекты с другого ракурса, то можно использовать две точки. Обычно обе они лежат за пределами холста:

Расстояние между точками можно менять, и эффект от этого будет такой, как если бы мы меняли фокусное расстояние линз камеры:

Можно добавить и третью точку схода, не совпадающую с линией горизонта. Тогда для неё следует построить отдельную сетку.

Если третья точка будет выше горизонта, мы будем смотреть на объекты словно снизу вверх:

Если же она будет ниже горизонта, то взгляд зрителя будет падать на предметы сверху вниз:

Что ж, спасибо художникам Ренессанса, и будем надеяться, что они одобрили бы наши дальнейшие эксперименты.

Давайте представим, что откуда-то издалека прямо на нас едет автомобиль. Или, наоборот, уезжает от нас за горизонт. В обоих случаях чем дальше автомобиль будет от нас, тем он будет меньше по размеру:

а чем ближе к нам — тем больше:

Это легко понять, потому что в жизни мы наблюдаем подобные явления каждый день.

Теперь давайте определимся, где по отношению к этому автомобилю находится линия горизонта. Для наглядности проведём её прямо через машину:

Как интересно: сколько бы мы не двигали автомобиль ближе или дальше от зрителя, его размеры будут меняться, а вот соотношение частей, на которые его разбивает линия горизонта, останется неизменным. Грубо говоря, линия проходит сквозь него всегда в одном и том же месте.

Эта закономерность — хорошая подсказка, как правильно менять размер объектов на картине. Неважно, больше вы их делаете или меньше, нужно следить за тем, чтобы линия горизонта делила их на две части в неизменной пропорции. Пропорция может меняться только в том случае, если вы опускаете выше или ниже уровень глаз зрителя:

Давайте посмотрим на работу испанского иллюстратора Хуанхо Гуарнидо:

Особенно внимательно присмотримся к фигурам девушки и кота, которые расположены на разном расстоянии от зрителя:

Теперь попробуем определить, где здесь горизонт. Это несложно — на картинке много линий, которые устремляются в одну точку схода:

Так что вот она, наша линия и точка схода на ней:

Нам хорошо видно, на какие части линия горизонта разбивает фигуру девушки:

Если предположить, что кот примерно того же роста, что и девушка, мы получаем подсказку, где должны заканчиваться его ноги:

Для этого нам просто нужно помнить, что его фигура разделена на части линией горизонта в том же соотношении, что и фигура девушки, и эта пропорция не изменилась из-за того, что кот находится ближе. Девушка в данном случае задаёт нам уровень глаз зрителя — контекст, необходимый для получения информации, которая не поместилась на холст.

Многие художники упускают из виду, что в картине должны присутствовать объекты, которые определяют уровень глаз и задают контекст перспективы. Они просто крупно изображают на первом плане какие-нибудь предметы, надеясь, что это само по себе придаст работе глубину:

Однако если рядом нет объектов, которые задают контекст, то все эти крупные предметы просто парят в воздухе. Зритель не понимает, как они соотносятся с уровнем глаз, и какова на самом деле их величина.

Но даже если художник пытается показать глубину с помощью сетки, объекты в картине будут неизбежно накладываться друг на друга и скрывать те части холста, которые могли бы показать перспективу. Так происходит и в рисунке Гуарнидо — здесь точка схода закрыта фигурой кота. Но художник оставляет на виду достаточно линий, которые к ней устремлены, чтобы зритель мог правильно расшифровать перспективу.

Американский художник Дин Корнуэлл тоже оставляет достаточно информации, чтобы можно было восстановить точки схода. В этой работе их две:

Мысленно проведя через них линию горизонта, мы легко можем представить сетку, которую использовал художник.

Главные подсказки у Корнуэлла — это предметы, которые стоят на полу. Конечно, если мы будем вращать эти предметы, то точка схода поменяет своё местоположение. Но она всё равно остаётся на линии горизонта:

Возвращаясь к наложению объектов: оно всегда придаёт картине глубину, но с ним лучше быть поаккуратнее, если вы не хотите испортить силуэты. Например, вот восточная пагода:

Небольшое наложение сделает этот рисунок глубже, при этом зритель всё ещё будет понимать, что перед ним именно пагода:

Но если перестараться с наложением, силуэт легко испортить:

Теперь вряд ли можно догадаться, что это постройка в восточном стиле.

Помните автомобиль, который ездил от нас к горизонту и обратно? Пускай теперь он проедет не прямо к горизонту, а от какой-то точки, которая поближе к камере, до какой-нибудь другой точки, которая подальше:

А теперь пускай повторит точно такой же маршрут, но значительно сдвинувшись к линии горизонта:

Легко заметить, что вторая траектория получилась намного более горизонтальной. Так происходит потому, что чем дальше от нас находятся объекты, тем сильнее их перспективное искажение, и тем более «плоскими» они кажутся. Это хорошо видно на примере изгибов вот этой реки, которую нарисовал американский художник Скотт Кристенсен:

По мере удаления от зрителя изгибы становятся всё более горизонтальными. Это придаёт глубину картине, хотя объектов, по которым было бы легко построить сетку, здесь нет.

Если и другие способы показать глубину, не прибегая к помощи сетки. Например, воздушная перспектива — как вот на этой картине Кристенсена:

Здесь для создания глубины используются только цветовой тон и яркость. Давайте внимательно посмотрим на цвета, которые выбирает художник. Нарисуем таблицу, и вынесем в неё цвета, которые он взял для света и тени, а также для переднего, среднего и заднего планов.

Сначала проанализируем цвета, которыми нарисованы тени. В глаза бросаются сразу две закономерности. Во-первых, на переднем плане эти цвета гораздо разнообразнее по цветовому тону и уровню яркости. А по мере продвижения к заднему плану они становятся всё более однообразными. Во-вторых, чем дальше от зрителя, тем больше художник использует голубых оттенков:

Теперь посмотрим на цвета, которые передают свет. Сразу видно, что по мере удаления от зрителя они становятся более холодными. Но в то же время, по мере продвижения вглубь картины, изначальный оттенок на свету сохраняется дольше, чем в тени. Кроме того, атмосфера отфильтровывает жёлтые тона, поэтому при переходе к заднему плану цвета начинают выглядеть немного более красными:

Если не обращать внимания на такие нюансы, будет сложно убедительно показать глубину. Но если следовать этим законам, то даже очень большие объекты легко изобразить удалёнными от зрителя — при том, что никаких ориентиров, кроме цвета и яркости, у нас нет:

Марко шаг за шагом показывает, как нарисовать картину с учётом законов глубины. Он начинает с того, что проводит линию горизонта, определяет точку схода и строит сетку:

Зритель в данном случае будет смотреть на изображённые объекты, словно находясь высоко над землей — на последнем этаже какого-нибудь здания, на уровне крыш. Поэтому все крыши будут располагаться низко над линией горизонта:

Кроме того, Марко вообще представляет этот город приподнятым над землёй, так что плоскость земли должна быть ниже линии горизонта. Об этом можно догадаться по уровню воды в канале между домами:

Поскольку город плотно застроен, на картине появляется множество объектов, которые накладываются друг на друга — дома на переднем плане частично закрывают дома на среднем плане, фигуры людей закрывают набережную, по которой они идут, а лодки помещаются перед стенами. Казалось бы, это само собой разумеющаяся вещь, но Марко говорит, что часто художники стремятся избежать наложения объектов, и это сразу крадёт у картины часть глубины.

Художник также предупреждает, что при наложении теней нужно следить, чтобы прежние силуэты сливались в новый.

На определенном этапе Марко чувствует, что город уже достаточно ему знаком и проработан, чтобы населить его людьми. Там и сям он рисует то человека, то лодку. Это достаточно увлекательный процесс, когда знаешь, что база создана прочная, и её уже ничто не испортит:

Когда художник замечает, что где-то нарушил перспективу, он возвращается к сетке и выравнивает по ней те объекты, которые выбились из общего ряда:

В итоге город получается примерно таким:

Напомним, Марко Буччи — это известный художник-иллюстратор и преподаватель живописи из Канады. За 15 лет профессиональной деятельности Марко успел поработать с издательством Walt Disney Publishing Worldwide, производителями игрушек LEGO, Hasbro, Mattel Toys и Fisher-Price, разработчиком игр LucasArts, а также мультипликационными студиями Nelvana, GURU Studio, C.O.R.E. Digital Pictures и Yowza! Animation.

В качестве преподавателя Марко сотрудничал с Академией искусств Сан-Франциско, Колледжем Сентенниал в Торонто и другими учебными заведениями.

Перевод сделан специально для Smirnov School. Мы готовим концепт-художников, левел-артистов и 3D-моделеров для игр и анимации. Если придёте к нам на курс, не забудьте спросить о скидке для читателей с DTF.

#арт #лонг #перевод #урок #2D